ROCK N CIGARETTES

Kathleen Hanna canta Nirvana

2010-12-22T17:38:00.000-02:00

Kathleen Hanna, eterna vocalista da banda feminista Bikini Kill, participou no último dia 15 do programa Our Hit Parade, onde cantou pedaços do mega-hit "Smell Like Teen Spirit" do Nirvana e de "Rebel Girl" de seu falecido grupo. Mas o destaque mesmo vai para os casos contados por Hanna ao som de piano. Kathleen mostra um belo domínio de palco não apenas cantando à frente de uma banda, mas também contando histórias de sua juventude ao lado do amigo que cheirava à desodorante. É um grande prazer para fãs da moça e de Nirvana ouvir casos famosos (e outros nem tanto) da história do rock underground da década de 90 da boca de uma das principais personagens da cena de Seattle. Infelizmente não há tradução para o português, mas ainda assim vale muito a pena dar uma conferida.

Zander no Art Garage

2010-12-09T02:38:00.005-02:00

No domingo, após as alegrias e tristezas da última rodada do Campeonato Brasileiro de Futebol, um bom número de roqueiros se reuniu no Art Garage para assistir a seis shows de hardcore. A principal atração da noite era a banda carioca Zander, comandada pelo vocalista, multi-instrumentista e compositor Bil, famoso por seu trabalho em grupos finados como Noção de Nada e Deluxe Trio. O evento estava marcado para as 17h, mas houve certo atraso para o inicio das atividades.

Na abertura do evento, apresentaram-se Rainha Vermelha, os goianos do Atomic Winter, Hellena, Perfecto e Dias. A maior parte do público era ligada à cena hardcore, muitos deles straight edges. Era natural, portanto, a presença de uma barraquinha de comida vegana convivendo em perfeita harmonia com o bar do local. Também havia várias bancas de CDs e merch das bandas que se apresentariam durante a noite. O esquema todo só foi desmontado quando a chuva começou a cair durante o penúltimo show da noite, da banda Dias.

O Zander subiu ao degrau do Art Garage por volta das 23h30, um pouco tarde para um domingo, mas o horário não desanimou os fãs do quinteto. Como som um pouco embolado, a banda carioca começou a apresentação tocando vários sons de seu álbum de estréia, o ótimo Brasa, que estava à venda no local por apenas R$10. Enquanto canções como "Humaitá" e "Motim" eram executadas com muita energia pelo grupo, o apertado salão foi tomado por violentas rodas de pogo e crowd surf. Se o local permitisse, provavelmente também haveria muitos stage dives e até os head walks praticados pelos mais sem noção.

Após o inicio focado em Brasa, as músicas dos dois EPs que precederam o álbum começaram a aparecer e foram recebidas com igual empolgação pelos presentes, que cantavam junto canções mais conhecidas como "Auto Falantes" e a excelente "Pólvora", e não pararam de agitar nem durante músicas mais lentas como "Dialeto", "Em Construção" e "Meia Noite". A apresentação seguiu com essa boa interação entre a banda e o público até o seu final, sem bis, ou qualquer frescura mainstream.

No entanto, nem todos agüentaram o calor extremo que fazia dentro do pequeno Art Garage. As janelas fechadas (talvez em função do pé d'água que caia do lado de fora) e o teto muito baixo não ajudavam a melhorar a o ambiente, que foi ficando cada vez mais úmido. No final da apresentação, a sensação era de se estar vendo um show em uma caverna. Na verdade, à exceção das duas primeiras fileiras imprensadas contra o degrau, também não se estava vendo muita coisa, mas apenas escutando, o que prejudica um pouco a experiência de assistir a uma banda com músicos experientes e com boa presença de palco.

Claro que ficam memórias únicas, como a chance de ver Nenê Altro do Dance of Days quase ser esmagado contra o teto da Zoona Z durante um crowd surf, mas já passou da hora de Brasília ter uma casa de shows minimamente adequada para shows pequenos como o do último domingo. Aliás, também falta à cidade casas de shows para eventos médios, mas não parece que veremos a solução para a falta de estrutura em breve. Por enquanto, os roqueiros da capital continuarão vendo (ou apenas ouvindo) ótimos shows em lugares como Art Garage. Paciência.

A história do Rock N Roll

2010-12-08T01:01:00.002-02:00

Novas postagens em breve. Por enquanto, um pouco de humor por Eduardo Medeiros.

Millencolin no Rio de Janeiro

2010-11-17T01:42:00.007-02:00

Antigo galpão industrial transformado em centro cultural, a famosa Fundição Progresso foi palco do terceiro dos quatro shows da banda sueca Millencolin no Brasil. Era curioso notar a grande quantidade de roqueiros de todas as idades presentes ao evento a poucos metros dos tradicionais Arcos da Lapa, cartão postal do Rio de Janeiro e porta de entrada para o mais boêmio dos bairros da cidade, local de incontáveis bares e apresentações de samba e mpb. Também surpreendente era a quantidade de "bombados" dentro da casa de shows. Sem camisa desde a primeira música, os freqüentadores de academia conduziam incansavelmente a grande (e impiedosa) roda de pogo que se fixou em frente ao palco durante toda a apresentação. Mas engana-se quem pensa que os musculosos estavam atrás de briga. Comportavam-se como verdadeiros fãs, cantando todas as músicas e ajudando os desafortunados que caiam em meio ao caos a se levantarem. Realmente inesperado.

Completamente alheio às observações antropológicas rasteiras deste blogueiro, o Millencolin conduziu um ótimo show em comemoração ao aniversário de dez anos do seu mais aclamado álbum, Pennybridge Pioneers. Por vota das 22h30 da nublada noite de sábado, o quarteto sueco de hardcore subiu ao palco e colocou os fãs para pularem ao som de "No Cigar", que abre também o disco homenageado. Daí para frente, mandaram todas as 14 músicas de Pennybridge Pioneers na ordem do álbum, com pequenas pausas para tentativas não muito correspondidas de comunicação em inglês com o público e as clássicas palavras soltas em português que devem constar de todo contrato para shows de bandas gringas no país. Mas Nikola, Mathias, Erik e Fredrik conquistaram mesmo o público foi com sua simpatia. Cheios de energia, os guitarristas não pararam quietos durante todo o show. O vocalista Nikola Sarcevic e o baterista Fredrik Larzon são mais discretos, mas não menos carismáticos.

Músicas mais rápidas e conhecidas como “Stop To Think”, “Fox”, “Material Boy” e o hit “Penguins & Polarbears” fizeram o clima dentro da Fundição Progresso esquentar e o público parecia genuinamente feliz de assistir o Millencolin tocando o álbum de cabo a rabo. Como nada pode ser perfeito, o som das guitarras estava um pouco baixo, mas nada que estragasse a boa execução das músicas. Para finalizar a primeira parte da apresentação, Nikola fica sozinho no palco com seu violão e chama uma fã sortuda para subir ao palco e cantar o refrão de “The Ballad”. Apesar de bastante desafinada, Thábata era bem extrovertida e aproveitou seus dois minutos de fama, se recusando a sair do palco quando um roadie tentou tirá-la de lá e dando um beijo no guitarrista Erik Ohlsson quando o restante da banda voltou para o final elétrico da canção. Se terminasse por aí, a maioria já se daria por satisfeita, mas todos sabiam que o quarteto voltaria para tocar mais. O que nem todos sabiam é que elas seriam quase todas antigas, dos primeiros álbuns dos caras.

O Bis começou com o primeiro hit da banda, “The Story of My Life” e seguiu como fan-favourites como “Random I Am”, “Lozin’ Must”, “Killercrush”, “Vixen”, a versão estendida de “Buzzer” e a clássica “Mr Clean” cantada pelo guitarrista Mathias Färm, para encerrar a festa pela segunda vez, deixando uma ótima sensação nostálgica pairando sobre o público. Mas o quarteto ainda tinha reservado mais para o os fãs cariocas e voltou ao palco outra vez para tocar “Bullion”, “Dance Craze” e para fechar a noite em grande estilo, a única canção da dos anos 2000 executada na noite, a ótima “Black Eye”, do disco Home From Home. Os fãs ainda queriam mais e ensaiaram cantar outra vez “Olê, Olé, Olé, Millen-colin”, entoado em coro antes e durante o show, como se estivéssemos no Maracanã torcendo pelo time do coração de cada punk rocker presente no local. O Millencolin não voltou, mas ainda havia tempo para curtir um bom chopp Brahma sob as nuvens cariocas olhando para os arcos da Lapa. Tomara que os suecos voltem em breve.

Metric vs The World

2010-11-11T01:50:00.002-02:00

Está acontecendo desde terça-feira no Rio de Janeiro a primeira edição da Rio ComiCon, uma convenção internacional de histórias em quadrinhos organizada pela editora Casa 21. Como em grande parte da chamada cultura pop, muitas vezes as barreiras entre música e HQs são derrubadas por trabalhos que se utilizam uma forma de arte/entretenimento para falar de outras. É o caso de Scott Pilgrim Contra o Mundo, HQ do autor canadense Brian Lee O'Malley, focada nos percalços do relacionamento do canadense pós-adolescente do título com a americana Ramona Flowers.

Apesar da temática, a estética da série (que também virou um belo filme) gira em torno da cultura dos videogames e da musica independente. Scott toca baixo em uma banda de garagem chamada Sex Bob-Omb e sua ex-namorada Envy canta na quase famosa Clash At Demonhead. Para o filme, os produtores convocaram o multi-instrumentista Beck para cuidar das músicas da banda de Scott, o Broken Social Scene compôs as canções do grupo fictício Crash and the Boys e a banda indie canadense Metric cedeu a música "Black Sheep" para regravação pela atriz Brie Larson, que interpretou a ex-namorada famosinha do Scott.

Confira abaixo a apresentação do Metric no lançamento do filme, na convenção de quadrinhos de San Diego em julho. O interessante clipe incorporou à apresentação ao vivo da banda os grafismos que inundam o filme, inserindo a show no universo pop de Scott Pilgrim. Divertido.

Tragam a luz para Liam Gallagher

2010-11-10T15:38:00.002-02:00

A nova banda de Liam Gallagher, o Beady eye, lançou ontem sua primeira música, "Bring The Light". Como Liam havia prometido, trata-se de um rock dançante com muitas referencias à sonoridade das décadas de 50 e 60. A proposta pode parecer interessante em um primeiro momento, emulando Jerry Lee Lewis e o começo dos Beatles (obviamente), mas a verdade é que a faixa soa meio genérica. A produção, propositalmente "crua", também não ajuda muito e a impressão que fica é que Liam está cantando dentro de uma garrafa. Não é realmente ruim, mas esperava-se muito mais de 4/5 do Oasis, uma vez que todos os membros da última formação da mega-banda inglesa escolheram participar do novo projeto, deixando Noel Gallagher sozinho em seu trabalho pós Oasis.

"Bring The Light" pode ser conferida abaixo e no site dos caras é possível baixar gratuitamente a faixa, que também será lançada em formato físico numa edição limitada de 4.000 exemplares em vinil no dia 22 de novembro. O disco também terá uma B-Side chamada “Sons of the Stage”, cover da banda World of Twist. O que vocês acharam?

Marky Ramone Blitzkrieg no Arena Futebol Clube

2010-11-07T03:53:00.007-02:00

A noite da última sexta-feira foi marcada para muitos roqueiros brasilienses pela passagem de mais um revival dos grandes Ramones pela capital federal. O Marky Ramone Blitzkrieg conta com o ex-baterista dos pioneiros do punk rock, com Michale Graves, vocalista de uma das formações do Misfits e com dois argentinos desconhecidos substituindo outros dois membros pouco conhecidos no baixo e na guitarra. Pode parecer uma grande enganação, mas inegavelmente rendeu uma hora e meia de muita diversão para os fãs dos Ramones (e do Misfits), da mesma forma que a apresentação de CJ Ramone ano passado no mesmo Arena Futebol Clube.

Do alto de seus 54 anos, Marky continua com a cabeleira impecavelmente preta e mandando bem com as baquetas. O cara toca quase sem pausas durante cerca de uma hora e nos intervalos entre o setlist principal e os dois bis vem aos microfones para agradecer e apresentar Michale Graves. E apesar do nome do projeto, é o ex-vocalista dos Misfits que se comporta como a estrela da apresentação. Comandando a festa, Graves canta, dá seus pulinhos característicos e tem até um momento sozinho no palco. Os músicos argentinos apenas cumprem seu papel de coadjuvantes e tocam de forma competente os instrumentais ramônicos. Poderia ser qualquer um no lugar dos deles que não haveria diferença, mas também não prejudicam.

A apresentação, que teve início após os shows das bandas locais Gonorants e The Squintz, começou com a clássica "Rockaway Beach" e seguiu lembrando bastante o melhor registro ao vivo dos Ramones, It's Alive, de 1979. Os fãs dançaram, pularam e cantaram junto hinos do punk rock como “Teenage Lobotomy”, “Psycho Therapy”, “Sheena Is A Punk Rocker”, “Havana Affair”, “Beat On The Brat”, “53rd And 3rd”, “Judy Is a Punk”, “Rock N Roll Radio”, “Now I Wanna Sniff Some Glue”, “Poison Heart”, “I Believe In Miracles”, “KKK Took My Baby Away”, “I Wanna Be Sedated”, “Pet Sematary”, “Today Your Love, Tomorrow The World” e “Pinhead”, todos tocados quase sem pausas além da clássica contagem: "1234"!

Após cerca de uma hora a banda se retirou do palco apenas para ouvir o público gritar novamente "Hey Ho, Let's Go!". Na volta, o vocalista Michale Graves subiu sozinho ao palco carregando apenas um violão para executar três faixas dos Misfits, como já vinha fazendo nos outros shows da turnê brasileira. Apesar dos gritos pedindo sons da banda de horror punk, apenas uma minoria na platéia sabia cantar junto “Descending Angels”, “Scream” e “Saturday Night”. Momento emocionante para os fãs da banda e de descanso para aqueles que não os conhecem bem. Em seguida, o restante da banda-tributo volta ao palco para executar uma versão elétrica da ótima "Dig Up Her Bones", hit maior da fase em que Graves esteve a frente dos Misfits e "When We Were Angels", primeira faixa própria do Blitzkrieg, composta pelo vocalista.

A banda saiu mais uma vez do palco, mas todos sabiam que o show ainda não havia terminado, não sem a execução do hino maior dos Ramones. Rapidamente os quatro subiram de volta e tocaram “What A Wonderful World”, na boa versão do disco solo de Joey Ramone e obviamente “Blitzkrieg Bop”, para encerrar a noite. Após uma hora e meia, os fãs que encheram o Arena estavam satisfeitos e com sorrisos no rosto.

Por outro lado, não se pode dizer que não houve falhas no evento. Para começar, o público da noite foi visivelmente menor que o da apresentação de CJ Ramone, apesar de ainda ter marcado presença em bom número. Já Michale Graves parecia empolgado, mas não deixou de reclamar do som do local, já que quase ficou surdo com as interferências do microfone e não pode se aproximar do público e da beira do palco sob o risco de tomar choques. O vocalista também se mostrou incomodado com a dificuldade da mesa de som em equalizar o violão na parte acústica da apresentação. Nada, no entanto, que tenha estragado a ótima celebração ramônica com a banda cover de luxo do Marky. Na saída, fãs comentavam que para a homenagem ser perfeita era só tirar os dois argentinos e colocar CJ e o produtor Daniel Ray no baixo e na guitarra. Difícil discordar.

The Crowd at a Rock Show

2010-11-05T17:07:00.003-02:00

A webcomic Subnormality é publicada virtualmente pela Virus Comix desde 2007. A HQ não tem personagens fixos e muitas vezes nem mesmo pode ser classificada como quadrinhos, mas como charge. De qualquer forma, deparei-me com a imagem acima, que me leva a conclusão de que shows undergroud de rock são muito parecidos em qualquer lugar do globo. Claro que há cenas muito mais estruturadas que outras, mas que fã de rock alternativo não se identifica com o cenário e os personagens acima? A charge, disponível apenas em inglês, pode ser ampliada para melhor leitura. É só clicar na imagem.

Germs of Perfection: A Tribute To Bad Religion (2010)

2010-10-27T19:18:00.004-02:00

Como título do álbum deixa claro, Germs of Perfection é um tributo ao aniversário de 30 anos da essencial banda de hardcore californiana Bad Religion organizado pelo MySpace em parceria com a revista musical Spin. Mas apesar dos nomes de respeito na organização e nas faixas desse álbum virtual, parece que faltou um conceito mais fechado e um direcionamento artístico um pouco mais definido. Por definição, tributos rendem discos variados, uma vez que contam com vários artistas, mas Germs Of Perfection sofre ainda mais com esse problema ao não definir se será composto por regravações acústicas ou elétricas, de artistas do universo punk/hardcore ou distantes desses estilos. Para piorar, a organização das faixas quase que divide o álbum em dois ao deixar os artistas indies separados dos punk rockers. Dependendo da versão do álbum virtual que você tenha baixado, um grupo vem antes do outro, deixando tudo ainda mais estranho.

Apesar da falta de qualquer unidade e do trabalho pouco cuidadoso de listagem das faixas, a grande maioria dos artistas convidados se saiu muito bem, seja reinventando completamente as músicas escolhidas ou mantendo a estrutura, mas dando um tempero próprio à timbragem dos instrumentos e à voz. Os folk-countries William Elliott Whitmore e Frank Turner se aproximam do trabalho solo do vocalista do Bad Religion, Greg Graffin, ao dar um tratamento rústico de voz e violão a "Don't Pray On Me" e "My Poor Friend Me", faixas pouco conhecidas da banda. Switchfoot, Ted Leo e a dupla canadense Tegan e Sara também optaram por versões calminhas de faixas agressivas e antigas como "Suffer" e "Against The Grain", mas com um acabamento mais... romântico. É interessante perceber como a calmaria das faixas ressalta as ótimas melodias das composições originais e as acadêmicas letras de Graffin.

Do outro lado da moeda, o Polar Bear Club fez a versão mais próxima da faixa original de todo o tributo. Não fosse a voz rouca de Jimmy Stadt, seria dificil perceber a diferença dessa "Better Off Dead" para aquela encontrada no álbum Stranger Than Fiction. O texano Riverboat Gamblers vez um bom cover sujo e energético para "Heaven Is Falling", assim como o Cobra Skulls, que deu um toque rockabilly para "Give You Nothing", que conta com uma participação imperceptivel de Fat Mike, do NOFX. Já o Cheap Girls executou "Kerosene" com um tempero de rock clássico e o dinamarquês New Politics colocou com sucesso sua experimentação sonora a favor do clássico "Generator", que conta até com uma passagem reggae. A decepção do álbum fica por conta da versão atrapalhada da antiga "Pity", de 1982, pelo experiente Guttermouth. Nem sempre velocidade se traduz em energia e a impressão que fica é que o quarteto não levou muito a sério a proposta de releitura do álbum. Mas eles não levam nem mesmo a própria música a sério, então era algo a se esperar. No final, fica a sensação de um bom tributo, mas que prometia - e poderia ter entregado - muito mais.

Ace of Spades em um bar francês

2010-10-24T05:35:00.002-02:00

Em sua nova campanha publicitária, a cervejaria francesa Kronenbourg 1664 criou o slogan "slow the pace", uma versão liquida da campanha slow food, para que os consumidores pudessem apreciar calmamente o sabor da lager. O comercial para TV levou os ingleses do Motörhead para um bar francês de atmosfera tranqüila, onde eles puderam executar seu hit "Ace Of Spades" em ritmo reduzido à metade, enquanto idosos locais jogavam cartas e bebiam sua cerveja. O resultado foi um blues de respeito com a sempre marcante voz de Lemmy, que pode ser conferido aí em baixo. Para ganhar entradas para shows da banda na Europa e itens autografados sugira músicas para o Top 10 de melhores versões lentas para músicas rápidas no Twitter da campanha. Agora é só torcer para que a música seja lançada na internet sem cortes e barulhos de fundo.

Face To Face retorna com música e disco novos

2010-10-17T17:40:00.004-02:00

Depois de oito anos de silêncio, os estadunidenses do Face To Face estão de volta com um novo álbum, chamado Laugh Now, Laugh Later. A banda, que havia entrado em hiato no meio da década, não lançava um disco de inéditas desde How To Ruin Everything, de 2002. Infelizmente, o trabalho só verá a luz do dia em janeiro do próximo ano, por meio da gravadora do vocalista Trever Keith, a Antagonist Records. Mas para saciar a curiosidade dos fãs, o quarteto liberou o primeiro single do disco para audição e download gratuito em seu site oficial. A faixa se chama “Should Anything Go Wrong” e pode ser ouvida no player abaixo.

Trata-se de um punk rock melódico acelerado que segue a mesma linha do restante do trabalho da banda e deve agradar bastante quem gosta dos caras, apesar de não ter um refrão tão memorável quanto o dos clássicos do quarteto. Vale lembrar também que toda a arte do disco foi concebida pelo tatuador Corey Miller, famoso por sua participação no reality show LA Ink, comandado pela famosa tatuadora Kat Von D. Corey também imprimiu o mesmo conceito visual nas costas do vocalista Trever Keith, na última temporada da série, que no Brasil vai ao ar pelo canal pago Liv.

Entrevista com a banda candanga Deceivers

2010-10-14T02:44:00.004-03:00

Com quase 20 anos de estrada, a banda brasiliense Deceivers tem três álbuns na bagagem, o mais recente deles chama-se Paralytic, e foi lançado este ano. Nosso colaborador Boss Matsumoto conversou com o vocalista Gregório, único membro original da banda, por onde já passaram 25 músicos. Saiba mais sobre o disco novo, Porão do Rock, a experiência nos EUA e muitos outros assuntos na entrevista abaixo.

Boss Matsumoto: Complete a frase: "Desde 1992..."

Gregório: As coisas mudaram muito. O mundo, a música, as pessoas. Acho que eu também mudei muito... mas o rock continua e resiste a trancos e barrancos.

BM: Quantas vezes você já pensou em desistir da banda?

Gregório: Algumas vezes em que a coisa saia muito do âmbito da diversão, e se tornava um tormento. Mas só os fortes sobrevivem e por isso que estou a uns 18 anos na banda, e hoje é um “dever cívico” mantê-la! (risos)

BM: Qual é a pior parte de uma mudança de um membro da banda? Tem que esperar o rapaz pegar o feeling das músicas?

Gregório: Isso mesmo! Esperar a coisa ficar natural. Passar as músicas também é um saco! Esses dias fizemos um balanço e pasmem: Já passaram mais de 25 pessoas pela banda!

BM: Me fale um pouco sobre essa formação atual.

Gregório: Estamos mais maduros que nunca, sabemos onde queremos e podemos chegar. Diversão e prazer na frente. Obrigações? Só com nossa qualidade e integridade como banda!

BM: Tocar no Porão do Rock deu alguma resposta pra vocês? Qual foi a melhor show que vocês tocaram no festival?

Gregório: O Porão sempre foi uma dor de cabeça para a banda... Prepara-se um grande show, um lançamento e pimba! Eles fazem dar errado! Nesses anos de participação por lá, chegamos à conclusão que a produção não se importa muito com as bandas daqui. Esse ano, fomos mais uma vez desrespeitados, tendo nosso som cortado com uns 15 minutos de show. Uma palhaçada com o público e com a banda... Um grande desrespeito.

BM: A tentativa de morar nos Estados Unidos sempre esteve nos planos da banda? Ou foi uma oportunidade que surgiu e vocês agarraram? Quanto tempo demorou para tomarem a decisão?

Gregório: A idéia de ir pra fora sempre esteve nos planos da banda. Sabíamos da grande dificuldade de “profissionalizar” nossa banda aqui no país. Conseguimos um contrato com um manager de lá e fomos na cara e na coragem mesmo... Desde que começamos a gravar com a banda sabíamos que o mercado que dava alguma chance para nós estava fora do Brasil, o que é uma pena... Fizemos um grande trabalho por lá, de divulgação mesmo. A experiência ficará para toda nossa vida também!

BM: Tentariam de novo?

Gregório: Não mais do mesmo jeito... Envelhecemos, temos família, mulher, filhos... Hoje em dia temos a ambição de fazer nosso som chegar ao máximo de pessoas via internet, e começar a armar uma tour por essas terras estrangeiras e desconhecidas. Tudo mudou muito de nossa época pra cá, hoje a internet consegue nos “levar” a essa gente diferente do mundo afora!

BM: Qual foi a parte mais difícil de morar no exterior para tentar o sucesso da banda?

Gregório: Controlar nossos egos e diferenças num ambiente sem grana! Isso foi o mais foda mesmo...

BM: O que você recomendaria para um rapaz que fala: "Estou montando uma banda em inglês para poder viajar, morar no exterior e viver de música"?

Gregório: Um conselho do ator Johnny Depp serve muito para essa pergunta, esse conselho me norteou por muito tempo: “Faça todo o possível no seu país, antes de tentar alguma coisa no dos outros”!

BM: Como foi o processo de criação desse novo CD? O que diferencia ele dos outros materiais?

Gregório: Foi muito diferente! O Paralytic é nosso álbum mais bem produzido, sem dúvida. Junto com o produtor Gui Negrão, procuramos deixar todo o processo de gravação e mixagem “o mais orgânico” possível. Sem triggers de bateria, com passagens e takes inteiros de batera e vocais... Além da masterização no Sterling Sound, o melhor do mundo no seu segmento.

BM: O que espera do público em relação a esse novo trabalho?

Gregório: Espero que ouçam e guardem os sons, procurem as letras, o encarte... Que conheçam a obra completa, algo tão raro nos tempo de mp3. Um iPod com 300 milhões de músicas é o que mais se vê ultimamente!

BM: Qual foi a maior dificuldade pro Deceivers, que é uma banda brasiliense independente, que canta metal em inglês?

Gregório: Achar pessoas que estivessem comprometidas com a banda e dispostas a seguir anos com ela.

BM: Você toca algum instrumento?

Gregório: Tudo e todos (risos)

BM: Quais são os 5 CDs que estão tocando no seu rádio (ou mp3 ou mp4 ou mp5 ou mp1000 ou iPod ou iPobre)?

Gregório: Eminem – The Eminem Show; Poison The Well – The Rot Tropic; Alexis On Fire – Young Cardinals, que é uma obra prima!; Skindred – Shark Bites; e o último do High On Fire.

BM: Voltando 18 anos no tempo, que bandas tocavam no seu Walkman?

Gregório: Biohazard; Cannibal Corpse, que ouço até hoje; DFC; Asphyx; Machine Head; Stuck Mojo; Hed PE; Sick Of It All, Ratos de Porão; Downset…

BM: O microfone é seu agora, dê um recado, se quiser.

Gregório: Obrigado pela grande oportunidade da entrevista! E parabéns por manter a cena viva.

Kris Roe toca nova música do Ataris na rua

2010-10-06T23:35:00.008-03:00

No último mês de julho, a produtora de vídeos musicais Ecce capturou um mini-show de Kristopher Roe, a "alma" da banda The Ataris, em um banquinho na calçada em frente ao Marquis Theatre, em Denver, onde o grupo se apresentava naquela noite. São três vídeos para duas músicas antigas, "Broken Promise Ring" e o hit "In This Diary", e uma nova chamada "The Graveyard of the Atlantic" que estará no álbum de mesmo nome, a ser lançado ano que vem, segundo o próprio Kris conta nos vídeos.

O vocalista, guitarrista e compositor mostra em versões acústicas que seu talento continua intacto após tantos anos longe da mídia, mas visualmente o impacto pode ser grande para os antigos fãs do Ataris. Kris ganhou um pouco de peso, perdeu muito cabelo e alguns dentes, mas ainda está longe da aparência decadente que atinge alguns músicos do underground, quando os anos de drogas e carpe diem cobram seu preço. E apesar do sucesso comercial ter-se ido há vários anos, alguns pedestres reconhecem o cara e param para assistir a apresentação, que apesar de improvisada, é bem produzida pela Ecce. Confira os três vídeos abaixo:

"In This Diary"

"The Graveyard of the Atlantic"

"Broken Promise Ring"

Zander - Brasa (2010)

2010-09-29T13:37:00.004-03:00

Apenas dois anos após se juntarem, os cariocas do Zander lançaram este mês seu primeiro trabalho longo, Brasa. A gravação pode parecer apresada, mas se justifica pela experiência do quinteto no cenário underground brasileiro. O vocalista e compositor Gabriel Zander, que dá nome à banda, é mais conhecido como Bil e fez parte de duas aclamadas bandas de hardcore, o Noção de Nada e o Deluxe Trio. Outros membros da banda fazem ou faziam parte de grupos como Heffer e Dead Fish. Também por isso, os caras nem se preocuparam em buscar um produtor ou uma gravadora e partiram imediatamente para dois EPs e esse álbum, lançado pela Manifesto Discos, de propriedade de alguns integrantes da banda, assim como o estúdio SuperFuzz, onde aconteceram as gravações.

O espírito independente também se reflete no som do Zander, que não se restringe ao hardcore, passeando pelo post-hardcore, emocore, hard rock e até indie rock. Curiosamente, Brasa é menos ousado musicalmente do que os dois EPs anteriores. Se em Em Construção, de 2008, a banda atirava para vários lados, aqui eles se mantém em território conhecido. Outro fator que chama atenção de cara são os vocais de Bil, um pouco mais limpos e menos roucos do que nos EPs ou em suas bandas anteriores. Isso, por si só, dá um feeling levemente pop às músicas, sem tirar delas a qualidade ou a energia. O único porém é que o álbum demora um pouco para esquentar. Se as primeiras faixas são legais, a coisa só começa mesmo a pegar fogo a partir da quarta música, "Todos os Dias".

Entre as 11 faixas que compõem o disco, destacam-se as energéticas "Motim" e "Humaitá", a balada "Meia Noite", e "Sunglasses", a primeira música em inglês do quinteto. As primeiras têm uma leve influência de hard rock, como "Pólvora", melhor faixa do EP de 2008. "Meia Noite" lembra algumas músicas do Deluxe Trio e explora bem a melodia mais pop e as guitarras pesadas e bem trabalhadas. Já "Sunglasses" é um bom emocore noventista que não faria feio em uma coletânea da famosa gravadora estadunidense Jade Tree.

Também é interessante notar como Bil consegue integrar com naturalidade as letras em português às melodias corridas do hardcore, algo em que muitas bandas nacionais não têm tanto sucesso. As palavras nunca soam como traduções de letras em inglês e a temática é claramente brasileira (e carioca) sem nunca parecer forçada. A banda não busca em nenhum lugar sua "brasilidade" ou tenta mesclar regionalismos ao seu som. O Zander é simplesmente uma banda de hardcore brasileiro. Será interessante conferir a evolução dos caras em seus próximos trabalhos e ver se Bil se mantém coerente ao que canta em "Todos os Dias": "Vale tudo que não seja nos repetir".

Homenagem virtual ao Bad Religion

2010-09-29T13:30:00.005-03:00

Em uma interessante parceria com a revista estadunidense de música Spin, o MySpace Music está lançando virtualmente Germs of Perfection: A Tribute to Bad Religion, coletânea que consiste em bandas de vários estilos fazendo covers de músicas que os influenciaram ou simplesmente os marcaram em nível pessoal ao longo dos 30 anos de história da banda californiana. Todo dia útil uma nova faixa será lançada no site do projeto e no dia 19 de outubro o álbum estará disponível para download na página virtual.

Até agora, três faixas já foram divulgadas pelo MySpace. São versões da dupla gêmea canadense Tegan e Sara para o clássico "Suffer", do disco de mesmo nome de 1988; um cover da música "Better off Dead" do álbum Stranger Than Fiction (1994) pela banda de post-hardcore Polar Bear Club; e por último, o folkman Frank Turner canta "My Poor Friend Me", do álbum clássico Recipe For Hate, de 1993. Ouça as versões abaixo, acompanhe os novos lançamentos e espere por uma eventual resenha do tributo por aqui.

Tegan e Sara tocam "Suffer"

Encontre mais artistas como Tegan and Sara em MySpace Music

Polar Bear Club toca "Better off Dead"

Encontre mais artistas como Polar Bear Club em MySpace Music

Frank Turner toca "My Poor Friend Me"

Encontre mais artistas como Frank Turner em MySpace Music

Bad Religion - The Dissent Of Men (2010)

2010-09-22T02:43:00.009-03:00

15º álbum do Bad Religion, The Dissent of Men começa seguindo a tradição criada pela própria banda californiana desde a volta do guitarrista Brett Gurewitz, em The Process of Belief, de 2002. São três faixas pesadas e rápidas, prontas para agradar os fãs mais saudosistas da banda. Mas não se deixe enganar. O novo álbum do sexteto é possivelmente o mais variado de toda a ótima discografia dos caras. Com o jogo ganho nas primeiras faixas, Mr Brett e o vocalista Greg Graffin ficam livres para experimentar nas composições e criam um disco que se equilibra bem entre o hardcore (muito) melódico que os tornou tão respeitados no underground, o pop punk que os levou a certo sucesso comercial e a uma grande gravadora, e alguns rocks cadenciados, que marcam a inovação anunciada pela banda antes do lançamento.

Segundo Brett Gurewitz, várias canções de The Dissent of Men o tiraram da zona de conforto a que banda havia se confinado nos três últimos lançamentos, levando-o de volta à variedade dos clássicos Recipe For Hate e Stranger Than Fiction, da primeira metade da década passada. Para além deles, algumas faixas chegam a lembrar os fracos No Substance e New America, mas a banda se sai muito melhor do que se saiu 10 anos atrás ao explorar instrumentais distantes do punk/hardcore e ao dar mais atenção à melodia do que à velocidade ou o peso das guitarras. "Pride and The Pallor", "Turn Your Back On Me" e "Where The Fun Is" (cujo riff repetitivo lembra "Hippy Killers") caberiam bem nos álbuns citados, mas não soam preguiçosas como soavam as músicas daqueles lançamentos, e poderiam ter elevado os discos de 1998 e 2000 a outro nível de qualidade.

Entre as faixas mais pops, chamam atenção a ótima "Ad Hominem", com seu instrumental quebrado e um refrão surpreendentemente grudento, e "I Won't Say Anything", uma balada que fecha o disco e pode chocar alguns fãs. Extremamente radiofônica, a faixa é boa, mas só tem o vocal de Graffin em comum com o restante das músicas do Bad Religion. Também surpreendentes são "Someone To Believe" e "Cyanide". A primeira conta com um riff de hard rock bem integrado à pegada hardcore típica da banda, e a segunda tem fortes influencias de rock clássico e até country. Cadenciada, a faixa tem guitarras com um timbre setentista e até um slide no solo. A descrição faz parecer impossível, mas ambas são canções muito boas. Por outro lado, os fãs mais tradicionalistas também não têm do que reclamar. Além das faixas que abrem The Dissent Of Men, "Wrong Way Kids", "Meeting Of The Minds" e "Avalon" lembram porque o Bad Religion ainda é, após 30 anos, o maior representante do hardcore californiano.

Digging For Jimmy Fallon

2010-09-22T02:38:00.002-03:00

Após 9 anos de silêncio, os indie rockers estadunidenses do Superchunk lançaram este mês Majesty Shredding, cuja resenha deve aparecer em breve nesse blog. Para divulgar o lançamento, o quarteto fez sua volta também à televisão, executando ao vivo a ótima faixa de abertura do disco, "Digging for Something" no talk show Late Night com Jimmy Fallon. Acompanhados de John Darnielle, da banda The Mountain Goats, o veterano quarteto parece uma banda iniciante tamanha é a empolgação transmitida principalmente pelo vocalista Mac McCaughan. Assista e baixe (ou compre) o álbum:

Porão do Rock 2010

2010-09-13T01:57:00.006-03:00

O que você está prestes a ler não é uma resenha propriamente dita da edição 2010 do festival Porão do Rock. Trata-se mais de um relato informal opinativo deste blogueiro, sem a intenção de precisar números, setlists ou de falar sobre todas as apresentações da noite de 11 de setembro.

Principal evento roqueiro da capital federal, o Porão do Rock chega a sua 12ª edição cheio de dúvidas em relação ao seu futuro e envolto em críticas, como sempre foi. Desde sua concepção, o festival tem conhecidos defeitos, sempre apontados de acordo com as expectativas e gostos de cada grupo de amantes do rock. Não seria diferente desta vez. Apesar disso, o Porão segue atraindo uma multidão de fãs do estilo e seus subgêneros ano após ano. Assim como havia acontecido em 2002, a edição 2010 do Porão do Rock foi realizada em apenas um dia. Assim como há oito anos atrás, foi exaustivo tentar acompanhar o festival de sua abertura até o encerramento, com suas 33 atrações. A decisão supostamente foi tomada pela falta de patrocínio que inviabilizaria o acontecimento do evento em dois dias. A solução foi então a colocação de três palcos com shows simultâneos dentro e fora do ginásio esportivo Nilson Nelson.

Dentro do ginásio foi montado o palco GTR, dedicado ao heavy metal e todos seus subgêneros. Nesse palco, assisti apenas a uma parte da apresentação das meninas do Estamira, banda vencedora de uma das seletivas realizadas previamente ao evento. O quinteto parecia muito seguro e confortável no palco e, aparentemente, já está construindo uma boa base de fãs no DF. Ainda se apresentaram lá grandes atrações nacionais, como André Matos, Korzus e Musica Diablo. Do lado de fora, estavam o Palco Pílulas, dedicado ao punk rock, rockabilly e outros estilos de rock pesado, e o Palco Chilli Beans, com atrações mais variadas de indie rock, pop rock e até hip-hop. Esse último localizava-se ao lado da entrada e parece ter se beneficiado um pouco disso. A apresentação dos mineiros do Pato Fu estava bem cheia e os estadunidenses do She Wants Revenge tiveram boa aceitação do público que já começava a minguar quase às 3h da manhã.

A programação ainda não estava nem perto de terminar, mas o excesso de atrações e o clássico (e desrespeitoso) atraso na abertura dos portões já começava a vencer o público. A arena já se estava mais vazia do que algumas horas antes e muitas pessoas eram vistas pelo chão, namorando, dormindo ou vomitando. A última atração da noite (os paulistanos do Musica Diablo) deveria entrar no Palco GTR às 3h10, mas quando esse blogueiro deixou o festival, por volta das 4h30, os cariocas do Gangrena Gasosa, penúltima atração dentro do ginásio, ainda se apresentavam. No Palco Chilli Beans, a situação era ainda pior e a penúltima banda, os candangos do Enema Noise, ainda se preparava para subir ao palco. Para piorar a situação, o Palco Pílulas correu atrás da 1h30 de atraso inicial e ao final da noite havia alcançado o horário previamente divulgado, o que fez com que as duas maiores bandas internacionais do festival, que deveriam se apresentar com quase duas horas de diferença, caíssem exatamente no mesmo horário. Desorganização total.

Por volta das 2h, o duo pós-punk She Wants Revenge subiu ao palco, empurrando a apresentação dos capixabas do Zémaria para mais tarde. Abrindo e fechando a apresentação, a banda, que ao vivo é um quarteto, tocou os maiores hits de seu primeiro álbum. No início, mandaram "Red Flags And Long Nights" e "These Things". Na saída, "Out Of Control" e "Tear You Apart", cantada com empolgação pela razoável parcela do público que conhecia a banda. Mostraram ainda duas boas músicas novas que devem estar em seu novo trabalho e um ótimo cover desacelerado de "Wave Of Mutilation", dos Pixies, que se encaixou muito bem no repertório dos californianos. Enquanto os góticos se divertiam, a organização resolveu segurar a entrada dos texanos do Supersuckers no Palco Pílulas até quase o final da apresentação do She Wants Revenge. O resultado foi triste para a veterana banda de rock n roll.

Os Supersuckers podem até ser "a melhor banda de rock n roll do mundo", mas não são assim tão famosos a ponto de segurar o encerramento de um dos palcos do festival. Para piorar, foram escalados no palco mais vazio da edição, montado nos fundos da arena, atrás do ginásio. O resultado foi a apresentação certa na hora e local errados. Experientes e seguros, os caras não se deixaram abater e tocaram todo o seu bom repertório de rock sulista no melhor estilo Ramones, quase emendando uma música na outra. Boas canções como "Sleepy Vampire", "Pretty Fucked Up" e o clássico cover de Thin Lizzy "Cowboy Song" fizeram a festa das poucas pessoas que conheciam a banda, mas o clima estava meio deprê, com pouquíssimas pessoas assistindo a banda e um som tão baixo (apesar de redondo) que era possível conversar com alguém ao lado sem gritar ou falar ao ouvido. Uma pena que as circunstâncias tenham diminuído um belo show.

Horas antes, o mesmo palco tinha visto três boas apresentações seguidas. Os paranaenses do Sick Sick Sinners empolagaram o público com seu psychobilly nervoso e até agradaram os metaleiros com um bom cover de Motorhead, apesar de uma pequena briga ter interrompido brevemente a apresentação. Às vezes não dá certo juntar psychos, straight edges e metaleiros em mesmo palco quando boa parte deles estão bêbados. Em seguida, foi a vez dos porteños do Los Primitivos botarem a galera para dançar ao som de rockabilly. Todos os três músicos eram muito bons e tinham toda a pose e auto-confiança necessárias para tocar bateria em pé, espancar um contrabaixo enorme sem ficar parado e solar na guitarra enquanto cantavam em espanhol e inglês para um público que nunca tinha ouvido falar deles. Uma bela surpresa com direito a cover de Johnny Cash.

Depois dos hermanos foi a vez dos Autoramas mostrarem um setlist que misturou uma primeira parte acústica, como a última apresentação do trio em Brasília, e uma segunda parte elétrica, com os sucessos que fazem a festa dos fãs todas as muitas vezes que a banda vem se apresentar na cidade. Como também já é habitual, o show contou com uma rápida participação de Érica Martins, ex-vocalista do Penélope e esposa de Gabriel Tomáz, em "Música de Amor". Os espanhóis do Right Ons, por outro lado, não acrescentaram muito com seu rock clássico com influência de soul cantado em inglês.

O balanço final da 12ª edição do Porão do Rock pode ser considerado positivo, principalmente se for levado em conta que o evento foi organizado bem em cima da hora e não se tem muita certeza do futuro do festival. Por outro lado, é uma pena que a ONG Porão do Rock não tenha até hoje encontrado um formato ideal para o festival ou a segurança financeira necessária para um planejamento e divulgação de longo prazo. Seria interessante saber se ano que vem o Porão vai acontecer em junho ou em setembro, se vai ser gratuito ou não, se vai ser fechado como esse ano ou aberto na Esplanada dos Ministérios, ou mesmo se ele realmente vai acontecer. Também seria bom se esquecessem a infeliz idéia de incluir uma banda cover entre tantos bons trabalhos autorais. Na opinião desse blogueiro, o festival estava melhor resolvido em suas edições de 2007 e 2008. Tomara que o Porão volte àquela forma.

Weezer e Johnny Knoxville

2010-09-12T18:36:00.006-03:00

Para completar a resenha abaixo, assista ao novo videoclipe do Weezer, para o primeiro single de Hurley, "Memories". O divertido vídeo traz o quarteto festejando no melhor estilo Jackass, o antigo programa da MTV que traz muitas memórias. Reparem no tratamento de envelhecimento dado à imagem, para que ela fique com aquele ar de fitas de vídeo caseiras que sua mãe guarda com carinho.

Weezer - New Music - More Music Videos

Weezer - Hurley (2010)

2010-09-09T17:01:00.006-03:00

Na metade dos anos 90, o Weezer conseguiu a façanha de agradar indie rockers, a crítica musical e ainda fazer certo sucesso comercial, transformando músicas fáceis (Buddy Holly) e dificeis (Say It Ain't So) em hits das rádios estadunidenses. Após entrar em hiato em decorrência do fracasso comercial de seu segundo álbum, o hoje cult Pinkerton, o quarteto voltou em 2001 com um comportamento e discos menos indie e mais radiofônicos. São assim os bons Green Album, Maladroid e o introspectivo, mas musicalmente fácil, Make Believe. A partir do terceiro trabalho auto-intitulado, de 2008, o vocalista, compositor e nerd Rivers Cuomo decidiu abraçar de vez seu Pinkerton interior (o personagem mulherengo e rockstar que dá nome ao disco de 1996) e começou a posar de baladeiro e amigo de rappers. Se esteticamente o Weezer de 2010 é uma caricatura sem graça do que a banda já foi um dia, Cuomo não perdeu seu talento para escrever ótimas canções pop e disfarçá-las de indie rock, new wave e hard rock.

Hurley mistura um pouco de tudo isso que a banda já fez e aposta em uma novidade: as músicas para as pistas de dança. Por isso mesmo, o álbum é marcado por teclados e sintetizadores, assim como Maladroid era marcado pelas guitarras. As duas primeiras músicas divulgadas, as boas "Memories" e "Ruling Me" são cheias de barulhinhos e efeitos de teclado, assim como a ótima "Where's My Sex?". Mas a faixa que realmente pode assustar os fãs mais conservadores e animar os clubes noturnos de Los Angeles é "Smart Girls", que conta com um batidão inimaginável em um disco do quarteto há uma década atrás. Na mesma veia está "Represent", presente na versão deluxe do lançamento.

Mas o disco de Jorge Garcia também conta com várias baladas. "Unspoken" começa acústica e excessivamente pop e fofinha, mas perto do final explode em um rock vigoroso cheio de distorção. "Times Fly" também é interessante por sua produção. A soma de uma batidona repetitiva com os violões roots e uma gravação propositalmente tosca valoriza o que poderia se só mais uma faixa típica da banda, e funciona bem como fechamento da versão simples do álbum. Já "Run Away" aposta em um clima anos 60, cheio de backing vocals e guitarras de rock clássico. No final, as dez faixas do lançamento fazem de Hurley um álbum bem mais variado que o bom Raditude, do ano passado, mas não esquizofrênico e sem pé nem cabeça, como o Red Album de 2008. Às vezes pode ser difícil engolir um cara de 40 anos, graduado pela universidade de Harvard, cantando letras adolescentes sobre sexo, amor e baladas com rappers, mas com um pouco de boa vontade, o Weezer modo diversão despretensiosa pode ser quase tão legal quanto o quarteto introspectivo do Blue Album e de Pinkerton.

Carbona – Dr. Fujita Contra A Abominável Mulher-Tornado (2010)

2010-09-05T00:56:00.005-03:00

O Carbona está de volta. Quatro anos após seu lançamento anterior, o apenas bom Apuros em Cingapura, o trio se metamorfoseou em um quarteto com a adição do guitarrista Bjorn Hovland e lança na próxima terça-feira Dr. Fujita Contra A Abominável Mulher-Tornado. Como o vocalista Henrique Badke explicou, Dr. Fujita foi um pesquisador de tornados e inventor da Escala F, que mede a intensidade destes destrutivos fenômenos naturais. Mas será que a famosa escala do cientista nipo-americano é capaz de medir a devastação causada nos corações daqueles que cruzaram com a abominável mulher-tornado?

Como a divertida idéia do título deixa claro, quem também está de volta é o velho e divertido bubblegum punk que tornou o Carbona famoso no meio independente brasileiro. Longe das baladas chapadas de luau e a produção excessiva do último lançamento, o minimalismo é a marca maior desse novo álbum. Trata-se de apenas 11 canções de 3 acordes que juntas somam módicos 24 minutos de rock. Diz a lenda que Dr. Fujita... foi escrito em apenas 10 dias. Mas se o que importa é a qualidade do som, o quarteto acertou em cheio.

Duas das músicas presentes no lançamento já eram conhecidas dos fãs que ouviram a coletânea Quasplit, lançada ano passado. Mas a faixa de trabalho "Valentina" e "Massacre Da Serra Elétrica" foram retrabalhadas e ficaram ainda melhores. Já "Sempre Que Eu Fico Feliz Eu Bebo" é um cover da clássica canção dos candangos do Gramofocas, que o Carbona já toca em seus shows há algum tempo. Não há grandes novidades entre as duas versões, mas a música se encaixa com perfeição no repertório carbônico.

Falando em apresentações ao vivo, a faixa instrumental que abre Dr. Fujita..., "Sopa De Água-Viva", deve também abrir os shows da próxima turnê dos cariocas, tal qual "Durango 95" uma vez abriu os shows dos Ramones. Aliás, encontrar as referências das letras de Badke é uma diversão à parte. Em "Esse Danado Desse Traste De Amor", o vocalista canta "o amor mata mas a gente é teimoso e ressuscita", em clara referencia à "Love Kills" dos Ramones, canção regravada pelo Carbona tempos atrás. Já Valentina está orbitando o planeta enquanto são 3:53 em uma fria Moscou, assim como no quarto do solitário Henrique, na faixa mais minimalista de toda a carreira do quarteto, "3:53".

Entre referências textuais e sonoras à Ramones, The Queers, Screeching Weasel, Groovie Ghoulies e à própria banda, o álbum passa em um piscar de olhos e te deixa com um gostinho de quero mais. Se dermos sorte, a banda também voltará ao antigo hábito de lançar um disco novo todo ano. Rezem para Joey.

Retrospectiva do Dandy Warhols para audição

2010-08-26T02:03:00.005-03:00

Os indie rockers estadunidenses do Dandy Warhols lançaram na última terça-feira uma coletânea que, apesar de não levar o nome, pode ser considerada um best of do quarteto de Portland. The Capitol Years 1995–2007, como o nome explica, reúne as melhores músicas dos cinco álbuns lançados pela banda através da gravadora Capitol. Ficam de fora apenas as faixas do sexto e último álbum de inéditas dos caras, …Earth to The Dandy Warhols…, de 2008. Além de sucessos dançantes como "Every Day Should Be A Holiday", "Bohemian Like You" e outras 12 canções, o lançamento conta com a tradicional faixa inédita destinada a fazer os fãs que já tem todos os discos comprarem a coletânea. Nesse caso trata-se de "This Is The Tide", que você pode escutar no player abaixo. Se você quiser conferir em streaming The Capitol Years por inteiro, acesse o site da Spinner, antes que o disco saia do ar.

Escute o novo álbum do Street Dogs

2010-08-25T01:18:00.005-03:00

Formada em 2002, a banda americana Street Dogs é o atual projeto musical de Mike McColgan, mais conhecido por ter sido o vocalista original dos famosos Dropkick Murphys até 1998 (é dele o vocal de "Baroom Hero", um dos maiores hits dos Murphys). Como seria de se esperar, o quinteto toca o irish punk rock tradicional da cidade de Boston, casa de muitos imigrantes irlandeses (e brasileiros) nos EUA.

Para divulgar seu próximo álbum, auto-ititulado, a banda decidiu liberar todas as 18 músicas do lançamento para audição gratuita na web. Street Dogs chegará às lojas fisicas e virtuais no proximo dia 31 de agosto, via Hellcat Records (gravadora de Tim Armstrong, vocalista do Rancid, que também já lançou vários trabalhos do Dropkick Murphys). Escute o álbum aqui.

Hurley

2010-08-10T02:00:00.006-03:00

Não, não vamos voltar ao assunto 'Lost' aqui no blog. Essa aí em cima é a bizarra capa do novo álbum do Weezer, propriamente nomeado Hurley. Sim, a capa do próximo lançamento do quarteto estatunidense vai consistir apenas no rosto do ator Jorge Garcia, que interpretava o simpático personagem Hurley no finado seriado. Não há nome da banda, do álbum, ou qualquer interferência gráfica. Apenas o rosto do novo Jacob. Também não se trata de uma piada.

Segundo o vocalista Rivers Cuomo relatou a revista gringa Spinner, ele simplesmente adora a foto do ator, por sua energia. "Como não queríamos fazer um quarto álbum com o nome da banda e como as pessoas iam mesmo chamar de 'disco do Hurley', então decidimos chamar o álbum de Hurley logo. Não tem nada escrito na capa porque queríamos preservar esse rosto magnífico", declarou Cuomo. A imagem da capa é um recorte de uma foto do vocalista com Jorge Gracia em um hotel ou algo parecido.

Mas Rivers deixou claro que não há no álbum nenhuma música que faça referencia a série, que ele nem sequer assistia regularmente. Segundo declarações anteriores, o disco deve ter uma pegada heavy metal, dentro do estilo pop/rock alternativo consagrado do Weezer. Também não é o que aponta o primeiro single de Hurley, um pop rock com batida dançante e teclados em profusão. "Memories" vazou na web logo após a sua estréia oficial (em versão remixada) na rádio 98.7, de Los Angeles, cidade natal do quarteto, que decidiu então liberar logo a versão que estará no disco, que sai nos EUA no dia 14 de setembro, via Epitaph Records.

A troca de uma gravadora major pela gigante independente de Mr, Brett pode ser uma indicação de que o Weezer queria mais liberdade para fazer as bizarrices que dessem na telha, como a engraçada e absurda capa de Hurley deixa claro. Se as músicas forem tão boas quanto as do último lançamento dos caras, Raditude (cuja capa é uma foto de um cachorro voando), o álbum pode se tornar um clássico do universo nerd. Escute a novíssima "Memories" aí em baixo.

Weezer - Memories by Hypetrak

A invasão das ex-bandas em atividade

2010-08-02T02:06:00.005-03:00

Na última quarta-feira, Marco Aurélio Canônico postou no blog da Ilustrada (o caderno de cultura da Folha de S. Paulo) uma previsão do setlist que o Smashing Pumpkins deve apresentar no Brasil em novembro, dentro do festival Planeta Terra. O repórter não chuta nada, apenas comenta sobre um show da atual turnê da banda que presenciou na mesma semana em Nova Iorque, e relata que a apresentação é focada no ultimo projeto dos estadunidenses, Teargarde by Kaleidyscope, cujas canções vêm sendo lançadas on-line gradativamente, como vem fazendo os britânicos do Ash em seu A-Z Series. Mais interessante, no entanto, é a comparação que Canônico faz entre os vários shows da banda que já viu. A melhor parte é essa abaixo:

É curioso notar como a postura de Billy Corgan no palco mudou, certamente um reflexo de tudo que aconteceu na sua conturbada vida e carreira até aqui. Se no show de 1996 ele encarnava totalmente o espírito "despite all my rage I'm still just a rat in a cage" (a cabeça raspada como uma mensagem, assim como o zero que ele vestia, uma mistura de raiva e depressão) e personificava cada letra de suas músicas, atualmente ele parece um "tio" careca que acompanha uma banda de jovens admiradores, meio abobalhado, sem foco, talvez tentando fazer a linha "disarm you with a smile" - fala algumas gracinhas sem graça, algumas coisas desconexas, alguns "God bless", pede desculpas aos fãs "old school", diz que é um "marionete" que faz o que platéia mandar... enfim, um personagem bem menos interessante e carismático.

Pode parecer repetitivo para os poucos que acompanham o blog regularmente, mas não me canso de comentar sobre as ex-bandas em atividade. Infelizmente, o Smashing Pumpkins de 2010 parece se encaixar perfeitamente na categoria. Sabidamente, o quarteto de Chicago acabou em 2000, depois de ter lançado seu 5º álbum, o pesado Machina/The Machines of God, já sem a baixista D'arcy Wretzky. Após o fracasso de seu novo projeto, o supergrupo Zwan, que lançou apenas um disco, o vocalista e compositor Billy Corgan decidiu reativar os Pumpkins, sem o guitarrista James Iha ou Melissa Auf Der Maur, ex-baixista do Hole que havia substituído D'arcy. Hoje, nem mesmo o baterista Jimmy Chamberlin está mais na formação da banda, que se tornou um projeto solo de Corgan, tal qual o Guns N Roses do egocêntrico Axl Rose e o Hole da eterna viúva de Kurt Cobain, Curtney Love.

Em 2010, todos são ex-astros que se recusaram a virar uma página de suas vidas e seguir com novos projetos musicais, em grupo ou sozinhos, e se aproveitam de uma marca da qual são donos para chamar um pouco a atenção da mídia e dos fãs das bandas das quais faziam parte há 15 ou 20 anos. O resultado só podem ser discos novos esquecíveis e apresentações ao vivo nostálgicas, que tentam emular a magia de um passado cada vez mais distante. Podem até ser shows bons, apesar do novo material, se sua intenção for apenas celebrar grandes músicas do passado, mas na verdade, se parecem mais com bandas cover de si mesmas (com músicos contratados, que em geral tem a metade da idade do frontman em questão) do que com os grupos relevantes que já foram um dia.

Mais engraçado (ou triste) ainda é o caso do Sublime, ou Sublime with Rome, como tem que ser chamada agora, por força judicial, a banda californiana que mistura punk rock, ska, reggae e rap, e que apresentara no festival SWU em outubro. Se nos casos citados anteriormente, os vocalistas, compositores e donos das bandas resolveram usar o nome famoso de seus ex-grupos para chamar atenção e continuar ganhando dinheiro com shows pelo mundo afora, aqui os integrantes de uma banda conhecida também resolveram voltar a fazer um dinheirinho com as músicas lançadas há 15 anos atrás, mas sem o vocalista, compositor e guitarrista. Bradley Nowell morreu em 1996, meses antes do lançamento do 3º álbum (e maior sucesso comercial) do Sublime, vitima de uma overdose.

Pouco importa se o garoto Rome Ramirez é um vocalista ou compositor talentoso. Ver o Sublime sem Brad Nowell seria como ver, em pleno 2010, um show do Nirvana sem Kurt Cobain, morto há 16 anos. Na verdade, é ainda pior, já que o baterista Bud Gaugh está muito, mas muito longe de ser um Dave Grohl. Para piorar, a manobra caça-níqueis foi questionada na justiça pelos herdeiros do ex-vocalista do Sublime, e o projeto foi proibido de usar o nome da antiga banda em suas apresentações, daí o nome Sublime with Rome. O negócio todo se torna ainda mais absurdo se o leitor se lembrar que após o fim da banda de Los Angeles, Bud Gaugh e o baixista Eric Wilson formaram junto com vários outros maconheiros californianos o bom Long Beach Dub All-Stars, que lançou dois álbuns muito respeitáveis. Mas sem o nome famoso, o sucesso comercial não veio, o dinheiro foi acabando e a exploração da nostalgia dos fãs se tornou a opção mais lucrativa. Pelo menos bandas como Pixies e Pavement têm a coragem de deixar claro que não pretendem lançar material novo e querem apenas tocar seus sucessos por aí. E com a formação original, que realmente criou o material que executará ao vivo, o que também faz uma grande diferença.

The Devil in Stitches, o novo single do Bad Religion

2010-08-02T00:52:00.007-03:00

Nessa semana que passou, os estadunidenses do Bad Religion divulgaram o primeiro single do seu novo álbum, The Dissent Of Man. A música se chama "The Devil in Stitches", e se junta às outras duas novas canções já conhecidas dos fãs, "The Resist Stance" e "Won't Somebody", que vêm sendo executadas em shows há algum tempo e estão presentes no disco ao vivo comemorativo do aniversário de 30 anos do sexteto. Se "The Resist Stance" é mais rápida e pesada, as outras duas são tipicas faixas melódicas de velocidade média que a banda faz tão bem.

Soando quase como uma faixa composta em 2000 para The New America, "The Devil in Stitches" não impressiona, mas é uma boa música, com um refrão que deve grudar rapidamente na cabeça dos fãs e um solo de guitarra no melhor estilo Bad Religion. Com a escolha da faixa (que pode ser ouvida no vídeo abaixo), a banda mostra coerência com a estratégia de divulgação que vem sendo empregada desde que retornaram à Epitaph Records, mega gravadora independente do guitarrista e fundador do Bad Religion, Mr Brett Gurewitz, em 2002. Na ocasião, a faixa escolhida para divulgar The Process Of Belief foi o bom pop rock "Sorrow". Nos dois álbuns que se seguiram, as escolhidas para cumprir a função foram as ótimas "Los Angeles is Burning" e "Honest Goodbye", ambas também longe da velocidade dos primeiros hits do sexteto.

Junto com a nova música, a banda divulgou a capa (aquela ali em cima), o tracklist e a data oficial de lançamento do seu 15º trabalho de estúdio. The Dissent Of Man chegará às lojas gringas no dia 28 de setembro e contará com 15 faixas, entre elas as três já conhecidas. Confira a lista:

01. “The Day That the Earth Stalled”

02. “Only Rain”

03. “The Resist Stance”

04. “Won’t Somebody”

05. “The Devil in Stitches”

06. “Pride and the Pallor”

07. “Wrong Way Kids”

08. “Meeting of the Minds”

09. “Someone to Believe”

10. “Avalon”

11. “Cyanide”

12. “Turn Your Back On Me”

13. “Ad Hominem”

14. “Where The Fun Is”

15. “I Won’t Say Anything”

<a href="http://badreligion.bandcamp.com/track/the-devil-in-stitches">The Devil In Stitches by Bad Religion</a>

Sugar Kane – A Máquina que Sonha Colorido (2009)

2010-07-28T01:48:00.005-03:00

Criado em 1997, o Sugar Kane é um grupo rodado, que já viveu momentos de sucesso underground e períodos de entressafra típicos da realidade do rock independente brasileiro. Ao longo dos anos, a banda trocou o inglês pelo português, saiu do hardcore, passeou pelo pop punk quase radiofônico e pelo rock alternativo, até voltar para o hardcore melódico. Esse ano, o quarteto de Curitiba lançou um EP digital em inglês e, ano passado, um novo álbum em português, chamado A Máquina que Sonha Colorido.

Toda essa estrada serviu para que o Sugar Kane se tornasse uma das bandas independentes mais profissionais do país, e para que seus integrantes melhorassem como instrumentistas e compositores. Com uma gravação primorosa, A Máquina que Sonha Colorido não fica devendo em nada aos melhores lançamentos gringos do mesmo estilo musical. A única canção fraca do álbum é "Rockstar", um popzinho temperado com ska de segunda que não vai a lugar algum. Musicalmente, portanto, o resultado é bem positivo, com um instrumental empolgante, melodias bem resolvidas e produção e gravação primorosas.

Uma coisa, no entanto, incomoda ainda mais hoje do que já incomodava anteriormente: as letras das músicas. Sempre é possível ignorar letras ruins cantadas em inglês ou em qualquer outro idioma que não seja o seu, mas quando Capilé martela em sua cabeça frases constrangedoras sobre a "revolução", sobra apenas a vergonha alheia que impede o desfrute do som da banda.

A maior parte delas é um amontoado de clichês revoltados que vão do batido o-consumismo-da-sociedade-capitalista-te-mantém-escravizado-e-infeliz até o conhecido eles-tentam-nos-destruir-mas-nós-somos-mais-fortes, passando pelo clássico ela-se-esqueceu-da-revolução-e-vendeu-seus-ideiais. Quando a banda tenta fugir da temática, o resultado á ainda pior, como na já citada "Rockstar" e em "Repito", que conta com uma das descrições de sexo mais escrotas já transformadas em música. A letra não é engraçada e passa longe de ser sensual ou reflexiva, é apenas escrota. O constrangimento é tão grande que estraga o que poderia ser um dos melhores álbuns de hardcore melódico brasileiro.

Carbona no século XXI

2010-07-23T01:14:00.005-03:00

Depois de quase 4 anos sem lançar um disco, os cariocas do Carbona estão de volta com Dr. Fujita Contra a Abominável Mulher-Tornado, que será lançado no próximo dia 7 de setembro. Além do disco marcar a estréia do quarto integrante da banda, o guitarrista Bjorn Hovland, dessa vez, o bubblegum punk do Carbona virá empacotado em novo formato, o disco virtual. Claro que todos os fãs da banda já devem ter os álbuns em mp3, mas essa será a primeira vez que os caras vão lançar arquivos digitais oficiais e vendê-los em lojas virtuais. O vocalista, compositor e guitarrista Henrique Badke explicou em seu blog como a coisa toda vai acontecer e, mais interessante, porque a banda decidiu dar esse passo. Confira os melhors trechos abaixo:

Dr. Fujita Contra a Abominável Mulher-Tornado foi licenciado para distribuição digital. Isto significa que estará disponível em dezenas de lojas de download na web e nos celulares das 4 operadoras. O Carbona, que em 1997 começou gravando uma demo K7, passou pelo CD e pelo MP3, agora se prepara para digitalizar-se. Ao longo destes anos sentimos na pele essas mudanças de hábitos de consumo e dificuldades enfrentadas por bandas e selos, principalmente os de rock n roll em suas vertentes alternativas.

Num belo dia, num show em Campinas, se aproximaram uns 4 moleques. Cada um tirou 2 reais do bolso e pediram um CD. Eu fiquei olhando e meio sem jeito perguntei: “Quem vai ficar com o CD?”. Eles todos meio que responderam “tanto faz, eu só quero as músicas em mp3”. Dali pra frente, começamos a vender cada vez mais camisetas e menos CDs. Diante disso e do enfraquecimento da estrutura indie que dependia muito da venda de CDs, a gente quebrou a cabeça, pela primeira vez sem selo, para continuar entregando música para um maior número possível de pessoas de jeito que elas realmente querem.

Portanto teremos o disco na internet, no celular, e obviamente em CD, para quem quiser comprar. A idéia por trás da distribuição digital não é lutar contra os downloads ilegais, não é pedir para que não baixem o CD da web, nem coisa do gênero, queremos tão somente possibilitar àqueles que queiram pagar pelas músicas (ou por coisas relacionadas à banda) que tenham chance de fazer isso.

Dr. Fujita Contra a Abominável Mulher-Tornado trará 11 músicas somando apenas 23 minutos. Entre elas estarão “Sempre que eu fico feliz eu bebo”, cover dos brasilienses do Gramofocas, além de “Valentina” e “O massacre da Serra-Elétrica”, previamente lançadas com uma gravações mais toscas no álbum independente Quasplit, no ano passado. A nova versão de "Valentina" e a inédita “Semivivo” podem ser ouvidas no blog do Henrique, que também convida os fãs a ajudarem na divulgação do lançamento.

Entrevista com a banda brasiliense Hellena

2010-06-21T15:35:00.010-03:00

Criado em 2005, o Hellena tem ficado conhecido pelo profissionalismo em uma cena, em grande parte, ainda amadora. Com um show marcado para esse mês e outro para o mês de agosto (abrindo para os paulistanos do Glória), o quinteto pretende continuar conquistando fãs de música pesada com sua mistura de metal e post-hardcore.

As principais influencias de Gui (vocal), Rique (vocal e guitarra), Vitoka (guitarra), Tomás (baixo), e Thiago (bateria) são bandas recentes como Killswitch Engage, As I lay Dying e August Burns Red, mas semelhanças com grupos clássicos como Slayer e Metallica também podem ser escutadas no som do Hellena.

Confira abaixo a entrevista exclusiva para o Rock N Cigarettes feita por e-mail pelo sempre bem humorado Boss Matsumoto e ouça a banda aqui.

Esta banda muito louca em que vocês tocam surgiu para ser um projeto paralelo ou sempre esteve em primeiro lugar?

Gui e Vitoka: Na nossa visão sempre esteve em primeiro lugar.

Tomás, Rique e Thiago: Começou como projeto paralelo.

Como foi o processo de mudança de integrantes desde o começo da banda? Vocês acham que isso influenciou muito nas músicas?

GV: A mudança de integrantes foi necessária para conseguirmos uma melhor conveniência na banda.

TRT: E as mudanças ajudaram a determinar o nosso estilo atual.

Hoje é mais complicado conciliar estudos, família, namoradas e trabalho do que quando a banda foi formada?

GV: Hoje nós aprendemos a trabalhar juntos, trabalhar os horários e priorizar a banda. E com a entrada dos novos integrantes isso foi bem mais fácil.

TRT: Mas ainda assim acontecem imprevistos e, de vez em quando, acontece um desencontro.

Gui, qual é a melhor forma de aquecer a voz antes dos shows (Tu grita demais, rapá!)?

Gui: Primeiramente, obrigado pelo elogio. Há uns anos atrás conheci umas técnicas que alguns vocalistas que tenho como inspiração utilizam. Tenho seguido elas e isso tem me feito muito bem.

Thiago, quais são suas maiores inspirações?

Thiago: Matt Greiner, Aaron Gillespie, Quentim Tarantino, Mike Ambrose, George A. Romero, Jake Massuco, Tim Burton, Gandhi, Carter Beauford e Rajon Rondo.

Victor, e os assédios das fãs? Como controlá-las?

Vitoka: O assédio das fãs não é muito freqüente, mas quando acontece, todas(os) são tratados com respeito e consideração.

Tomás, como foi interagir musicalmente com esses roqueiros quando você chegou à banda?

Tomás: Conhecer um dos guitarristas, o Vitoka, ajudou na interação inicial e tudo fluiu muito bem. Temos as mesmas influencias e todos na banda respeitam as criações e opiniões dos outros. Me senti a vontade bem rápido na banda.

Rique, sei que você tem 2 bandas. Existe alguma outra? Se tivesse espaço para mais uma, como ela seria?

Rique: Somente 2 bandas, e já ta bom. Se tivesse espaço, seria alguma coisa que não se parecesse com nada que eu faço. Algo acústico ou bem pop.

Uma amiga viu o show de vocês pela primeira vez este ano. Ela ficou impressionada com o som da banda e com vocês, tanto pela desenvoltura como pelo visual que ela achou “irado”. Como vocês acham que é a impressão das pessoas que vêem vocês pela primeira vez?

GV: Inicialmente, as pessoas que nos encontram não acreditam que a gente toca um som pesado, mas nós nos preocupamos bastante com o nosso som, além do visual e presença de palco.

TRT: Mas o foco é sempre fazermos o que gostamos, entretendo o nosso público.

E o futuro da banda em Brasília?

GV: Nós tivemos um crescimento considerável no último ano, mas ainda queremos fazer mais e ajudar bastante a "cena" de Brasília.

TRT: Olhando para o futuro em Brasília, encontramos um mercado limitado e pensamos em algo mais amplo para a banda...

Algum recado final?

Agradecemos a oportunidade e parabenizamos vocês pela iniciativa.

A nossa agenda esta disponível no Fotolog e, em breve, nosso novo single poderá ser ouvido no MySpace.

PS: O Vitoka é muito mais que um rostinho bonito. É um guitarrista excelente!

State of Love and Trust

2010-06-19T15:20:00.003-03:00

Na última quarta-feira, os estadunidenses do The Gaslight Anthem compareceram ao programa do comediante Jimmy Fallon, na NBC. A apresentação contou com um cover de "State of Love and Trust", famoso lado B do Pearl Jam e favorita deste blogueiro. O (bom) resultado você confere abaixo:

A manhã vai ao ar uma entrevista exclusiva com a banda candanga Hellena realizada por nosso colaborador Boss Matsumoto. Aguardem.

O fim de Lost (ou a decepção da década)

2010-05-25T17:30:00.004-03:00

Cuidado: Contém spoilers, muitos spoilers!

Raramente saio do tema musical aqui no Rock N Cigarettes, mas não posso deixar de falar sobre o final de Lost, que foi ao ar na TV americana no último domingo e será exibido no Brasil na noite de hoje. A série tem sido onipresente na internet nos últimos dias e o episódio final é tratado como as eleições norte-americanas em blogs, sites e até jornais impressos. Para se ter noção da expectativa em torno do episódio de 2h30, houve até transmissão ao vivo e sem legendas com comentários em tempo real de 'especialistas' na página inicial do UOL, o maior portal da internet brasileira.

Além do impacto (inédito?) que a série teve na mídia, acompanho as aventuras dos losties na misteriosa ilha há seis anos e não pude deixar a expectativa e a decepção de lado ao assistir 'The End', capitulo final da saga dos acidentados do vôo Oceanic. Acredito que ao avaliar uma obra cultural ou de entretenimento, é necessário separar dois aspectos: o gosto e a qualidade. Gosto, você já sabe, cada um tem o seu, mas a qualidade pode ser avaliada por critérios e argumentos um pouco mais objetivos. Sobre o final de Lost, não gostei, nem acho que foi bom, qualitativamente falando.

Não gostei por uma razão bem simples. Diferente de muitos fãs por aí, eu não tenho o menor interesse se a Kate terminou a série com Jack ou com Sawyer. Não ligo se o Hurley ficou em paz e também não me emocionei ou chorei ao ver os personagens tendo flashbacks e se reconhecendo no purgatório, limbo, ou que quer que queiram chamar. Há seis anos comecei a assistir um seriado de ficção cientifica, cheio de mistérios sobrenaturais, suspense de deixar arrepiado e questões sobre física, e terminei assistindo uma novela romântica, cafona e melosa, cheia de clichês narrativos e redenções espirituais. Invés de monstros assustadores que ninguém vê, ursos polares em uma ilha tropical e uma escotilha que deixava o mundo exterior de quarentena, vi um bebê nascendo, casais se beijando em câmera lenta e uma luz para o céu, ou algo do tipo. Detestável.

Em relação à qualidade do episódio final, também não acho que ele esteja à altura do restante da série. Muitos têm argumentado em fóruns, blogs e sites por aí que responder a todas as perguntas da série seria impossível e que um final aberto se encaixa muito melhor no estilo de Lost. Discordo. Acho que no que diz respeito à mitologia e questões essenciais, o que vimos não foi um final aberto, foi um não-final. Os roteiristas simplesmente fugiram, escaparam de dar respostas a questões que impulsionaram a trama dos episódios, temporadas e da série como um todo. Isso não é um final aberto. Ao não responderem quase nada, os roteiristas mostraram não serem capazes de amarrar todas as pontas de uma intrincada trama que desenvolveram ao longo de seis anos. Todo o tempo em que criavam mistérios e situações angustiantes, eles estavam tão perdidos quanto os fãs ou os próprios personagens. No meu entendimento, isso caracteriza um final de série ruim. Muito ruim.

O que é 'punk' para você?

2010-05-21T16:26:00.009-03:00

A vinda do Green Day ao Brasil tem criado algumas discussões sobre o estado do punk. Nessa semana foi a vez de Luciana Tofollo, colunista do mega-site de cultura pop Omelete expressar suas opiniões sobre o stutus (pop) punk da banda californiana. Como bom apreciador de discussões musicais que não chegam a lugar algum, esse blogueiro fez questão de discordar da autora através dos comentários do site. Como achei a coisa toda interessante, reproduzo abaixo alguns dos melhores argumentos da conversa. Em azul, as considerações da Luciana e em preto, as minhas:

O Green Day vem pra cá. E tem pessoas nutrindo uma baita expectativa por isso. Eu nunca entendi fãs de Green Day. Pra mim sempre foi tão claro que a banda é de uma pobreza gritante e que, se fez sucesso, foi só por uma questão de oportunismo, que é complicado tentar compreender.

Dookie, do qual saíram “Basket Case”, “Welcome to Paradise”, “She” e “When I Come Around”, foi lançado em 1994, mesmo ano em que Kurt Cobain cometeu suicídio, o grunge, naturalmente, dava seus suspiros finais, e toda a leva anterior de excelentes bandas como Faith No More, Red Hot Chili Peppers e Jane´s Addiction lançavam seus álbuns mais fracos.

Então eu entendo que, em um vácuo desses, tenha sobrado uma brecha para o Green Day. Fazendo um paralelo com a música atual: quando tudo está mais do que diluído e que Justin Bieber, a família Restart e os artistas oriundos de reality shows tomam conta das paradas, não tem escapatória... corre pro Green Day. Entendo. O que não dá para entender de forma alguma é chamar o som redondinho dos caras de punk. “Ah, mas eles têm atitude punk”. Cadê? No musical da Broadway? Gostem de Green Day, ok, mas pelo amor de Joey Ramone, deixem a palavra "punk" longe de uma frase que tenha o nome do trio.

Ficar discutindo se os caras do green day são punks e se o som deles é punk rock é pura perda de tempo. Já era uma discussão besta em 1994. O fato é que acho a banda muito boa. Billie joe é um puta compositor de canções pop, que continuam excelentes mesmo quando tocadas ao piano (como fez o Weezer) ou com arranjos bluegrass.

Os dois primeiros álbuns da banda foram lançados originalmente pela Lookout Records, gravadora independente da bay area de San Francisco, que também revelou outros bons artistas de pop punk, como the Queers, Groovie Gouhlies e The Muffs. Assim como o Rancid e o Operation Ivy, o Green Day começou a carreira tocando no clube 924 Gilman, o CBGB's da bay area, que é gerido coletivamente sem fins lucrativos e onde só tocam artistas independentes, muitos ligados ao punk rock.

Por último, a banda realmente se insere na cena californiana de retomada do punk/hardcore [como havia sido citado em outros comentários da webpage], mas foi a única que conseguiu ir muito além disso e se reinventar musicalmente a cada disco, se mantendo relevante por mais de 15 anos, ao contrário de grandes nomes punk como Dead Kennedys e Sex Pistols, que duraram pouco e só têm um disco relevante...

Dependendo do ponto de vista, qualquer discussão é perda de tempo. Mas se a gente não questionar a dita “verdade”, não saímos do lugar. Eu ainda acho que qualquer discussão, mesmo que não chegue a um consenso, serve pra iluminar a cabeça da gente, ver sob outras perspectivas que não a nossa usual. Quanto ao Green Day, já falei o que penso. Quanto ao DK e aos Sex Pistols terem só um disco relevante, primeiro: não é verdade. Segundo: pra você ver o que um punk real pode causar.

Só para esclarecer meu ponto: Sou totalmente favorável a discussões (bem argumentadas) mesmo que elas não levem a nenhuma conclusão. Só acho que discutir quem é ou não punk é um beco sem saída, já que cada um tem uma noção diferente do que é punk. Primeiro seria necessário separar punk enquanto movimento, da música a ele associada, o punk rock. os Ramones são os inventores do som punk rock, mas nunca se alinharam ao movimento punk (inglês?) no que diz respeito ao discurso (tinham muitas letras de amor, humorísticas e non-sense) ou à vestimenta, por exemplo.

Dentre as bandas punks inglesas (a turma de 77), alguns tinham atitude e visão niilista (Sex Pistols), outros se aproximaram do socialismo (The Clash e Stiff Little Fingers) e outros simplesmente cantavam sobre amor e sexo (Buzzcocks), sem falar dos anarquistas. Quem aí é punk? Não me atrevo a dizer. Só sei que eram todos 'punk rockers', que atingindo ou não reconhecimento da mídia e do público, faziam um tipo de música urgente, que expressava as idéias e sentimentos dos jovens da época. Todos também começaram 'fazendo eles mesmos', em um circuito musical underground.

Parece bastante com a história do Green Day, não é? Cuja música em uma primeira fase lembrava bastante Ramones, Buzzcocks, Stiff Little Fingers e Husker Dü. Após 20 anos, os horizontes musicais da banda se alargaram e foram muito além, assim como fez o The Clash a partir do clássico 'London Calling'. Punks? Punk rockers? Jello Biafra é mais punk do que Joe Strummer (líder do The Clash, filho de diplomata, que adorava reggae, rockabilly e compositor do hit pop 'Should I Stay Or Should I Go')? Menos radicalismo, por favor. Não vamos ser a policia do punk, que define quem deve ou não ser considerado punk 'de verdade'.

Green Day em Brasília

2010-05-10T18:32:00.003-03:00

A Mondo Entretenimento e o site oficial do Green Day confirmaram nessa segunda-feira as datas da turnê brasileira do trio estadunidense e, surpreendentemente, a capital está na lista de cidades contempladas. Dia 17 de outubro a banda se apresentará aos candangos em local ainda a ser definido. Antes, tocam em Porto Alegre e no Rio de Janeiro. Depois partem para São Paulo, Lima (Peru), e San Jose (Costa Rica). Como de costume, os locais das apresentações no Rio e em SP já estão definidos, assim como os preços dos ingressos e locais de venda. Em Brasília e Porto Alegre o mistério deve continuar por mais algum tempo.

Confesso ficar desconfiado quando começa a se falar sobre Brasília ter entrado de vez no circuito de shows internacionais. Verdade que a grande quantidade de shows dos últimos meses indica uma mudança de status da capital, mas tendo a pensar que se trata apenas de uma onda passageira, dado o pequeno número de produtores locais profissionais, a inexistência de casas de show realmente apropriadas e até o contingente populacional de nossa cidade, se comparada à Rio ou São Paulo. No entanto, a confirmação de uma apresentação com o peso do Green Day para daqui a tantos meses pode ser indicio do contrário. Tomara.

De qualquer forma, esse blogueiro é presença garantida no evento, seja qual for o (com certeza caríssimo) preço das entradas e o local improvisado para o show. Também torço para que a produção se mire na apresentação dos escoceses do Franz Ferdinand e evite a separação de público entre ricos e pobres, mortais e pessoas-muito-importantes, que nada tem a ver com o espírito do rock n roll e com a história do trio pop punk da Califórnia. Como antigo fã da banda, também torço para que o show seja uma retrospectiva da longa carreira do Green Day, em vez de focado no último álbum dos caras. Tanto pelo fato de nunca terem tocado em Brasília (e não darem as caras no Brasil desde 1998), quanto por minha preferência pelo som que o grupo fazia nos anos 90.

A música no século XXI

2010-04-30T14:15:00.001-03:00

Por Caco Galhardo

Tim Barry e os punks caipiras

2010-04-04T23:39:00.003-03:00

A banda punk estadunidense Avail pode nunca ter oficialmente acabado, mas o compositor Tim Barry definitivamente seguiu em frente, e nos últimos anos tem se dedicado integralmente a seu projeto solo, cujo primeiro trabalho data de 2004. Assim como seus colegas Greg Grafin (Bad Religion), Nikola Sarcevic (Millencolin) e Chuck Ragan (Hot Water Music), Barry investe no gênero que se convencionou chamar de “americana”. Trata-se de uma mistura de folk e country com pitadas de blues, rock e qualquer outro ritmo originário dos campos dos EUA rural. Muito em razão de sua voz, o trabalho do vocalista do Avail lembra bastante o do ex-membro do Hot Water Music, como se pode conferir no player abaixo, disponibilizado pela gravadora do cara, a Suburban Home, em razão do lançamento de 28th & Stonewall, sexto álbum solo de Barry. Bem distante do som de sua banda, mas bastante interessante.

Gaslight Anthem e Stone Temple Pilots lançam músicas novas na web

2010-03-25T02:54:00.005-03:00

Os estadunidenses do Gaslight Anthem liberaram ontem a música-título do seu próximo álbum, American Slang, que tem lançamento previsto para o dia 15 de junho. A faixa será a primeira das 10 músicas do disco, e segue o mesmo clima do lançamento anterior dos caras, The ’59 Sound, de 2008 (listado como um dos melhores do ano por esse blog). Se American Slang, o disco, foi citado como um dos lançamentos mais esperados de 2010 pela Rolling Stone gringa, "American Slang", a música, só reforça a expectativa dos fãs do quarteto de New Jersey. Escute aqui a música.

O dia de ontem marcou também a volta do Stone Temple Pilots. Visto por muitos como uma mera cópia das bandas grunge de Seattle, o quarteto californiano teve vários (ótimos) hits nos longínquos anos 90 e pode nunca ter lançado um álbum clássico que ficará para a história do rock, mas é dona de um dos melhores Best Of da coleção deste blogueiro.

A faixa que pode ser ouvida no site da banda é “Between The Lines”, que abrirá o novo álbum da banda, auto-intitulado, o primeiro lançamento desde Shangri-La Dee Da, de 2001. O som é bem pesado e lembra bastante músicas da melhor fase da banda, ainda na primeira metade da década retrasada. O mais ousado, porém, é Scott Weiland cantar um verso como “we used to take drugs”. Vamos ver se a fase junkie está mesmo no passado do vocalista, que rivaliza apenas com Pete Doherty em número de rehabs e prisões por porte de drogas.

Against Me! – White Crosses (2010)

2010-03-23T03:42:00.006-03:00

Se você, leitor do blog, é um dos admiradores da fase acústica do Against Me!, e ficou chocado com os últimos lançamentos da banda americana, não chegue perto de White Crosses, novo álbum dos caras. Nos últimos anos, o quarteto da Florida parece ter se auto-designado uma missão: assustar os fãs mais antigos disco após disco. Primeiro os caras emularam Bob Dylan e eletrificaram seu folk-punk. O passo seguinte foi assinar com uma grande gravadora, jogando para o alto a história anarquista de Tom Gabel. Agora a banda se entrega ao pop rock, deixando um pouco de lado até os tradicionais gritos roucos do vocalista.

Mas se você ainda está lendo esse texto, há chances que também venha a escutar o álbum mais de uma vez, e passada a surpresa, fica mais fácil avaliar as qualidades e defeitos de White Crosses, que está longe de ser um disco ruim. "White Crosses", a música, abre o álbum e dá o tom: não há dúvidas que se trata do som do Against Me!, mas a primeira referencia que vem a cabeça é “Borne On The FM Waves”, do disco anterior, New Wave. Não há aqui a voz doce de Tegan Quin, mas é tudo bastante radio-friendly.

“I Was a Teenage Anarchist” mantém o pique pop e provoca ainda mais os fãs com sua letra, na qual Gabel se lembra de sua fase de adolescente anarquista, como se ela fizesse parte de um longínquo passado. O tom é confessional, mas a critica ao radicalismo e à mentalidade fechada do movimento lembra o desencanto do NOFX com a esquerda cantada em “The Marxist Brothers”. Se Gabel diz que a revolução era uma mentira, Fat Mike já havia dito, com o humor ácido pelo qual é conhecido, que a revolução se resumiria a um podcast.

Após tamanho rompimento com o passado, o quarteto está livre para experimentar o que bem entender em termos musicais, e assim faz ao longo das oito faixas restantes de White Crosses. “Because Of The Shame” tem teclados em abundancia, assim como “We're Breaking Up”, que como o nome sugere, é uma balada sobre o fim de um relacionamento. Ainda mais lenta e pop é “Ache With Me”, que conta com um arranjo de cordas ao fundo e soa quase brega. Já “High Pressure Low” é relativamente dançante e surpreende com seu baixo roubado de New Order. Apenas a curta e boa “Rapid Decompression” lembra o punk rock de outrora, deixando um gostinho de quero mais nos antigos admiradores da banda.

Se a atitude punk consiste em não dar a mínima para o que críticos e até mesmo fãs vão dizer, e fazer apenas ao que lhe interessa, não há dúvidas de que Tom Gabel é um punk de verdade. Mas também é verdade que o som de sua banda se afasta cada vez mais do punk rock, para o bem ou para o mal. Com White Crosses, o vocalista se mostra um excelente compositor de rock, que não se prende a subgêneros ou ao seu próprio passado, mas pode deixar uma montanha de órfãos de um tipo de som original que colocou o Against Me! no mapa musical e redeu trabalhos memoráveis ao longo da década que se encerra.

Alkaline Trio - This Addiction (2010)

2010-02-04T03:12:00.005-02:00

This Addiction marca a estréia do Alkaline Trio em sua própria gravadora, a Heart and Skull Records (cujo nome é uma clara alusão ao logo da banda), mas a escalada até uma major e a volta ao meio independente não tiveram uma grande influencia na evolução do som dos americanos, que vem mudando de forma gradual ao longo dos anos. Desde Crimson (2005), a banda tem flertado com o rock gótico e o pop sem nunca deixar de lado o punk rock que conquistou tantos fãs no início de sua carreira. O novo álbum é apenas mais um capítulo desse processo.

A novidade fica por conta de uma volta à simplicidade de outrora, em oposição à produção excessiva dos últimos dois discos. A maior parte das músicas de This Addiction foi gravada com poucos instrumentos e sem muitos efeitos de estúdio, mas isso não significa que essas canções sejam mais pesadas que as de Agony & Irony (2008) nem tão rápidas e sujas quanto àquelas de Goddamnit (1998). Após tantos anos na estrada, o Trio não teve medo de lançar uma coleção de músicas que, apesar do instrumental roqueiro, são essencialmente pop, ainda que não na concepção radiofônica do termo.

As duas faixas mais empolgantes do lançamento são justamente as que abrem This Addiction, a faixa-título e "Dine, Dine My Darling", trocadilho espirituoso para o punk rock direto do baixista Dan Andriano, que mantém o pique e o refrão chiclete da canção anterior. "The American Scream" e "Piss And Vinegar" seguem a mesma linha e, espalhadas pelas 11 faixas do álbum, não deixam o ritmo diminuir muito. Entre as músicas mais lentas estão as boas "Dead On The Floor", "Off The Map" e "Fine", que fecha o álbum. Já "Dorothy" poderia estar em Crimson com seu clima meio dark, mas cheia de guitarras.

Ainda que não seja um álbum fora das fronteiras já conhecidas pelos fãs da banda, This Addiction também guarda suas surpresas. "Lead Poisoning" conta com trompetes muito bem colocados e integrados ao instrumental pop rock que conduz a canção, e "Eating Me Alive" vai além do terreno experimentado por "I Found a Way" no disco anterior e abusa de teclados e batidas dançantes, fazendo do Alkaline Trio uma espécie de Killers do inferno. Da mesma forma que em Agony & Irony, as letras de Matt Skiba e Dan Andriano estão um pouco menos afiadas e assustadoras, mais o temas continuam os mesmos. Se há algum ponto realmente negativo no disco é a sua curta duração, o que também pode ser considerado um elogio.

xLife of a Straight Edgerx

2009-09-08T18:22:00.002-03:00

http://www.mitchclem.com/nothingnice/1/

Wood & Stock

2009-08-18T18:46:00.001-03:00

Sem grande novidade: O clássico festival de Woodstock ficou quarentão no último final de semana. Todas as TVs, revistas e sites da web lembraram o mundo sobre o festival de música e artes, pai de todos os grandes festivais de verão do hemisfério norte. Woodstock, que aconteceu entre 15 e 17 de agosto de 1969, em uma fazenda em Bethel, no estado de Nova York, foi o evento definitivo da cultura hippie e deu origem a um famoso documentário e a duas continuações, em 1994 e em 1999.

Para quem não se lembra, esse último foi aquele que terminou em uma bela confusão com fogueiras gigantes decorando a noite enquanto os Red Hot Chilli Peppers mandavam... “Fire”, de Jimmy Hendrix. Em outros tempos, o momento ficaria para história, mas a beira do novo milênio, o incidente causou o cancelamento do projeto comemorativo qüinqüenal.

Isso tudo vocês já sabem, mas o que a maioria dos veículos esqueceu é que o filme da Ang Lee que conta a história do festival vai estrear muito em breve, no próximo dia 28 de agosto. Nos EUA, é claro. Em terras brasileiras só no ano que vem, em 15 de janeiro, quando todo mundo já tiver baixado o troço e visto 12 vezes com os amigos, possivelmente fumando um baseado.

De qualquer forma, o trailer (esse aí em baixo) de Taking Woodstock (esse é o nome) é muito bom e promete duas horas bem divertidas. O filme conta a história de Woodstock pelos olhos de Elliot Tiber, uma garoto de 20 e poucos anos, que quando escuta falar da impossibilidade da realização do festival e uma área próxima, convida o evento a se instalar na fazenda dos pais, cujo motel está a beira da falência. 3 semanas depois, meio milhão de hippies estão acampados no quintal da família, fazendo história. Assiste aí:

Crying Lightning

2009-07-29T17:49:00.002-03:00

Esse aí em baixo é o novo e esquisito vídeo dos ingleses do Arctic Monkeys para Crying Lightning, o primeiro single do novo álbum dos caras, Humbug. O disco chegará as lojas físicas e virtuais no próximo dia 25 de agosto, mas a música de divulgação já circula pela internet há algum tempo.

Produzida pelo dono do Queens Of The Stone Age, Josh Homme, a faixa pode assustar alguns fãs do quarteto em suas primeiras audições. A produção de Homme não acrescentou mais peso a música dos Monkeys, mas trouxe o lado mais stoner rock, viajadão, da banda estadunidense para o som dos ingleses, evidenciado pelo novo – e horroroso – penteado do vocalista e compositor Alex Turner.

Com uma linha de baixo muito boa e um refrão pegajoso, a faixa vai conquistando os ouvintes aos poucos. A mudança nos vocais de Alex Turner, entretanto, é mais difícil de engolir. Não que ele cante mal em Crying Lightning – muito ao contrario – mas o jeitão meio falado de narrar os contos da noite britânica que marcou os outros dois álbuns dava uma identidade própria aos Monkeys e fazem falta aqui.

Spinnerette – Spinnerette (2009)

2009-06-29T16:04:00.002-03:00

As fotos, as entrevistas e o EP que antecederam o lançamento do primeiro álbum do Spinnerette já avisavam aos fãs da vocalista e compositora Brody Dale que não esperassem por um novo trabalho do Distillers com outro nome, mas ainda assim o disco auto-intitulado pode surpreender alguns. Spinnerette começa com as batidas dançantes de “Ghetto Love”, também presente no EP de mesmo nome lançado no final de 2008.

As referencias mais óbvias são o rock eletrônico do Garbage e o stoner rock do Queens Of The Stone Age, do marido da vocalista. Em maior ou menor doses, essas são influencias presentes em todo trabalho, que também não deixa de lembrar um pouco o Distillers, em razão principalmente da voz marcante de Brody. As músicas em que isso fica mais evidente são “All Babes Are Wolves” e “Rebellious Palpitations”.

Já “The Walking Dead “ lembra muito Garbage e “Geeking” tem um feeling de Joan Jett, apesar de todos os efeitos que enchem o disco do início ao fim. Aparentemente, a banda esteve mesmo determinada durante o longo processo de produção do trabalho a experimentar bastante com distorções, batidas eletrônicas teclados e backing vocals.

É exatamente isso que unifica músicas tão diversas e possibilita a convivência de faixas pesadas e soturnas como “Cupid”, “A Spectral Suspension” e a assustadora “Distorting A Code”, com canções mais alegres e dançantes como oitentista “Baptized By Fire” e “Sex Bomb”, que lembra Sleater-Kinney e Elastica. Mas a melhor faixa do disco é “Driving Song”, um stoner rock com baixo sujo, ao mesmo tempo pop e roqueira.

Essa união de subgeneros é o que parece definir o Spinnerette, que além de Brody, conta com Tony Bevilacqua (guitarrista da última formação dos Distillers) e quem quer que esteja com eles no momento da gravação ou turnê. Talvez também por isso, Spinnerette é mais uma bela colcha de retalhos de diversas influencias do que algo realmente original. Também não é tão viciante quanto o Distillers era, mas não deixa de ser um álbum divertido e capaz de animar algumas festas de rock por aí.

Coasters and frisbees

2009-06-29T15:55:00.002-03:00

Tony Aiex, do blog Tenho mais discos que amigos! fez um post legal sobre o novo álbum do NOFX, esse resenhado aí em baixo. Lá ele detalha com várias fotos todo o conceito-piada-auto-depreciativa dos porta-copos (coasters) e frisbees que permeia o lançamento do CD (Coaster) e do LP (Frisbee) da banda. E tem ainda uma promoção legal que vai sortear um CD extra exclusivo e numerado, além de um podcast falando sobre o lance todo. Vale a pena conferir, só não vale colocar o prêmio em baixo de um copo de bebida.

NOFX - Coaster (2009)

2009-06-16T23:32:00.003-03:00

Quando sua banda existe a mais tempo do que os Ramones, como fazer para inovar e surpreender os fãs? A resposta do NOFX é não inovar, apenas fazer bem feito. Muito bem feito. É por isso que Coaster, o 11º álbum de estúdio da longa carreira do quarteto é tão bom. É o NOFX que todos conhecem, mostrando aquilo que fazem melhor. Entre hardcores, pop punks, skas e as esquisitices habituais, a banda fez um dos melhores álbuns de sua discografia.

A maior diferença de Coaster para os outros discos da banda lançados nessa década é que ele representa o que o SUM 41 tentou fazer em 2001: all killer, no filler. Ou quase isso. Das 12 faixas do lançamento, apenas “Creeping Out Sara” pode ser considerada dispensável. A letra é bem divertida, daquele jeito cheio de ironia e nonsense que Fat Mike faz tão bem. Mas a música é bem fraca e parece ter sido criada às pressas, só para acompanhar as palavras. E ainda deixa a piada um pouco óbvia demais, lembrando até Mamonas Assassinas.

Mas de forma alguma ela representa o disco como um todo. Se há algum componente que marca o lançamento, são as guitarras metaleiras de El Hefe, ainda mais marcantes que de costume. A faixa de abertura, “We Called It America” já demonstra o potencial de criação do guitarrista, mas é na surreal “Eddie, Bruce And Paul” que isso fica absolutamente claro.

Para quem não pegou as referencias, bizarramente a música conta a história do Iron Maden sob a ótica de Fat Mike e sua trupe. Com vocais alternados entre o vocalista e o guitarrista Melvin e sua voz rasgada, a faixa faz referencia clara ao heavy metal britânico sem deixar de soar como NOFX. Pode parecer encheção de saco, mas novamente a banda mostrou aos canadenses como se faz.

Entre patadas nas religiões organizadas, na política republicana e as letras divertidas sobre drogas e bebidas ou povoadas por amigos da banda, destacam-se “My Orphan Year” e “I Am An Alcoholic”. A primeira, mesmo sem inovar musicalmente, surpreende todos os fãs do NOFX. Trata-se da música mais emo que Fat Mike já escreveu. Supondo-se que seja tudo verdade, o vocalista abre seu coração como nunca fez antes para contar a história da morte de seus pais em 2006. Fica transparente na letra o carinho pela mãe e a mágoa guardada ao longo de toda vida pelo pai, que não esteve presente, mas sem quem a música não existiria.

Já a segunda faixa mistura em doses perfeitas as experiências jazzísticas que El Hefe trouxe à banda com o hardcore típico do quarteto. Diferentemente do que fizeram em outras oportunidades, como no cover de “Straight Edge”, hino do Minor Threat em White Trash, Two Heebs and a Bean, de 1992, aqui os sopros e guitarras dedilhadas não são uma piada. Eles estão realmente a serviço da música, que conta ainda com bons vocais femininos, bem encaixados, assim como o refrão roqueiro, com temática clássica do NOFX.

A moda agora é ficar pelado!

2009-06-07T23:29:00.012-03:00

É verdade. Parece que num acesso de pós-modernismo os indies-ravers-electro-rockers resolveram que andar tirando a roupa por grandes cidades do mundo é a nova coisa-legal-para-se-fazer. Nada contra. Se eu tivesse coragem, faria também. Ou não. De qualquer forma, o Blink 182 fez isso 10 anos atrás, mas aquilo era apenas humor imaturo para adolescentes. Agora é "arte"...

Rancid - Let The Dominoes Fall (2009)

2009-06-02T23:31:00.005-03:00

Se o Rancid tivesse lançado um disco entre o famoso Out Come The Wolves e o multiétnico Life Won’t Wait teria sido esse Let The Dominoes Fall. “East Bay Night”, já avisa logo de cara que este não será um álbum cheio de hardcores e street punks, mas mostrará o quarteto da east bay de San Francisco visitando todos os subgêneros pelos quais já passearam anteriormente sem, no entanto, soarem repetitivos.

O ska e o reggae são marcantes no novo lançamento, deixando as influencias de Clash ainda mais óbvias do que habitualmente. Também muito presentes estão os teclados que caracterizam as músicas menos punks da banda já há algum tempo. “Up To No Good” é muito boa e gruda na cabeça como chiclete. Já “That's Just The Way It Is Now” é quase um dub, com direito a sopros e efeitos para todo lado, mas é “I Ain't Worried” que rouba a cena, com os vocais de todo o trio de frente influenciados por rap e um refrão que lembra bastante “Guns Of Brixton”, do já citado quarteto inglês.

Curiosamente, o lado mais pesado do disco volta ao ótimo Let’s Go, de 1994, ou até mesmo ao primeiro álbum auto-intitulado do quarteto, de 1993. “This Place”, “Locomotive” e a estranha e boa “L.A. River” (com os inconfundíveis vocais do “melhor baixista do mundo”, Matt Freeman) são porradas típicas da banda, que não vão deixar nenhum fã old-school com saudades.

No meio desses extremos encontramos uma ótima coleção de rocks influenciados em diferentes quantidades por punk rock. “Skull City” poderia estar facilmente em um dos discos dos Transplants, finado projeto paralelo do vocalista Tim Armstrong. “Dominoes Fall” e “Last One To Die” são pop até os ossos e em um mundo um pouco melhor do este estariam bombando nas rádios.

Já “Civilian Ways” e “The Highway” marcam o meio e o final do álbum respectivamente e surpreendem. Ambas são faixas acústicas com os vocais de Tim e backing vocals, cuja única referencia na discografia da banda seria a também surpreendente “Arrested In Shanghai”, do disco anterior, Indestructible. A primeira delas usa até bandolins e guitarras slide. Esquisitas e muito boas.

Como nada é perfeito, a presença do também guitarrista, vocalista e compositor Lars Frederiksen é pequena em Let The Dominoes Fall. Apesar de alguns solos de guitarra, ele canta poucas músicas, a maioria dividindo a função com os outros membros, como em “Disconnected”. De qualquer forma, “New Orleans” é tão boa e tão a cara dele que compensa sua participação tímida no conjunto da obra.

Também é uma pena que Tim Armstrong continue um pouco preso nas letras de auto-afirmação do tipo nós-contra-o-mundo. A temática era até compreensível após os incidentes que antecederam a gravação de Indestructible, de 2003. Mas seis anos depois, era de se imaginar que o quarteto já houvesse superado o trauma da morte de familiares e mulheres em fuga. Eles são melhores contanto histórias das ruas e gangsters do que declamando versos cheios de autopiedade. Dispensável, mas nada que tire o brilho de mais um ótimo lançamento do quarteto.

Green Day – 21st Century Breakdown

2009-05-12T22:57:00.003-03:00

O lançamento do oitavo disco do Green Day, 21st Century Breakdown, permite dividir a carreira da banda californiana em duas fases: na primeira o trio se firmou como o maior grupo de pop punk do mundo, e na segunda se tornou uma banda de rock que não se restringe ou se encaixa em subgêneros musicais e mistura influencias diversas para criar um som pesado, mas fácil o suficiente para lotar estádios pelo mundo. Ao contrario do que se possa imaginar, a primeira fase da banda é mais relevante ao transpirar energia adolescente e sinceridade, do que a segunda ao tentar abraçar o mundo.

21st Century Breakdown foi claramente concebido como uma continuação do sucesso de cinco anos atrás, American Idiot, e narra (da mesma forma frouxa que o anterior) uma história com personagens desajustados e perdidos nos EUA da Era Bush. Em muitas das faixas, no entanto, fica difícil entender porque a narração do conto foi interrompida por um comentário político-social da própria banda, e como isso se relaciona com a história de Christian e Gloria (nomes com duplo sentido meio óbvio, aliás).

Para piorar, a maneira que o Green Day encontrou para falar sobre tais temas lembra cada vez mais a pregação messiânica de Bono Vox do que o protesto acadêmico do Bad Religion ou a crítica acida e divertida do NOFX.

Musicalmente o álbum é bem melhor, ainda que se sinta a falta dos pop rocks que fizeram a banda famosa mundo afora. Entre as 18 faixas, apenas “Murder City” lembra o antigo Green Day do início ao fim. Mas o trio acertou ao trabalhar melhor as músicas de modo que pareçam canções com várias passagens ao invés de várias canções coladas umas nas outras. Talvez por isso, apenas duas delas ultrapassem os cinco minutos de duração, grindcore perto das músicas de nove minutos de American Idiot.

As melhores músicas do álbum são exatamente as que mais se distanciam do caráter épico pretensioso da ópera rock. A pesada “Christian's Inferno” se sai muito bem experimentando efeitos, distorções e uma pegada mais industrial. Já “Peacemaker” surpreende com suas influencias latinas. Em “Last Of The American Girls”, a banda se dá bem ao incorporar o espírito pop e dançante de Weezer e Fountains of Wayne.

“The Static Age” e “See The Light” também não fazem feio entre as faixas mais típicas da nova fase da banda. Em outro campo musical, “!Viva La Gloria!” e sua irmã “?Viva La Gloria? (Little Girl)” (sim, eram para ser sinais invertidos como em espanhol), misturam pianos e inícios calmos com rocks vigorosos que a banda faz tão bem. A segunda poderia até ser uma das melhores faixas de Warning, de 2000.

21st Century Breakdown escancara ainda as influencias britânicas do compostor Billie Joe. Se na primeira fase da banda, Ramones, Buzzcocks e Husker Du eram referencias nítidas, aqui se percebem melodias típicas dos Beatles, Kinks, The Who e até Queen. A bonita balada “Last Night On Earth” é consequencia direta disso, assim como a faixa título, excessivamente épica e pouco empolgante ao mesmo tempo.

O afastamento proposital do punk rock também permitiu que Billie Joe arriscasse notas e interpretações vocais nunca antes tentadas pelo grupo, como em “21 Guns” e “Before The Lobotomy”, ambas esquecíveis. Já “Horseshoes And Handgrenades”, que abre o terceiro ato da opera rock, deveria ter sido esquecida pela banda. O trio é talentoso e tem história suficiente para escrever músicas melhores do que uma cópia barata de “Main Offender”, dos suecos do The Hives.

Entre altos e baixos, o Green Day produziu mais um bom álbum, que provavelmente venderá outros muitos milhões de cópias e deixará os antigos fãs esperando mais alguns anos por faixas simples e inesquecíveis como “Welcome To Paradise”, “Christy Road”, “Basket Case”, “Walking Contradiction” e “Nice Guys Finish Last”.

Less Than Jake em São Paulo

2009-04-22T18:21:00.005-03:00

Era hora das 1500 pessoas que lotavam o local começarem a gritar. Ao som de “Less Than Jake, Less Than Jake…” o quinteto entrou em cena com a música tema de Star Wars ao fundo e mandou logo de cara “Conviction Notice”, de seu último trabalho, o ótimo GNV FLA. Mas se enganou quem achava que a apresentação seria focada no disco. Com cara de best of, o setlist contou com sucessos antigos como (...)

Leia a resenha completa do show dos estadunidenses do Less Than Jake em São Paulo no site da Protons, com direito a mais fotos e comentários sobre as bandas de abertura.

Spirit of '94

2009-04-05T18:22:00.002-03:00

Gosto não se discute?

2009-04-03T17:24:00.002-03:00

A música é uma arte que pode ser aprendida e cultivada. Se alguém não gosta de determinado gênero musical, é preciso primeiro verificar se ele conhece esse gênero. E para conhecer um gênero de música mais elaborado nem sempre é suficiente ouvi-lo só uma ou duas vezes. Há linguagens musicais com sintaxes complexas que só são compreendidas mediante análise, exatamente como acontece com os textos escritos.

Aliás, existe uma nítida relação entre o hábito de ler com os gêneros mais elaborados de música. Só se tem prazer pela leitura quando se entende o que lê. Da mesma forma, a música também requer um esforço grande por parte do ouvinte, para que se possa entender a linguagem, as mensagens e, a partir daí, aprecia-la.

Sendo assim, os gêneros de música mais elaborados como o jazz e a bossa nova, entre outros, muitas vezes não são apreciados pela maioria de pessoas, simplesmente porque elas não os compreendem. É por isso que a música de Tom Jobim e a de Ray Charles podem não ser apreciadas por quem não teve educação musical ou não viveu em ambiente cultural que favorecesse o contato com esses gêneros.

No entanto, qualquer pessoa que não esteja acostumada a ouvir determinada música popular mais sofisticada, ou até mesmo a música erudita ou clássica, pode descobrir a beleza que há nesses gêneros, bastando para isso algum esforço, paciência, além de procurar se livrar de um certo preconceito comum de quem “não ouviu e não gostou”.

Fazer uso da premissa de que “gosto não se discute” para classificar uma obra musical como ruim é, além de simplista, desconhecer que a música apresenta harmonias, melodias, e várias outras questões técnicas que devem sim ser discutidas e compreendidas antes de serem julgadas.

É difícil alguém ouvir o violão e a voz de João Gilberto com atenção, por diversas vezes e em silêncio, e não gostar do que ouviu. Mas não é impossível. Há quem conheça o trabalho dele e não goste, não se identifique. No entanto, deve-se reconhecer a qualidade e a virtuosidade de seus trabalhos. Também há quem não goste da pessoa de João Gilberto, porque nem sempre é fácil separar o artista de sua obra, mas isto é uma outra história.

O que cabe finalmente destacar é que é possível se educar para a música e que a música é uma arte que deve ser cultivada por todos, com enormes benefícios para os indivíduos e para toda a sociedade.

Eduardo Beraba Villarim

O rock-de-jornalista

2009-03-26T15:56:00.001-03:00

Há alguns dias, Marco Aurélio Canônico, jornalista da Folha de S. Paulo, perguntou no Blog da Ilustrada porque até sexta-feira passada os ingressos para os dois shows do Radiohead em SP e no Rio não tinham esgotado. Mais especificamente, ele levantou duas hipóteses: Seria por causa do alto preço dos ingressos, ou seria o Radiohead um fenômeno apenas midiático, mas não de público?

A conversa me lembrou o artigo da MTV americana citado no post abaixo sobre o “rock de jornalista”. Não, eu não acho que o Radiohead seja apenas isso. Na verdade, não acho nem que tenha sido um fracasso de público. 30 mil pessoas vendo uma banda de sonoridade tão “difícil” quanto o Radiohead não é um fracasso em lugar nenhum do mundo.

Mas para o bem da discussão, vamos supor que muitos esperavam uma corrida desesperada pelos ingressos, que se esgotariam em poucos dias. Dessa forma, acho sim que R$ 200 é um preço proibitivo para muita gente. Entendo todas as despesas que os produtores tem para trazer uma banda gringa e montar um show desse porte. Ainda assim, muita gente potencialmente interessada simplesmente não tem R$ 200 para gastar em 2 horas de rock.

Isso dito, no mesmo final de semana o Iron Maiden levou 25 mil pessoas para o estádio Mané Garrincha, aqui em Brasília. Estamos falando de uma região metropolitana de 3 milhões de habitantes, contra os 12 milhões do Rio e os 18 milhões de São Paulo. E os preços também não estavam ajudando os metaleiros ingleses. Pessoalmente, curto mais o Radiohead do que a Dama de Ferro, mas é impossível negar que o segundo tem muito mais público do que o primeiro.

Por que então o Radiohead tem muito mais espaço na mídia do que o Iron Maiden? Porque o chamado indie rock aparece quase diariamente nos cadernos de cultura dos jornais brasileiros e o heavy metal ou o punk rock são relativamente ignorados? E por que o rock, ouvido por uma parcela percentualmente pequena do público brasileiro, tem muito mais espaço na mídia do que a MPB, o samba, o forró, o sertanejo ou o axé?

Obviamente não estou falando de programas televisivos de entretenimento, que estão se lixando para o rock, mas de matérias jornalísticas nos jornais e revistas considerados sérios. Como fã de rock, eu gostaria de ler mais e mais sobre meu estilo musical favorito, mas como jornalista, tenho que questionar se é correto pautar os meios de comunicação segundo nossos gostos pessoais.

Por outro lado, o jornalismo musical sempre foi um fenômeno muito atrelado ao rock n roll, desde os anos 60. Também não estou sugerindo que revistas de rock deixem se dedicar ao estilo e abracem o axé, ou o country, no caso das publicações estadunidenses. Mas se tanta gente lota shows de música sertaneja e forró por todo o país, por que não existem revistas e matérias de jornal dedicadas a esse público? Será que simplesmente não há interesse, ou os jornalistas seriam elitistas? Muitas perguntas para um texto só, não é? Alguém aí acha alguma coisa?

Novidades do Green Day, Rancid e Blink 182

2009-02-12T17:37:00.003-02:00

Essa aí em cima é a capa do novo disco do Green Day, 21st Century Brakdown, que será lançado em maio. Confesso que achei a imagem mais ou menos. Aparentemente o álbum é dividido em 3 “atos”: Heroes And Cons, Charlatans And Saints e Horseshoes And Handgrenades, com várias músicas cada. Trata-se, portanto, de outra opera rock, mas ao que tudo indica não tem qualquer conexão com o disco anterior da banda, American Idiot.

A revista estadunidense Alternative Press já havia publicado uma matéria com a banda em dezembro do ano passado. Na ocasião, tiveram a oportunidade de escutar algumas das faixas do disco novo, sobre as quais teceram comentários mais ou menos elogiosos. Procurem os scans por aí, vale a pena. Se o Green Day não se perder em suas próprias pretensões, 21st Century Brakdown tem tudo para ser um dos principais lançamentos do ano, mesmo após tanto tempo longe da mídia.

2009, aliás, parece que vai ser bastante agitado para os fãs de pop-punk-rock-hardcore-e-afins. Sem lançar nada desde 2003, o Rancid está terminando as gravações de seu próximo trabalho, que tem produção de Brett Gurewitz, o famoso guitarrista do Bad Religion e dono da Epitaph Records, gravadora que definiu uma geração do rock underground dos EUA.

Mr Brett já havia produzido o 2º álbum homônimo da banda, em 2000. Na época o trabalho impressionou por ser o mais sujo e rápido do quarteto. Esse novo disco será o primeiro do Rancid sem o baterista Brett Reed, que deixou a banda há alguns anos e foi substituído por Branden Steineckert, que tocava na banda emo The Used.

A outra novidade que está mexendo com os fãs é a volta do Blink 182. O trio anunciou sua volta no último domingo na emtrega dos prêmios Grammy, que todo mundo sabe do que se trata (o Oscar da indústria musical e blá, blá, blá). A banda prometeu novidades para o próximo verão gringo, o que significa provavelmente uma turnê em junho ou julho. Eles também vão gravar outro disco, mas ninguém sabe se sai ainda esse ano. Pouco provável. Nada como uma tragédia pra unir as pessoas, certo? Geoge W Bush sabe bem como funciona.

Mas mau humor a parte, o disco cria grandes espectativas, após a recepção morna aos trabalhos do Angel And Airwaves de Tom DeLonge, e do +44 de Mark Hoppus e Travis Barker. Para mim, o AVA se encaixa perfeitamente naquela onda que falei do Green Day de se perder nas próprias pretensões. O +44 eu acho um pop-indie-punk bem mais honesto e divertido.

Será também curioso ver se abanda vai voltar ao velho som que os consagrou, ou vai dar continuidade às experimentações do último disco, de 2003. Sinceramente, acho que se eles tentarem repetir Enema Of The State, vão se dar mal. Eles não são mais os mesmo, a década também não. Mas espero algo melhor que o disco homônimo, que é bom, mas chato. Aliás, o excesso de expectativas é a primeira batalha que o trio vai ter que ganhar.

O site da MTV americana tem um ótimo artigo escrito pelo jornalista James Montgomery, que conta que foi um grande fã da banda quando adolescente e que esqueceu dos caras quando entrou para a universidade e virou jornalista. Ele queria ouvir um som mais adulto e mergulhou de cabeça no rock-de-jornalista. Mas a volta do Blink deixou o cara nostálgico e ele não consegue se segurar de tanta empolgação e ansiedade. O nome do artigo é “A reunião do Blink 182 vai mudar o mundo?”. São tempos messiânicos nos EUA, mas confesso que a expectativa com os três lançamentos é grande aqui no Rock N Cigarettes também.

The Loved Ones – Distractions (2009)

2009-02-04T22:59:00.009-02:00

O primeiro álbum do Loved Ones é marcado por punk rocks energéticos e relativamente acelerados. Já o segundo, abre espaço para pianos e influencias como Bruce Springsteen e folk rock. Neste novo EP, o quarteto da Philadelphia dá segmento a essa evolução musical, para-doxalmente, com algumas gra-vações antigas.

Entre as seis faixas de Distrac-tions estão três covers e uma música própria, todos b-sides do primeiro disco. Apesar de metade das faixas não ser composição do próprio quarteto, as músicas fazem sentido juntas, já que eles regravaram apenas influencias declaradas para o som da banda.

A faixa-título abre o EP com o mesmo feeling do último lançamento dos caras, assim como a faixa seguinte “Last Call”. Ambas são bons punk rocks mais lentos, com pianos e teclados. Já “Spy Diddley”, gravada nas seções de Keep Your Heart, acelera um pouco as coisas e deixa a dúvida de porque não foi incluída no tracklist do disco.

A segunda parte de Distractions é dedicada aos covers. Curiosamente, o compositor menos conhecido do pacote rende a melhor das três faixas. “Lovers Town Revisited”, de Billy Brag, se encaixa muito bem no conjunto de canções da banda. Mas quando o quarteto abre mão de sua formação punk rock, para apostar apenas no clássico “voz e violão” (ou voz e guitarra), o resultado não é tão impressionante. “Coma Girl”, de Joe Strummer, e “Johnny 99”, de Bruce Springsteen, não tem o mesmo impacto das outras 4 faixas, apesar dos vocais seguros de Dave Hause.

No final, Distractions é apenas o que o nome anuncia: uma boa distração que deve agradar os fãs até que saia o próximo trabalho da banda, ainda sem data de lançamento. Mas não é nem de longe tão bom quanto o último lançamento da banda.

Os Melhores de 2008

2009-01-06T16:47:00.003-02:00

Para começar bem 2009, vamos às famosas e inescapáveis listas de melhores do ano. Ao invés de selecionar um número pré-determinado de álbuns, decidi escrever sobre aqueles discos que realmente marcaram meu ano musical, aqueles que acho que vão ficar no meu iPod por mais uns verões. Confira os sete escolhidos:

R.E.M. – Accelerate

Accelerate é o melhor lançamento do R.E.M. em muitos anos. Com a “gravação mais curta da carreira” do trio estadunidense, quase todas as músicas do disco são construídas em cima de guitarra, baixo e bateria. Em menos de 35 minutos, o grupo dá seu recado e vai embora. E mostra porque é uma das maiores bandas em atividade.

Trever Keith – Melancholics Anonymous

O primeiro trabalho solo do ex-vocalista do Face To Face une a melancolia do título com programações de bateria (quase) dançantes, que levam o álbum para longe de um clima simplesmente depressivo. O destaque vai para as músicas “Incommunicado” e “Bleeding Out”, mas o disco merece ser ouvido cuidadosamente em sua totalidade.

Flogging Molly – Float

Float foi o primeiro trabalho do Flogging Molly a dar o destaque necessário a cada um dos muitos instrumentos usados pela banda. O resultado é menos pesado, mas revela as ótimas composições de Dave King. Além disso, o álbum é bom do início ao fim. Não há pontos baixos ou músicas a serem puladas. Isso faz de Float um disco a ser lembrado.

Gaslight Anthem – The ‘59 Sound

A capa de The ‘59 Sound já entrega: apesar ser cria da cena punk de New Jersey, o Gaslight Anthem busca inspiração em outros cantos do rock americano, do conterrâneo Bruce Springsteen ao college rock do Replacements. Da mistura, a banda tira músicas memoráveis como “Great Expectations” e a faixa-título. Sem dúvida a melhor surpresa do ano.

The Loved Ones – Build And Burn

Build And Burn sugere uma transição para o quarteto da Philadelphia. O início do álbum é marcado por punk rocks com vocais rasgados como “Pretty Good Year”, que lembram o som de Hot Water Music e Against Me!. Progressivamente vão entrando os pianos e a distorção vai dando lugar a um feeling sulista que tem seu ápice na ótima “Loisiana”.

The Subways – All Or Nothing

O segundo disco do Subways prova que o rock alternativo dos anos 90 não está completamente esquecido. All Or Nothing soa ao mesmo tempo mais pop e mais pesado que o álbum de estréia da banda. Misturando guitar rock, grunge e um pouco de punk rock e britpop, a música do trio é mais suja, energética e ao mesmo tempo pop, que a de qualquer banda britânica da atualidade.

Alkaline Trio – Agony And Irony

Agony and Irony pode não ser o melhor trabalho do Trio, mas tem algumas ótimas músicas, como “In Vein” e “Calling All Skeletons”. Com um som mais pop que nos trabalhos anteriores, o disco também mostra que a banda tem qualidade e personalidade suficientes para sobreviver ao envelhecimento e às mudanças de gravadora.

Vendas de CDs cai, mas downloads pagos batem recorde em 2008

2009-01-01T23:14:00.004-02:00

O balanço do ano não foi muito positivo para a industria musical estadunidense. A venda total de álbuns – dado que inclui tanto álbuns físicos quanto virtuais – caiu para aproximadamente 428 milhões de unidades, uma queda de 8,5% em relação aos números de 2007.

Segundo a Nielsen SoundScan, a venda de álbuns físicos caiu de 450 milhões para 362 milhões, afetando todos os gêneros musicais. A artista country Taylor Swift foi quem teve o melhor resultado em 2008, com 4 milhões de álbuns vendidos, seguida por AC/DC, Lil’ Wayne e Coldplay.

Apesar de não compensar a queda livre dos CDs, as venda digitais bateram recorde no ano que passou. Somente a venda dos álbuns virtuais cresceu 32%, chegando a quase 66 milhões de unidades vendidas. Já as faixas digitais avulsas alcançaram a marca de 1,07 bilhão de unidades, um crescimento de 27%.

Apesar da tendencia de queda, algumas gravadoras estão se adequando à nova realidade. A Atlantic Records, maior vendedora de discos nos EUA em 2008, divulgou que no mês de setembro seu lucro com vendas digitais ultrapassou o lucro com vendas de CDs.

Leonardo Werneck

http://www.clicabrasilia.com.br/viva/principal/noticia.php?IdNoticia=42277

Tom Gabel – Heart Burns (2008)

2008-11-05T00:11:00.007-02:00

O EP Heart Burns é o novo trabalho solo do vocalista e compositor da aclamada banda estadunidense Against Me! Levando em conta as reações dos fãs às inovações sonoras dos últimos discos da banda, parece uma boa idéia Tom Gabel lançar mão de um projeto paralelo para gravar suas composições mais dançantes e pop. O uso de programações de bateria misturadas com guitarras e violões lembra o trabalho solo do ex-vocalista do Face To face, Trever Kieth, mas a voz marcante de Gabel, mesmo que involuntariamente, traz à mente o som do Against Me!

“Anna Is a Stool Pigeon” é o maior destaque e o mais provavel hit do lançamento. Misturando violões, gaita e uma letra de protesto, a faixa também representa bem o trabalho de Tom Gabel. O lado mais folk de Heart Burns é representado por “Harsh Realms” e “Cowards Sing at Night”, que lembram o som do trovador britânico Billy Brag. Minimalistas, ambas confiam nos fortes vocais de Gabel para se destacarem, já que os arranjos se limitam a um violão na primeira, e uma guitarra na segunda.

Já “100 Years of War” é a que mais lembra os primeiros trabalhos de sua banda, e “Random Hearts” é o mais próximo que o compositor já chegou da new wave. A face mais calma do disco é “Conceptual Paths”, que conta com uma bela melodia e palmas de computador ao fundo. Não se pode dizer que esse lançamento seja um masterpiece, mas Heart Burns mostra um pouco do potencial de Tom Gabel como compositor e vocalista e deve agradar aos fãs que não ficarem comparando cada composição com “Reinventing Axl Rose”.

Alone II: The Home Recordings

2008-11-02T19:23:00.001-02:00

No próximo dia 25 de novembro a gravadora Geffen vai lançar o segundo volume das gravações caseiras de Rivers Cuomo, vocalista do Weezer. A incrível foto da capa é mesmo Cuomo, ainda no segundo grau. Do disco, esse blogueiro ouviu apenas "I Want to Take You Home Tonight", que soa bastante com o que o Weezer deveria estar fazendo. Confira abaixo o tracklist do lançamento:

01. "Paper Face"

02. "Thrown It All Away"

03. "Don't Worry Baby" (Beach Boys cover)

04. "The Purification of Water"

05. "I'll Think About You"

06. "Walt Disney"

07. "Oh Jonas"

08. "Please Remember"

09. "Come to My Pod"

10. "The Prettiest Girl in the Whole Wide World"

11. "I Want to Take You Home Tonight"

12. "I Was Scared"

13. "Bad Girl"

14. "My Day Is Coming"

15. "I Don't Wanna Let You Go"

16. "Softies"

Blackmarket – Blackmarket EP (2008)

2008-10-30T01:44:00.001-02:00

O EP de estréia desse quarteto do Arizona (EUA), tem apenas seis faixas, mas mostra uma banda com um potencial enorme. O som dos caras é um indie rock bastante pop, com influencias de Weezer e dos britânicos do Ash e Subways, e conquista o ouvinte de primeira. O single “Sheila”, que aparece tanto em sua versão original quanto na versão para as rádios (absolutamente iguais), tem um ótimo refrão pop que gruda na cabeça e junto com a balada “White Lie”, mostra um pouco da influencia auto declarada de Beatles na composição de melodias grudentas.

“Magic Tricks”, “Drag Addict” e “Bad Call” são mais roqueiras e revelam as boas guitarras de Jason Brindis e do vocalista Daryl Lamont, ainda que a última conte teclados meio desnecessários, um pouco videogame demais. Apesar de marcar a estréia da banda, o EP é muito bem gravado e produzido e mostra que o Blackmarket deve em breve estender o sucesso que já fazem no Japão aos EUA e Europa. Quem sabe até ao Brasil.

Rise Against – Appeal To Reason (2008

2008-10-27T01:59:00.002-02:00

Mantendo a regularidade de um lançamento a cada dois anos, os estadudenses do Rise Against estão de volta com seu quinto trabalho, Appeal To Reason. Novamente produzido por Bill Stevenson, também responsável pelo lançamento anterior e pelo fan favourite Revolutions Per Minute, o disco começa muito bem, com duas faixas com a cara do Rise Against, “Collapse (Post-Amerika)” e “Long Forgotten Sons”. O bom single “Re-Education (Through Labor)” aparece em seguida, com um ritmo mais cadenciado, mas com toda a energia que caracteriza a banda.

No entanto, a partir da quarta música, Appeal To Reason pode assustar os fãs. À exceção de “Savior” e “Entertainment”, todas as outras faixas são bastante pop, equilibrando seu lado grudento com os vocais rasgados de Tim McIlrath e, às vezes, letras políticas. Individualmente são músicas boas, mas lado à lado fazem o álbum perder um pouco a energia e a urgência tão características dos outros trabalhos do quarteto. Quando se chega à décima faixa, a balada “Hero Of War”, resta pouco animo para conferir as últimas 3 músicas de Appeal To Reason, que continua decente, mas sem empolgar até o final.

Criticism

2008-09-16T02:28:00.004-03:00

A good review doesn't tell you whether you should like or dislike something. It discusses strengths and weaknesses and invites you to make up your own mind based on the information and perspective offered you.

Uma boa resenha não te diz se você deve gostar ou não de algo. Ela discute pontos fortes e fracos e te convida a formar sua própria opinião baseada nas informações e pontos de vista oferecidos a você.

The Hives em Brasília

2008-09-11T11:30:00.003-03:00

Ainda que com um atraso fenomenal, este repórter decidiu escrever uma resenha sobre o show dos suecos do The Hives em Brasília, na última sexta-feira. Antes tarde do que tarde demais.

Com cerca de uma hora de atraso, por volta das 23h o Supergalo, banda brasiliense formada por ex-rockstars locais, subiu o palco dessa edição do Pílulas Porão do Rock para esquentar o público. O Arena já estava bem cheio de fãs da atração principal da noite, devidamente posicionados o mais perto possível do palco. O quarteto tocou seu pop rock sem grandes inovações e com letras típicas de banda iniciante por pouco mais de meia hora. Brasília já revelou grupos melhores.

Segundo relatos, a entrada do Hives foi anunciada no microfone, mas não pode ser ouvida do bar, um pouco distante do palco. O inicio do show do quinteto sueco, portanto, pegou de surpresa um número razoável de pessoas, já que a lógica seria os locais do Móveis Coloniais de Acaju tocarem antes da atração principal. Depois de uma pequena corrida em direção ao palco, o público foi se acomodando. No entanto, à exceção dos fãs mais devotos próximos ao palco, a platéia estava meio fria, demonstrando pouca empolgação e demorando a responder aos comandos e gracinhas do frontman Pelle Almqvist.

O show do Hives é todo coreografado e cada integrante tem sua pose e função no palco. A do vocalista Pelle, mais do que cantar, é bancar o mestre de cerimônias e empolgar o público com sua simpática arrogância teatral. O cara se esforçou bastante, usando todas as 5 palavras em português que tinha aprendido para essa turnê. Alem do clássico “obrigado”, o vocabulário do cara consistia em: “grita aí”, “para”, “senhores e senhores” (impossível saber qual era destinado a que gênero), e um ininteligível “tira o pé do chão”. Engraçado, mas um pouco repetitivo.

Musicalmente, a apresentação foi focada nos dois álbuns mais recentes do quinteto: The Balck and White Album e Tyrannosaurus Hives. No entanto, isso não os impediu de presentear os fãs mais antigos com músicas dos dois primeiros lançamentos, bem distribuídas por todo o show. Do primeiro disco, foi tocada “AKA I-D-I-O-T”. Do segundo, “Main Offender”, “Die, Alright!” e o hit “Hate To Say I Told You So”, já no bis, que foi encerrado com o primeiro single do último lançamento, “Tick Tick Boom”.

Os pontos altos do show foram o novo single “Won’t Be Long”, “Return The Favour”, música muito bem escolhida para o falso encerramento, e os hits, como “Walk Idiot Walk” e as já citadas “Hate To Say I Told You So” e “Tick Tick Boom”. Um pouco ensaiada e teatral demais, a apresentação acaba ofuscando um pouco as próprias músicas, mas nada que estrague o bom show. Talvez melhor que o show em si, tenha sido a oportunidade de assistir uma boa banda internacional da atualidade em Brasília, tão carente de shows do tipo. O Porão do Rock está acertando na produção de shows internacionais em 2008. Tomara que eles continuem vindo.

Ah, sim. Após o show do quinteto sueco, os queridinhos locais do Móveis Coloniais de Acaju encheram o palco para mostrar o último show do seu álbum de estréia, Idem. Boa parte do público já havia deixado o Arena e a parte que ficou parecia mais interessada em encontrar amigos, beber e conversar sobre o show anterior. Por melhores que eles sejam e por maior que seja seu próprio público, o MCA não teria mesmo qualquer chance de se destacar fechando uma noite que na verdade já tinha acabado.

The Subways em Los Angeles

2008-08-31T17:09:00.005-03:00

Localizado na área nobre de West Hollywood, em Los Angeles, o Troubador é uma casa de shows onde cabem cerca de 300 pessoas em frente ao palco. Com um equipamento de som de dar inveja a qualquer venue brasileira, a casa mantém aquele clima intimista de shows underground, sem seguranças ou grades separando o público das bandas. Apesar das muitas bandeirinhas de arco-íris na avenida, o que se via dentro do Troubadour eram roqueiros universitários, alguns adolescentes e poucos adultos comportados, todos convivendo na mais plena harmonia, mantida pelos preços ridiculamente altos do bar. Quando uma long neck de Budweiser custa 6 dólares, quase ninguém segura uma bebida na mão.

Com o maior atraso presenciado por esse repórter em shows nos EUA, a banda de abertura, os ingleses do Spacehog, entrou no palco da casa 4 minutos depois do previsto. Apesar de serem bons músicos, sobra ao quarteto pose e falta consistência musical. Alternando entre glam rock, hard rock tipo Guns N Roses, e até um pouco de grunge, cada música tinha a cara de uma banda diferente e o ponto alto do show foi um bom cover do Faith No More. Um desperdício de talento em meio a tanta pose e falta de direção musical.

Em seguida os estadunidenses do Black Market tomaram suas posições e mostraram um rock muito mais sincero e empolgante do que o do Spacehog, apesar de menos pesado. O quarteto, reduzido a um trio naquela noite, mostrou que os anos 90 continuam vivos e apresentaram um bom repertorio de músicas próprias, que não empolgou muito o público presente, ansioso com a entrada da banda principal. O vocalista Daryl tem uma postura de palco muito parecida com a de Alex Turner, do Arctic Monkeys, e o baterista parece saído diretamente de uma banda alternativa da metade da década passada. O som do Black Market é focado no rock alternativo americano da década passada, com alguma influencia de britpop. Sem grandes inovações, mas muito bom.

Chegou então a hora dos roadies tomarem o palco, com uma eficiência admirável. Poucos minutos depois o Subways tentou fazer uma entrada de impacto a partir de um camarim que fica no segundo andar e cuja saída é uma escada que dá direto no palco. Curioso. Sem enrolação, começaram o show com “Kalifornia”, escolha óbvia, mas muito boa. A baixista Charlotte Cooper e o baterista Josh Morgan tocam bem e são empolgados, mas é o vocalista Billy Lunn que domina o palco e chama o show para si, tentando entreter a platéia desde o início da primeira música. Entre palmas, concursos de gritos e singalongs o rapaz foi aos poucos conquistando o público, que progressivamente ficou mais animado com a apresentação.

Os backing vocals de Charlotte são impressionantemente parecidos com as das gravações, e a interação de palco entre ela e Billy também é muito boa, transmitindo para a platéia toda a empolgação de estar tocando (e ouvindo) rock n roll. Alternando entre músicas de seus dois discos (quase na mesma dose), o Subways fez a clara escolha de privilegiar as faixas mais pesadas e animadas. Das lentas apenas “Mary” foi tocada, ainda assim em uma versão um pouco acelerada, com o público todo cantando junto.

Apesar do espaço pequeno, alguns mais empolgados conseguiram abrir algo próximo a uma roda, onde se podia dançar mais espaçosamente do que em meio ao público blasé. Já no final do show, o energético vocalista Billy Lunn subiu no mezanino e finalmente conseguiu que o público atingisse o mesmo estado de empolgação que a banda. Quando se atirou do segundo andar, no entanto, encontrou apenas o chão. Ninguém na platéia abriu, mas os indies foram incapazes de aparar a queda do cara. Mesmo assim, Billy foi levantado e, sem tanta gravidade, carregado de volta ao palco. Depois de um falso fim de show, o trio voltou para tocar mais 2 músicas, finalizando com o hit “Rock N Roll Queen”. O Subways não entrou com o jogo ganho, mas mostrou competência, profissionalismo, empolgação e um preparo físico de dar inveja. Com isso, conquistou o público bunda-mole norte americano e fez um dos melhores shows que este repórter já assistiu.

Alkaline Trio em San Diego

2008-08-16T17:35:00.003-03:00

foto ilustrativa

O Soma, casa onde o Alkaline Trio se apresentou no último dia 27 de julho na bonita cidade de San Diego, é pouco mais que um galpão que não vende bebidas alcoólicas, mas tem um belo palco e um som muito bom. O local estava bem cheio e pelas contas muito imprecisas desse repórter, cerca de 1500 pessoas (quase todos adolescentes ou universitários) deviam estar presentes para assistir os mais novos astros do pop punk norte-americano.

Mais do que pontualmente, a banda de abertura, a dinamarquesa The Fashion, entrou em ação com alguns minutos de antecedência. Mostrando um pop rock regado com programações e barulhinhos de teclado, o quarteto fez um show animado, apesar da apatia do público que ainda entrava na casa. Claramente, o The Fashion ainda é uma banda inexperiente (principalmente se comparada às bandas que tocariam logo depois), mas mostrou um som e repertório consistentes, e potencial para se tornar um novo Motion City Soundtrack. Com um gostinho de anos 80.

Profissionalíssimos, em seguida subiram ao palco os americanos do American Steel. Com um rock mais adulto e mais condizente com o som da banda principal da noite, o quarteto mostrou experiência desde a rápida passagem de som (que consertou os problemas presentes no show anterior), até a postura de palco que mostra domínio do espaço, passando pelos vocais seguros de Rory Henderson. No entanto, a banda praticamente tocou para ela mesma.

Com pose de banda grande, o Trio demorou bastante para entrar em cena. Após várias checagens e arrumações de palco pelos roadies da banda, o público começou a mostrar sinais de impaciência. No entanto, todo o incomodo da demora desapareceu uma vez que a banda começou a tocar, abrindo o show com "Calling All Skeletons", primeira faixa do novo album dos caras, Agony and Arony. Desse último trabalho foram apresentadas “Do You Wanna Know”, “In Vein”, “I Found Away” e o single “Help Me”, que pode ser ouvido nas rádios rock americanas.

Mas a apresentação dosou de maneira satisfatória musicas de todas as épocas da banda, agradando tanto fãs dessa fase mais mainstream, quanto os que os acompanham a desde o início de carreira. Curiosamente, os caras optaram por não tocar "Stupid Kid", single fan-favorite do álbum From Here To Infirmary. Deste disco tocaram "Private Eye" e "Armagedon", que agitaram o público, como também fez "This Could Be Love" e “Warbrain”. Alternando entre punk rocks e músicas mais lentas, como "Mercy Me" e "Time To Waste", o Trio conseguiu manter o público ligado ao longo de todo o show, cerca de 1 hora e 15 minutos, com direito a falso encerramento para o bis.

A banda mostrou experiência e qualidade na execução das músicas. Ambos os vocalistas seguram bem as partes mais difíceis, mostrando que não precisam de pró-tools. Apesar disso, não demonstram grande empolgação e não se movimentam muito pelo palco. Para sorte deles, nada disso é necessário, já que as composições falam por si mesmas. Isso é especialmente perceptível quando eles voltam ao palco dizendo que esqueceram de tocar uma música e Matt Skiba toca os primeiro acordes de “Radio”, cantada a plenos pulmões pelo público.

O ponto negativo que vale a pena ser comentado é a apatia geral do publico norte americano. A exceção de uma dúzia de empolgados colados na grade e outra dúzia pulando numa roda mais violenta do que é de costume no Brasil, as centenas de fãs se limitam a olhar a banda e balançar levemente a cabeça ou bater o pé. Quando a empolgação toma conta, todos aplaudem e cantam a músicas junto com a banda. Por algum motivo, os punk rockers estadunidenses parecem cachorrinhos adestrados, e não se incomodam com um segurança-macaco plantado no meio da platéia, tampando a visão de outra dúzia de desafortunados que balançam levemente a cabeça. Não é à toa que tantas bandas falam bem do público quando vem tocar no Brasil ou na Argentina.

De volta

2008-08-10T16:20:00.003-03:00

O Rock N Cigarettes continua vivo. Muito em breve estaremos de volta com mais novidades, resenhas e entrevistas. Continuem acessando!

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O Rock N Cigarettes é um blog comunitário sobre o universo Rock N Roll. Se você quiser colaborar, mande um e-mail para rockncigarettes@gmail.com. Boa leitura.

Weezer – Weezer (Red Album) (2008)

2008-07-14T02:27:00.002-03:00

Desde seu retorno em 2001, o Weezer deixou de lado a pose e as composições indie e adotou uma postura rock de arena. Nenhum problema, uma vez que o quarteto estava lançando álbuns de qualidade como Weezer (Green Album) e Maladroid. Seguindo a tradição criada pela própria banda, este terceiro disco auto intitulado marca novamente uma mudança de direção no som dos caras. No entanto, parece que o Weezer se perdeu no meio do caminho. A coesão passa longe deste Red Album, que mais parece um amontoado de sobras de estúdio e faz o lançamento anterior dos estadunidenses – Make Believe, de 2005 – parecer um album conceitual.

Logo no início do disco encontram-se duas ótimas faixas que devem (com todo o mérito) bombar nos iPods dos fãs. “Troublemaker” e o primeiro single “Pork & Beans” (acompanhado de um vídeo-clipe fantástico) mostram o Weezer em sua melhor forma, compondo pop rocks aos quais (quase) ninguém resiste. Desnecessário chover no molhado e elogiar a letra da segunda, que dá uma zoada no produtor Timbaland e sua fórmula de sucesso, que pode ser conferida em uns 2423 lançamentos de pop e hip hop este ano. Também logo no início do disco está a épica “The Greatest Man That Ever Lived”. Entre 1584 trocas de ritmo e melodias que vão do metal ao rap, passando por coros, fica difícil saber aonde termina a piada e começa a viagem egocêntrica anunciada pelo título. Desnecessária.

Tão longas quanto “The Greatest Man That Ever Lived” são “The Angel And The One” e “Dreamin'”. A primeira é um bom pop triste que fecha bem o disco. A segunda poderia ser uma boa música se não se perdesse em meio a tantos exageros. Há também 3 faixas compostas e cantadas pelos outros membros da banda. “Thought I Knew”, do guitarrista Brian Bell, é uma boa canção, mas não lembra em nada o rock característico do Weezer. As outras duas são apenas dispensáveis. Mas elas vêm em seqüência, como que pensadas para quebrar em dois e acabar com a unidade do trabalho. O resultado é que com apenas 10 músicas o Weezer consegue transformar o Red Album no pior lançamento de sua estrelada discografia.

Trever Keith - Melancholics Anonymous (2008)

2008-07-11T02:45:00.004-03:00

Segundo Trever Keith, ex- vocalista do finado grupo de punk rock Face To Face, Melancholics Anonymous segue de onde Ignorance Is Bliss parou. O cara se refere ao álbum de sua antiga banda que foi um fracasso de vendas e é menosprezado pela maioria dos fãs. Mas Melancholics Anonymous vai muito além do que o álbum de 1999 foi. O primeiro trabalho solo de Keith une a melancolia do título com programações de bateria dançantes, que levam o álbum para longe de um clima simplesmente depressivo. A influencia mais facilmente identificável é o pós punk oitentista (a introdução de “Say Goodbye Again” é totalmente The Cure), mas o trabalho também lembra o som do Garbage em sua mistura de rock e batidas e efeitos eletrônicos.

Apesar das referencias, o disco tem identidade própria e mostra Trever canções tão boas quanto os maiores “hits” do Face To Face. “Cross Your Heart And Hope To Die” abre o disco e é a mais roqueira da 11 faixas. Já “Absolution” é a balada mais calminha (ao lado da faixa-título) e une com habilidade violões e batidas eletrônicas. “Half Asleep” segue a idéia do título e tem um clima etéreo, como um sonho, e a boa “Pushover” é a faixa mais alegre dos 40 minutos de Melancholics Anonymous. Mas as melhores músicas do disco são mesmo “Incommunicado”, que tem a melodia mais legal e grudenta, e “Bleeding Out”, que transcorre em um clima tenso até estourar em um rock energético. Melancholics Anonymous é uma bela surpresa e mostra que Trever não precisa ficar preso a “Disconnected” e outras (boas) músicas do Face To Face que marcaram época.

Música e palavras

2008-07-07T00:26:00.003-03:00

A noticia não é nova, mas ainda é digna de nota. A editora virtual Mojo Books trabalha com uma proposta bem interessante: "Se música fosse literatura, que história contaria?". Há quase dois anos no “mercado” a editora já publicou adaptações literárias (contos, na maioria dos casos) de 68 músicas e álbuns de artistas tão diversos quanto Pantera, Mundo Livre S/A, Madonna, Beatles e My Chemical Romance. Desde maio a Mojo também publica adaptações em quadrinhos. O primeiro trabalho em quadrinhos da editora é “Bela Lugosi’s Dead”, da banda gótica inglesa Bauhaus. Todos os livros são gratuitos e em formato PDF e o próximo lançamento será “In Utero”, do Nirvana. Vale a pena conferir.

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O diário Folha de S.Paulo publicou uma nota triste em sua edição do dia 2 de julho:

No Brasil, o equivalente a 77 milhões de pessoas dizem não gostar de ler, segundo a pesquisa "Retratos da Leitura no Brasil", divulgada em maio pelo Instituto Pró-Livro. As principais razões para aqueles não-habituados à leitura: lêem muito devagar (17%); não têm paciência para ler (11%); não compreendem o que lêem (7%); não têm concentração para ler (7%). O brasileiro que lê, em média, conclui 4,7 livros e compra 1,2 exemplar a cada ano

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Recomendação do editor do site Zona Punk, Wladmyr Cruz, em seu editorial semanal sempre repleto de vídeos do YouTube:

Alkaline Trio - Agony and Irony (2008)

2008-06-30T01:26:00.002-03:00

Apesar de ter agradado a critica e garantido à banda um contrato com uma major, o lançamento anterior do Alkaline Trio, Crimsom, está longe de ser unanimidade entre os fãs. Por isso, o lançamento de Agony and Irony foi cercado de muita expectativa. Em entrevistas recentes, o trio declarou que havia demorado na composição do álbum, mas que as gravações tinham ocorrido em apenas 6 semanas e a produção havia dispensado o uso exagerado de instrumentos como pianos, teclados, cordas e efeitos de estúdio. Isso é verdade apenas em parte, e aqueles que apostavam em uma volta às raízes punk rock do grupo podem se decepcionar.

Apesar disso, Agony and Irony é um álbum mais empolgante do que seu antecessor e mostra uma mistura muito bem dosada de punk rock, pós-punk e pop rock. As letras cheias de imagens ligadas à morte, depressão, sangue e afins continuam presentes, mas embaladas por melodias e arranjos menos soturnos. As palmas na ótima faixa de abertura – “Calling All Skeletons” – já avisam que o dia está amanhecendo para o trio. Os refrões excessivamente pop (e um pouco clichés) de “Help Me” e “Love Love, Kiss Kiss” deixam isso ainda mais claro.

Outro ponto interessante é o fato do subestimado baixista Dan Andriano ter composto uma das melhores faixas de Agony and Irony, “In Vein”. A pesar de ser responsável por uma quantidade menor de canções do que nos primeiros trabalhos da banda, Andriano prova que é um compositor tão talentoso quanto seu companheiro Matt Skiba. Este, por sua vez, continua sua trilha em direção ao rock gótico dos anos 80, como fica claro nas boas “Over And Out” e “I Found Away”, que lembram o trabalho da banda paralela do guitarrista, Heavens.

Também vale a pena destacar “Into The Night” e ”Lost and Rendered” que traz alguma novidade ao som da banda com seu clima industrial, com teclados e guitarras bastante distorcidas. Infelizmente as melhores faixas do trabalho estão concentradas em seu início e final, deixando o miolo do álbum meio esquecido, com faixas menos inspiradas como “Live Young, Die Fast”. Se Agony and Irony não é o melhor trabalho da banda de Chicago, traz uma boa quantidade ótimas composições e mostra que a banda tem qualidade e personalidade suficientes para sobreviver ao envelhecimento e às mudanças de gravadora.

Notícias Rock

2008-06-26T02:17:00.006-03:00

Os estadunidenses do Less Than Jake liberaram samples de 30 segundos de todas as faixas de seu novo trabalho GNV FLA, que foi lançado no último dia 24. Ouça a prévia aqui, ou baixe o disco inteiro de graça por aí. Se o álbum for tão bom quanto a faixa de trabalho, “Does The Lion City Still Roar?”, deve valer a pena.

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No maravilhoso mundo do dólar decadente, os shows de bandas internacionais no Brasil não param mais. O TIM Festival anunciou duas atrações esta semana: O Gossip, da diva indie lésbica Beth Ditto, e os new ravers do Klaxons. Ainda devem ser confirmados os ciganos do Gogol Bordello e várias outras atrações de indie rock e jazz. O festival acontecerá no Rio, em São Paulo e em Vitória na segunda metade de outubro.

Em outra praia, os pop punkers ingleses do The Fallout Theory anunciaram 8 datas no país, sete delas no estado de São Paulo (a outra será Curitiba), entre os dias 15 e 31 de agosto. A banda faz um som parecido com o do New Found Glory, que também vem tocar em terras brasileiras em novembro. Um dos shows será na 12456ª edição do ABC Pró HC, em Sampa, outro será no Rio e um terceiro ainda será anunciado.

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In other news, a banda de hardcore Rise Against postou em seu MySpace um pedaço de “Little Boxes”, regravação da faixa tema do premiado seriado Weeds, composta por Malvina Reynolds. Artistas tão diversos quanto Linkin Park, Regina Spektor, The Decemberists, Randy Newman, Billy Bob Thornton, The Shins, Death Cab for Cutie e Joan Baez já regravaram a canção para o programa.

Notícias Rock

2008-06-23T00:30:00.004-03:00

A semana guardou algumas boas notícias para roqueiros de todas as matizes.

Conor Oberst (Bright Eyes) lançou um site novo para seu Mystic Valley Band, com o qual se apresentará em São Paulo nos dias 16 e 17 de julho. No site é possível ouvir duas faixas do próximo álbum da banda. “Danny Callaham” e “Souled Out!!!” mostram Oberst em composições mais elétricas e vocais mais comportados do que de costume. A primeira é calma e bonita, seguindo o estilo do Bright Eyes, mas com arranjos mais elaborados e pops. A segunda é bem roqueira, com guitarras distorcidas e até alguns gritos. Ambas são muito boas.

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Vazou a faixa bônus da edição japonesa de Rise and Fall, Rage and Grace, novo álbum do Offspring. A música se chama “OC Life” e deixa a dúvida de porque os caras tiraram ela da edição final do lançamento. Não é a canção mais fantástica que o quarteto já compôs, mas mostra um pouco da energia e do feeling que faltam a várias músicas de Rise and Fall... o destaque vai para as boas guitarras de Noodles.

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A banda sueca The Hives divulgou em seu MySpace as datas oficiais dos shows que fará no Rio, em São Paulo e em... Brasília. Aparentemente o quarteto se apresentará em uma das edições do Pílulas Porão do Rock, no dia 5 de setembro.

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Nem só da Apple vive a música do século 21. O tão falado projeto Álbum Virtual da gravadora Trama realmente saiu do papel. Para quem não sabe do que se trata, o projeto é basicamente uma extensão do bem sucedido Download Remunerado, que a gravadora leva a cabo em seu badalado site Trama Virtual. Nesse projeto, os artistas disponibilizam suas músicas para download no site e são remunerados por patrocinadores. Como na TV aberta, você assiste a novela e o jogo de futebol de graça e os anunciantes garantem o lucro da emissora. O Álbum Virtual é mesma coisa, mas com discos inteiros, com encarte virtual, letras, fotos da banda, informações técnicas e tudo mais.

O músico baiano Tom Zé, símbolo de inovação na MPB, foi o responsável pela estréia do projeto, com um álbum de inéditas chamado Danç-Êh-Sá ao Vivo. Entre os próximos lançamentos estará Donkey, segundo trabalho dos internacionalmente hypados CSS (não tem mais essa de Cansei de Ser Sexy). Notícia em todos os jornais e blogs do país, a gravadora mostra que é possível uma empresa mainstream ser inovadora, olhar para o futuro e agradar seus clientes. O presidente da Trama, João Marcelo Bôscoli, diz que a gravadora não quer revolucionar nada, mas no fundo deve saber que está mudando o mercado musical.

The Offspring - Rise and Fall, Rage and Grace (2008)

2008-06-15T02:41:00.008-03:00

Após o fracasso de crítica e público de Splinter, o Offspring demorou quase cinco anos para lançar um álbum novo. Se as 12 faixas de Rise and Fall, Rage and Grace são o melhor que o quarteto conseguiu compor em tantos anos é melhor não esperar mais nada da banda. As duas faixas que os caras haviam divulgado na internet, “Half- Truism” e “Hammerhead”, são muito boas, apesar da segunda ser uma coleção de plágios. Infelizmente, o trabalho como um todo não chega nem perto da qualidade delas. “Half-Truism” abre o disco em grande estilo e, seguida pela ótima “Trust In You”, dá falsas esperanças aos fãs que ainda acreditavam no Offspring.

“Trust In You” cheira a Ixnay On The Hombre, mas é seguida por “You’re Gonna Go Far”, uma faixa dançante que às vezes lembra The Killers. Nada a ver. As várias baladas também ajudam a matar o ritmo do álbum. É até interessante ouvir Dexter Holland cantando em um tom mais grave em “A Lot Like Me” e “Fix You”, mas os pianos e a grandiosidade da gravação não combinam com o som da banda. Parecem mais idéias do produtor Bob Rock. Especialmente “Fix You”, com seus “lalalas” constrangedores. Já “Kristy, Are You Doing Ok?” é apenas uma balada excessivamente pop, com seu arranjo de cordas pronto para as rádios. Há ainda “Let’s Hear It For Rock Bottom”, um ska-core preguiçoso, que dá saudades de “What Happened to You?”

O lado mais roqueiro de Rise and Fall... é bem melhor, mas ainda assim insoso. “Takes Me Nowhere” quase salva o jogo e “Nothingtown” é uma boa música, mas nada memorável na longa discografia dos californianos. Já “Stuff Is Fucked Up” tem uma passagem totalmente System Of a Down simplesmente inexplicável. E “Rise and Fall” fecha o álbum em um clima mais rock n roll, mas too little, too late, não dá mais para salvar um trabalho tão sem direção. É curioso perceber com o Offspring fazia um som mais adulto (pode-se dizer maduro?) em seus primeiros álbuns. O som do quarteto foi evoluído para um rock ensolarado e radiofônico que não é ruim, mas sem graça e, principalmente, sem personalidade. Uma pena.

Shows, muitos shows

2008-06-13T02:11:00.004-03:00

por Nicholas Gurewitch

O dólar em queda livre tem feito maravilhas pelos festivais de rock no Brasil. Depois do quase-anúncio dos shows do Suicidal Tendencies e do Muse no Porão do Rock, é a vez de dois outros festivais, ambos em São Paulo, anunciarem suas atrações internacionais.

A 11ª edição do ABC Pro HC traz duas bandas gringas. Emery e Love Hate Hero, ambas dos EUA. O line up também conta com as bandas brasileiras Strike, Envydust, Dance Of Days, Darvin, Rancore, Scracho, Fake Number, Hevo84, Display e Voiced. O festival vai acontecer dia 03 de Agosto no Salão Social do Palmeiras.

Já o novo Orloff Five Festival, que está marcado para o dia 6 de setembro no Via Funchal, vai trazer os suecos do The Hives, os estadunidenses do Melvins e as francesas do Plasticines, além do hypado Vanguart, de Cuiabá. Festa indie para ninguém botar defeito.

Lúcio Ribeiro ainda anuncia em seu blog como certa a vinda para o Brasil de Conor Oberst (Bright Eyes) com seu projeto Mystical Valley Band. É difícil confirmar nesses anúncios do cara, mas se tudo der certo, Oberst se apresentará no Studio SP, dias 16 e 17 de julho.

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Dois dos vídeos de hoje não tem nada a ver com as notícias aí de cima, mas são notícia por si só. O outro é o videoclipe das Plasticines para a música “Loser”.

Porão do Rock 2008

2008-06-11T00:27:00.001-03:00

Há algumas semanas vem sendo divulgado na web (e até no Correio Braziliense) a vinda dos ingleses do Muse para o Porão do Rock. Nos últimos dias começou a se ouvir que a edição 2008 do festival contará ainda com outra banda gringa, o Suicidal Tendencies. Se o Muse deve agradar os indies ligados na cena britânica, a contratação da banda norte americana visa os fãs de rock mais pesado. O único problema é que enquanto o primeiro está no auge de sua fama, o grupo de hardcore de Mike Muir está mais decadente do que Axel Rose. Vamos torcer para que eu esteja enganado e a banda mostre a que veio, como o Mudhoney ano passado. Ah, aparentemente o Cachorro Grande e o Matanza também estão escalados. E possivelmente o festival terá 3 palcos. A confirmar.

Errata

Como o Glauber corretamente corrigiu nos comentários, Axel Rose não existe. O correto seria Axl Rose.

Entrevista com a banda Siltu

2008-06-06T02:45:00.002-03:00

A banda brasiliense Siltu foi formada em 2000. Há poucos meses lançou seu primeiro CD, Dose Dozes, totalmente independente. O quarteto, que se apresentou na Livraria Cultura no último domingo, é influenciado por diversas bandas de hardcore melódico, pop punk e punk rock. Confira a entrevista com o vocalista Raoni, que falou ao Rock N Cigarettes sobre música, fetiches e o teorema de Cauchy Schwartz.

Quem é você?
Raoni Rodrigues Barros, brasileiro, heterossexual.

Eu não sei o que significa Siltu. Que porra é essa?
No atual contexto, Siltu é um nome próprio, escolhido por mim e um grupo de amigos para nomear o nosso conjunto musical.

Fale dos integrantes, quem são o que e o que tocam. E o que fazem para ganhar o drink de cada dia?
Raoni, baixo e voz; André, guitarra e voz; Leandro, guitarra e Fernando, bateria. Não entendi essa do drink, mas geralmente pedimos pro garçom. Em dias menos badalados compramos no supermercado mesmo. Menos o André, ele não bebe (pasmem!).

Por que você escolheu tocar baixo?
Eu não escolhi essa vida, ela me escolheu.

Lembro de ter visto um show de vocês no Zoona Z em 2001. O que mudou de lá pra cá, além da barriguinha e os óculos do Leandro?
Bom, a principal mudança foi que o André se juntou a nós. E depois que ele entrou a gente começou a se agilizar mais como banda, tocar mais, gravar o CD e etc e tal. Antes era tudo muito desorganizado, como a gente gosta de falar: O Siltu era só o nosso futebol de sábado. Hoje em dia ela invade um pouco da semana também.

Qual foi o melhor show?
Que eu já fui? Less than Jake no Circo Voador. Do Siltu? Pô, cada show tem sua particularidade, mas um dos que eu mais me diverti foi um há algumas semanas atrás, abrindo pro Darvin e Skore, aqui em Brasília mesmo.

Me fale de um show que foi mais ou menos.
A maioria esmagadora. Nós ganhamos uma reputação por sermos medíocres.

Em quais cidades vocês já tocaram?
Só em Brasília e arredores e uma vez em São Paulo. Não somos exatamente a banda mais viajada, mas estamos tentando mudar isso.

O que você ouve no seu carro?
Meu som foi roubado há alguns meses e você não precisava me lembrar disso. Então, sei lá, acho que seriam... sons urbanos?

O que você ouve no banheiro?
O frango cantando.

E na cozinha?
O Leandro reclamando que não tem nada vegan.

Que parada é essa de tampar um olho? É uma campanha contra conjuntivite?
Esse é o tipo de coisa que muitos gostam de chamar de lombra torta. Essa idéia aí surgiu sem querer em uma sessão de fotos e o pessoal resolveu transformar numa marca registrada da banda. Tipo os braços cruzados acima da cabeça do Manowar, sacoé?

Quem da banda ainda é virgem?
Eu e o Leandro somos Touro, o Frango, acho que é de Câncer. Não sei, talvez o Dedé seja Virgem. Vou checar isso com ele e fico de te retornar.

Você tem algum fetiche?
Sim, vários. A maioria envolvendo as mães de amigos meus.

Qual o fetiche do Fernando, do Leandro e do André?
Esses dois últimos eu preciso pedir autorização das namoradas...ou não. (risos) Realmente não sei, só que o do Fernando muito provavelmente envolve pizza e ele dormindo.

O que o Siltu faria se fosse uma banda de pagode?
Cover do Harmonia do Samba, talvez. Mas definitivamente gastaríamos menos dinheiro, teríamos maior popularidade e seríamos mais respeitados. Logo, nos divertiríamos menos.

Quais os planos para o futuro da banda?
Tocar no maior número de lugares possível, viajar e enfrentar novos públicos. Depois disso, se possível, gravar outro álbum e começar tudo de novo. E assim sucessivamente, até que perca a graça.

Suas últimas palavras.
Mantenham a parcimônia.

Valeu. Alguma pergunta?
Sim! Como eu uso o teorema de Cauchy Schwartz para provar as propriedades da matriz de projeção ortogonal num modelo de regressão linear de posto completo?

Por Boss Matsumoto

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Sweet Fanny Adams - Fanny, You’re No Fun (2008)

2008-05-31T16:52:00.006-03:00

Sweet Fanny Adams é uma antiga expressão da língua inglesa usada principalmente por marinheiros e que quer dizer “absolutamente nada”. A história ensina que Fanny Adams era uma menina inglesa de 8 anos que foi brutamente assassinada e esquartejada em 1867. A música dessa banda recifense, no entanto, é bem menos macabra, apesar das letras sobre ódio e matança. O som do quarteto está bem inserido no indie rock dos anos 2000, que dá uma bela olhada para trás, principalmente para o dançante rock inglês dos anos 80. Mas dois detalhes destacam a música do SFA. Primeiro, a banda não tem medo de soar rockeira. As guitarras são mais distorcidas e sujas do é comum no rock pós Strokes e Libertines. Em “C’mon Girl”, chega até a lembrar Queens of the Stone Age. O Segundo são os vocais de Leonardo Gesteira, que canta em um inglês claro e bem pronunciado. O vocalista tem também o hábito de aloooongar as sííílaaabas, como faz John McCrea, vocalista do Cake, o que se encaixa bem nas composições da banda. Fanny, You’re No Fun, é o segundo EP dos caras e tem quatro músicas. Não existe aqui um hit, uma faixa que se destaque, mas as quatro mostram que a banda consegue manter a qualidade e coesão por mais do que apenas alguns minutos, algo que falta a muitas bandas desses tempos de mp3, inclusive aos hypes ingleses e norte-americanos. Outro ponto positivo é que a banda vem de Pernambuco, mas não tem nada de manguebeat. Não tem como não simpatizar com o SFA.

Gainesville, Florida

2008-05-27T02:09:00.004-03:00

Curiosa a capa do novo álbum do Less Than Jake, essa aí do lado. Bem diferente das capas dos discos anteriores da banda da Florida, essa traz uma leveza que parece marcar também o som do disco, a julgar pela primeira faixa liberada GNV FLA, “Does The Lion City Still Roar?”. Depois de muitos anos de pop punk com poucos sopros, finalmente os caras voltaram ao ska. A música não é simplesmente uma volta às raízes, mas dá passos a frente ao mesmo tempo em que olha para trás. É bem capaz que agrade os fãs novos e antigos da banda, agora totalmente independe, lançando GNV FLA pelo seu próprio selo, Sleep It Off Records. Tomara que o álbum seja tão bom quanto a música.

Falando em músicas novas, o final de semana foi cheio delas. Os australianos do Living End soltaram a primeira faixa de seu quinto álbum de estúdio, White Noise, previsto para 5 de julho. “How Do We Know” é esquisita. Tem um feeling típico da banda, mas deixa passar longe as influencias punk rock e rockabilly do início de carreira e adota guitarras totalmente setentistas. A introdução anuncia algo composto por Jack White, e o miolo da música tem um clima meio hard rock, com algumas orquestrações no refrão. O Living End sempre lançou discos diferentes uns dos outros, mas mesmo levando isso em conta, “How Do We Know” é estranha. Difícil saber o que esperar de White Noise.

Os veteranos britânicos do Wire também lançaram um preview do seu próximo trabalho, Object 47: a música “One Of Us”. Famosos por seu primeiro disco, Pink Flag, de 1977 e pela cópia descarada das guitarras de “Three Girl Rhumba” que o Elastica usou em seu maior hit “Conection”, o Wire lança álbuns raramente e tem pouca atenção da mídia, talvez por ficarem em um limbo entre o punk rock, a new wave e o indie rock. “One Of Us” não deve mudar isso. Não é uma música ruim, mas não tem nada marcante, que a destaque das centenas de faixas que ouvimos por semana na internet. Deve valer mais a pena tirar a poeira de Pink Flag mesmo.

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Aí em baixo estão dois vídeos bem diferentes. O primeiro é “Biggest Lie”, faixa que abre o último disco dos californianos do No Use For a Name. Um bom clipe para uma das melhores músicas do quarteto nos últimos anos. Em baixo dele está o controverso clipe de “Stress”, da dupla francesa de eletrônica Justice. A música é comum, mas o vídeo não. É chocante e polemico e essa parece ter sido a intenção ao mostrar um dia na vida de garotos arruaceiros dos subúrbios de Paris. Sim, aqueles garotos pobres, filhos de imigrantes, que queimaram milhares de carros e fizeram a maior revolta popular da Europa ocidental nas ultimas décadas. Não sei ao certo qual é a mensagem do clipe (ou se existe uma), mas desconfio que a raiva e a violência sem razão concreta ou especifica seja o sentem essas pessoas e o que o vídeo quis passar. Só o fato do governo francês ter censurado a exibição do clipe em TV aberta já vale os seis minutos.

Notícias Rock

2008-05-25T02:35:00.003-03:00

Essa aí em cima é capa de Cómo te Llama?, segundo disco solo do guitarrista do Strokes, Albert Hammond Jr. Confesso não conhecer muito do trabalho do rapaz, mas o primeiro single do álbum, “GfC”, é bem legal e pode ser ouvido aqui.

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Os ingleses do Subways também lançaram música nova. “Girls and Boys” é a primeira faixa do segundo disco do trio, All or Nothing, a cair na web. A música segue o estilo do primeiro disco da banda, Young for Eternity, cheia de guitarras distorcidas. O mais interessante da faixa é a alternância de vocais entre o guitarrista Billy Lunn e sua namorada, a baixista Charlotte Cooper. “Girls and Boys” pode ser baixada gratuitamente aqui.

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O vídeo de “Porks and Beans”, primeiro single do quinto disco do Weezer está se espalhando rapidamente pelo web. Não é à toa. O clipe é uma homenagem aos maiores fenômenos do Youtube e à geração internet como um todo, além de ser muito engraçado. Se o Red Album for tão bom quanto essa música e seu clipe teremos um novo clássico da banda.

Notícias Rock

2008-05-22T18:36:00.004-03:00

Os californianos do Offspring, em parceria como YouTube, estão promovendo um concurso para o lançamento do vídeo de “Hammerhead”, primeiro single de Rise and Fall, Rage and Grace. Infelizmente, só podem participar da promoção fãs residentes nos EUA. De qualquer forma, é possível conferir os vídeos postados pelos fãs aqui. Falando em Offspring, há alguns dias o quarteto divulgou a capa de Rise and Fall, Rage and Grace. A arte vai no mesmo rumo de alguns CDs anteriores como Americana e Conspiracy of One. Pode ser só supertição, mas não são os melhores trabalhos da banda.

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Nem só de YouTube vive o rock. O MySpace também está bombando com os novos sons da loiríssima Lily Allen e do Beck. Allen postou em sua página versões demo de "I Don't Know" e "I Could Say". Ambas farão parte do sucessor de Alright, Still, ainda sem nome e data de lançamento. Já a página de Beck trás a chata (e curta) "Chemtrails", que também estará no próximo trabalho do americano.

Os superstars ingleses do Oasis também anunciaram novidades. O novo álbum da banda deve ser lançado em setembro, mas ainda não foi divulgado o nome, data precisa, ou qualquer outra informação. Pelo visto eles não gostam tanto de novidades tecnológicas como Beck ou Lily Allen.

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In other news, esta meio bizarra, os fãs da banda estadunidense My Chemical Romance estão organizando uma passeata em Londres para protestar contra “os meios de comunicação que vêm denegrindo a imagem da banda”. A passeata irá do Hyde Park até o escritório do Daily Mail, jornal inglês que vem associando o suicídio de Hannah Bond, emo britânica de 13 anos, ao suposto “culto Suicida” promovido pela banda.

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A semana que está acabando foi gentil com os fãs de vídeo-clipes. Aí em baixo, você pode assistir “The Western World”, do último álbum dos punk rockers do Pennywise, e "Dig My Own Grave", do New Found Glory, retirado do EP Tip of the Iceberg / Takin’ It Ova!.

O primeiro é uma superprodução meio clichê, mas bem legal, para dar suporte a uma das músicas mais memoráveis que o Pennywise lançou nessa década. O segundo é engraçado, com o bom humor típico do pop punk pelo qual o New Found Glory é conhecido.

The Western World Music Video

Retração do mercado de discos atinge pequenos lojistas

2008-05-16T12:29:00.000-03:00

Grandes cadeias não sofrem, mas fechamento das pequenas lojas deve continuar em ritmo acelerado

Nos últimos anos a queda na venda de CDs tem sido de cerca de 10% ao ano, segundo estimativas da Federação Internacional da Indústria Fonográfica (IFPI). No Brasil não é muito diferente e, mais do que as gravadoras, isso tem afetado os pequenos e médios lojistas do ramo. A rede de discotecas 2001, que já teve 14 lojas na cidade, deve fechar seus dois últimos pontos até o final do ano. “Nos últimos cinco anos fechamos oito lojas. Só esse ano já fechamos quatro”, explica Josenei de Sousa, gerente da loja da 108 norte.

Segundo o gerente, vários fatores são responsáveis pelo declínio do mercado. A música digital, a pirataria e o preço dos CDs são os principais. “O preço de CD é uma coisa irreal, não existe. Isso contribui com a pirataria e com os downloads de internet”, defende. Ainda segundo ele, a queda nas vendas na rede 2001 chegou a quase 70% em 2007 em relação ao pico de vendas alguns anos atrás. Josenei prevê que até o fim de 2009 Brasília não tenha mais nenhuma loja que venda exclusivamente discos. “Só lojas de departamento, como a [Livraria] Cultura e a Fnac”, complementa.

De fato, estas parecem alheias à crise. Fábio Herz, diretor comercial da Livraria Cultura diz que as vendas da cadeia não têm caído. Segundo ele, em 2007 a Cultura apresentou um aumento de 23% em número de CDs vendidos. Os recém fechados números do primeiro trimestre de 2008 são ainda mais generosos: um crescimento de 52% em relação ao mesmo período do ano passado.

Herz explica a diferença entre sua loja e o mercado em geral. Segundo ele, a rede não investe em grandes lançamentos ou promoções. “A Cultura sempre esteve focada nos produtos de catálogo, temos um bom acervo de jazz, blues e música clássica”, diz. Para o diretor, ainda há espaço para os discos porque o brasileiro não tem o hábito de comprar pela internet e ainda existe o consumidor que gosta de CDs. “Outra coisa importante é o atendimento. CD é commodity, o importante é pegar o cliente pelo coração”, complementa.

Apesar da realidade conflitante, os números demonstram que a crise do mercado fonográfico é uma realidade, e Josenei de Souza atribui grande parte da culpa às gravadoras. “Elas demoraram muito pra cair na real. Se há cinco ou seis anos as gravadoras tivessem tentado baixar os preços, o mercado não teria chegado onde chegou”, defende. O gerente diz ainda que o preço médio dos CDs de cerca de R$ 30 deveria ser reduzido à metade. “Se tivesse um produto de qualidade com preço bom, as pessoas não iam correr para a pirataria”, defende.

Mas talvez o modo de consumir música esteja mudando radicalmente, independente do preço dos CDs. Josenei e Fábio Herz concordam que o público que consome discos atualmente é de alta renda e de meia idade. Existem também aqueles colecionadores, que até hoje compram discos de vinil. “O público geral consome qualquer coisa. Baixa [da internet], compra pirata, depois joga fora”, diz o gerente da 2001.

Fábio Herz diz que culpar a pirataria é simples e que ela é uma realidade em todo o mundo. Segundo ele, a Livraria Cultura não é muito afetada porque produtos piratas estão muito focados em determinados tipos de música. “Ninguém compra a 9ª Sinfonia de Beethoven pirata”, explica. Apesar disso, o diretor concorda que a forma de consumir música está mudando. Segundo dados da Associação Brasileira de Produtores de Discos, o crescimento das vendas de músicas em formato digital –como o mp3- em 2007 foi de 185% em relação a 2006, somando cerca de 8% do faturamento do mercado fonográfico brasileiro.

Provavelmente devido à chamada exclusão digital o mercado brasileiro ainda é pequeno se comparado ao mercado internacional. Segundo a IFPI, o comércio de músicas digitais já é responsável por 15% das vendas da indústria musical de todo mundo, cerca de R$ 5,1 bilhões. Ainda de acordo com as estimativas da IFPI, o “mercado” de downloads considerados ilegais pela industria musical é cerca de 20 vezes maior do que o legal.

A campeã de vendas digitais em 2007 foi a cantora canadense Avril Lavigne, cuja música “Girlfriend” vendeu 7,3 milhões de arquivos. Neste cenário, os artistas estão fazendo apostas diferentes das gravadoras e lojas de discos, que não ganham nada com os downloads ilegais. Devido à possibilidade de se tornarem mundialmente conhecidos e aumentarem seus ganhos em shows e venda de merchandising, muitos artistas não vêem os downloads chamados ilegais com maus olhos. Mais do que isso, bandas internacionais famosas, como Radiohead e REM, estão adotando a estratégia da venda direta via sites próprios.

As estratégias dos lojistas são outras. De acordo com Fábio Herz, a Livraria Cultura está estudando o que fazer no futuro, quando a mídia CD for substituída. “Talvez vender músicas digitais”, diz. Ainda segundo ele, o espaço em loja deve ser substituído por DVDs ou games. A venda em número de unidades de DVDs na Cultura cresceu 86% no primeiro trimestre desse ano, em comparação com o mesmo período do ano passado. Em relação aos games, Herz diz que estão ganhando muita força. “O público adolescente consome muito. Temos que ficar atentos às novidades”.

Já Josenei de Sousa diz que sua loja ainda aposta em encomendas e em um atendimento diferenciado, mas que a única ação especifica tem sido pressionar as gravadoras por preços menores. “Para vender alguma coisa temos que ter um bom preço. Não tem para onde correr, essa é a verdade”, explica. Mas se as pequenas lojas não tem muita perspectiva, o gerente já fez seus planos para o futuro. “Vou correr pra outro lado. Música não faz mais parte dos meus planos. Pretendo trabalhar no departamento pessoal de alguma empresa”, diz.

Anti-Flag - The Bright Lights Of America (2008)

2008-05-14T00:34:00.003-03:00

The Bright Lights Of America é o segundo álbum dos punk rockers do Anti-Flag pela major RCA. Se o lançamento anterior, For Blood And Empire, era uma continuação natural do trabalho dos estadunidenses, aqui a influência mainstream começa a aparecer de verdade, não no processo de composição, mas na produção do álbum. Esse é o maior defeito de The Bright Lights Of America: ele é produzido demais.

Pianos, teclados, sopros, arranjos de cordas, corais de crianças e efeitos como eco, sinos, explosões e trovões simplesmente não combinam com o punk rock do quarteto e quase ofuscam as boas composições. Isso fica evidente em “Shadow Of The Dead”, “The Ink And The Quill (Be Afraid)” e em “Good And Ready”, tão empolgante que sobrevive à sinos, efeitos eletrônicos, um arranjo de cordas e às crianças pentelhas, tudo em menos de 4 minutos de música.

Apesar de todo o exagero, o Anti-Flag vem progressivamente se tornando uma banda melhor, mais completa e menos repetitiva, e as boas composições salvam The Bright Lights Of America do fracasso. As duas músicas que abrem o disco, a já citada “Good And Ready” e “The Bright Lights Of America” são muito boas e se equilibram bem entre o punk rock que fez a fama da banda e o pop punk para o qual estão se encaminhando.

Do lado das músicas que trazem algo novo ao som do quarteto, “Go West” surpreende com uma gaita bem encaixada, apesar de ser uma música um pouco repetitiva. E do lado daquelas que não trazem nada de novo, o destaque é a porrada “Spit In The Face”, que conta com um ótimo solo metaleiro e é surpreendentemente longa para sua velocidade. No final das contas o punk rock sobreviveu à superprodução e o Anti-Flag criou um bom álbum, recheado de temas políticos, para apresentar a seus fãs.

Hammerhead

2008-05-06T02:36:00.001-03:00

Os punk rockers do Offspring postaram em seu (novo) site oficial a música “Hammerhead”, que estará no próximo disco dos caras, “Rise And Fall, Rage And Grace”. A faixa pode ser ouvida em streaming ou baixada após registro. O mp3 é de alta qualidade e DRM free. A música, no entanto, não trás grandes novidades. É apenas uma faixa como muitas outras da banda, o que deve agradar aos fãs, mas pode decepcionar aqueles que esperavam algo mais do Offspring após mais de 4 anos de silencio. De qualquer forma vale a pena escutar, nem que seja para ouvir a segunda parte da canção, com instrumental composto por Kurt Cobain.

Independente Futebol Clube

2008-04-29T02:36:00.002-03:00

Circuito Fora do Eixo lança portal para expandir e fortalecer a produção musical independente.

No ar desde o início do mês, o portal Fora do Eixo se destina a abastecer produtores, bandas e jornalistas com informações e discussões sobre a produção independente em todo território nacional. Parte de um projeto maior - o Circuito Fora do Eixo - o site obedece à lógica da livre circulação de informação e é gerido por membros dos coletivos que integram o projeto. No entanto, a comunicação externa ainda é fraca.

Fundado em 2005, o Circuito Fora do Eixo é uma associação de produtoras de eventos, bandas, jornalistas e casas de shows, que procura integrar e estimular a produção musical independente principalmente nos estados que se encontram fora do alcance do eixo Rio-São Paulo. “As metas iniciais eram promover ações que estimulassem a circulação de bandas, produtores e jornalistas, bem como estimular o escoamento de produtos culturais”, explica Marielle Ramires, coordenadora de comunicação do Espaço Cubo, um dos coletivos fundadores do projeto.

Além de informar o público geral e os associados, o portal Fora do Eixo tem o objetivo de aumentar a integração dos diversos setores produtivos da industria musical independente em cada estado. Para gerenciar o site, foi criado um conselho gestor e três “núcleos”: marketing, administrativo e de produção de conteúdo, que conta com editores de Web TV, Web Rádio, Fotografia e Redação.

André Kalil, produtor executivo da Torneira Produções Independentes, única representante de Brasília no Circuito, diz que sua empresa é co-responsável pela área de marketing e redação. “Auxiliamos os grupos de edição, enviando pautas à central”, explica. A Torneira lançou recentemente a Web TV Torneira, um canal no site YouTube que, segundo Kalil, fará parte da Web TV Fora do Eixo. “Ali disponibilizaremos vídeos de nossos eventos”.

Apesar de aumentar a troca de informações entre os associados, o portal ainda não cumpre bem a função de informar a imprensa e o público consumidor de cultura. Muito fechado em si próprio, o Circuito reclama, como todos no meio independente, da falta de exposição e espaço na mídia, mas não tem um sistema eficiente de assessoria de imprensa, por exemplo.

Projeto busca novos caminhos

O Circuito Fora do Eixo funciona de forma horizontal, como uma rede de distribuição de informações e produtos, e a representação local é feita pelos associados, que desenvolvem seus próprios projetos, além de participar de iniciativas integradas do projeto. Atualmente, o Circuito tem representação em 18 estados brasileiros, entre eles todos os das regiões Norte, Centro-Oeste e Sul.

Apesar do nome, hoje o projeto também tem representação no Rio de Janeiro e em São Paulo. “Há muita gente ‘fora do eixo’ no eixo. A questão transpõe a perspectiva geográfica. ‘Fora do eixo’ revela uma condição política”, defende Marielle Ramires. Ainda segundo ela, qualquer coletivo, produtora ou núcleo de produção que se dedique à cultura independente no país pode participar.

Tornar a produção musical independente auto-sustentável é o objetivo final do Fora do Eixo, que tem um sistema próprio de gestão e moeda, os Cards. Essa moeda se insere no conceito de economia solidária defendido pelo projeto, cujo sistema de créditos é baseado na troca de serviços e produtos. “Por meio da troca de serviços e Cards, artistas, produtores e coletivos podem gerir seu trabalho de uma forma que beneficie a todos”, explica André Kalil, da Torneira Produções.

“Bandas hoje consideradas top no circuito independente nacional, como Vanguart e Macaco Bong, começaram suas carreiras trocando apresentações ao vivo por horas no estúdio de ensaio”, exemplifica Ramires, que complementa: “É bem diferente da disputa férrea estabelecida pelo grande mercado, onde quase não há diálogo entre concorrentes”.

Apesar do discurso oficial conter termos como “características socializantes”, “coletivização dos meios de produção” e “alijados pela lógica do grande capital”, o projeto também tem seu lado pragmático. André Kalil diz que estar integrado ao Circuito aumenta a projeção, divulgação e espaço de atuação de sua produtora. Ainda de acordo com ele, é importante Brasília estar representada no Fora do Eixo, pois isso abre espaço para que as bandas locais se apresentem em outros estados, chamando a atenção da mídia independente. “Além disso, o resto do Circuito está de olho no DF”, diz.

Entre outras iniciativas, o Circuito organiza anualmente o Festival Fora do Eixo e o Grito Rock, que este ano aconteceu quase simultaneamente em quase 50 cidades brasileiras, além das edições estrangeiras em Montevidéu e Buenos Aires. Já o Festival Fora do Eixo acontece anualmente em São Paulo, mostrando para a mídia e público paulista as bandas de outras regiões do país.

“Em Brasília o balanço ainda é fraco, mas a nível nacional o Grito [Rock] é muito articulado e forte, contanto com patrocínio de grandes empresas”, explica Kalil. Marielle Ramires também avalia de forma positiva as conquistas do Circuito. “Cada vez há mais agentes produtivos se integrando e investindo força de trabalho na ampliação desta rede”, diz ela.

A “cena” e os “showzinhos”

2008-04-27T03:33:00.004-03:00

A cerca de uma semana atrás, postei aqui uma resenha do primeiro dia do Coquetel Anti-tédio, festival organizado pela Ziperona. Infelizmente o evento não encheu muito em nenhuma das 3 datas, apesar de uma escalação variada de bandas que tem se apresentado com freqüência na cidade. Escrevi que era “difícil saber se a falta de público se deve a um encolhimento da cena, a uma superexposição das bandas que tocam na cidade quase todo final de semana, ou a ausência da atração principal da noite, a banda chilena Humana”.

Talvez seja uma soma de tudo isso. É difícil falar de encolhimento de uma cena que sabidamente sofre de um “efeito sanfona”. Ian, guitarrista da banda Ilustra e produtor de shows deixou um extenso comentário no post, que mostra que nem mesmo os próprios produtores e bandas realmente sabem direito onde estão pisando.

Brasília é uma cidade estranha em relação a isso. Não se sabe o que acontece nos shows. Às vezes "lota" e dá a impressão de que a parada está ressurgindo, e às vezes fica tão vazio que despilha de fazer [organizar] qualquer coisa.

Ian também falou sobre as razões da superexposição das bandas:

A superexposição realmente cansa, mas ela existe por diversos fatores. São sempre as mesmas bandas, mas também são os mesmos organizadores. Repito bandas nos shows, a minha sempre. Organizar shows é uma coisa tão cara e trabalhosa, que faço questão de tocar. Ter esse prazer. Entendo que as poucas pessoas que organizam shows preferem não arriscar.

Falta também iniciativa das bandas novas, de organizarem shows e fazerem correrias, para um dia conseguirem "status" e serem convidadas sempre pra tocar, num reconhecimento de seus trabalhos. Minha banda mesmo não brotou de uma árvore. Foi um longo processo, até eu me envolver com shows e com estes shows fazer novos contatos e aparecer na cena.

Não discordo de nada, mas a questão vai além. Acho que a superexposição é natural em uma cena relativamente pequena de uma cidade média. E também tem seu lado positivo, uma vez que se apresentar ao vivo quase todo final de semana ajuda as bandas a evoluírem mais rapidamente. Talvez lineups com bandas de estilos mais diversos pudesse integrar um pouco os apreciadores de diferentes subgêneros e possibilitasse shows maiores. Pode parecer arriscado, mas tem dado certo para o Porão do Rock, nos últimos 10 anos.

Também acho que se soma a tudo isso, o fato de estarmos em uma entressafra de bandas locais “famosas”. Há algum tempo atrás tocavam no mesmo palco bandas iniciantes e conhecidas, como Bois de Gerião, Gramofocas e Móveis Coloniais de Acaju. Infelizmente, hoje nenhuma banda local dura tempo suficiente para lançar 1 ou 2 discos e formar uma base de fãs que vá além dos 200 aficcionados que comparecem toda semana ao Blackout ou ao... Blackout.

O que nos leva ao último ponto. A falta de estrutura. Tem quem ache bom o suficiente, mas os degraus que ousam chamar de palco, o som e iluminação apenas razoáveis da maior parte dos locais afasta parte do público, principalmente aqueles maiores de 20 anos, que preferem escutar rock em casa e ir a um show do Dead Fish a cada 2 anos. Entendo que os custos são altos, que ninguém vive de organizar shows underground e que simplesmente não vale a pena tamanho trabalho e gasto para aparecerem apenas 200 pessoas. Mas não deixa de ser um ciclo vicioso. A quantidade de fãs de punk rock, hardcore, emo, indie rock, e metal de diversos estilos é incomparavelmente maior que a quantidade de freqüentadores de “showzinhos”. Pode não ser nenhuma das citadas nesse texto, mas deve existir alguma razão.

Coquetel Anti-tédio – dia 3

2008-04-22T02:10:00.003-03:00

Resenha do 3º dia do Coquetel Anti-Tédio no Blackout Bar, porque no 2º dia nenhum membro da equipe Rock N Cigarettes esteve presente no evento.

Domingo-feira. Já era noite e haviam algumas pessoas no Blackout Bar, não tantas quanto deveriam. Por mais que a segunda-feira fosse um feriado, o dia que passa Faustão estava com cara de uma noite pós Banheira-do-Gugu. Pelo o que eu ouvi de 3 pessoas, muita gente gostaria de ter visto a banda de abertura The Droogies.

A segunda atração da noite foi o Rainha Vermelha, que pareceu agradar muitos transeuntes. Rodrigo e André seguraram muito bem os vocais. Banda entrosada e redonda. A próxima banda, a goiana Atomic Winter, chamou a atenção de pessoas que chegaram, se posicionaram e de lá não mais saíram. O vocalista tem um vocal bem diferente das outras bandas do dia, alternando entre uma espécie de berro tipo Slayer e Garage Fuzz, como eles mesmos falaram. Os guitarristas eram tímidos e suas distorções poderiam ter um pouco mais de punch. Já a cozinha preparou todos os pratos na hora certa.

A segunda atração goiana da noite, a Critical Strike, mostrou uma apresentação mais comportada e um pouco mais experiente que a de seus conterrâneos. Eles mostraram um vocal mais sujo que na apresentação do Colégio Sênior algumas semanas atrás, talvez devido ao equipamento utilizado ou à onda de gripe que percorreu o centro-oeste, mas que soou legal.

Em seguida, a banda Promessa chamou vários curiosos para a frente do palco, que durante o show deram alguns passos para trás, e ao final, novos passos para frente. Durante a apresentação mostraram danças do siri e um cover do Rufio, que segundo eles não foi ensaiado. O vocalista podia olhar um pouco mais para o público, mas talvez cantar de costas e de lado para a platéia fosse uma questão de estilo. O Baixista Gabriel estava possuído pelo demônio, destacando-se bem mais que os outros 4.

O ADI, Amigos do Ivolanda, possui uma força magnética que arrastou boa parte do público para frente do palco. Entendi o porquê. Banda animada, músicas boas, dançantes, redondas e românticas. O baterista Thales estava concentrado até o talo. Sinto que o vocalista está desenvolvendo seu próprio estilo de cantar, deixando para trás os murmúrios breacos. E para finalizar a bela noite de shows se apresentou a banda Falante, de São Paulo. Os 4 integrantes se mostraram bem à vontade no palco, se comunicando razoavelmente com o público brasiliense e tocando músicas que agradaram muita gente, inclusive o Ed, dono do som.

Após o show, o público parecia cansado, mas pouco disposto a voltar para suas casas. Acredito que esse festival organizado pelo Ziperona deixou um gostinho de quero mais. Segundo o bombeiro de amarelo, não ocorreu nada de grave. Apenas alguns bebuns de primeira viagem beberam em excesso de estômago vazio e acabaram chamando colegas como Hugo e o Raul. Estes não foram bem-vindos.

Por Boss Matsumoto

Coquetel Anti-tédio – dia 1

2008-04-20T03:00:00.002-03:00

O primeiro dia do Coquetel Anti-tédio levou um público pequeno ao Blackout Bar. Difícil saber se a falta de público se deve a um encolhimento da cena, a uma super exposição das bandas que tocam na cidade quase todo final de semana, ou a ausência da atração principal da noite, a banda chilena Humana. Após a boa estréia do Maltz, que mistura punk rock e música celta, na linha de Dropkick Murphys e Flogging Molly, e uma longa troca de palco, o Ravenna mostrou seu screamo / post-hardcore (ou qualquer que seja o rótulo de preferência) aos presentes. Apesar de tocarem bem e fazerem uma apresentação agitada, fica a sensação de que a banda ainda precisa encontrar uma identidade própria, que os diferencie mais das várias bandas que fazem o mesmo tipo de som.

Dando continuidade a alternância de estilos, o Perfecto tocou seu hardcore melódico para um público que parece cada vez menos apreciar o gênero. Apesar do vocal um pouco fraco e do som embolado (comum no Blackout), o quarteto se saiu bem. Não tão bem quanto a banda seguinte, Ilustra. Sempre profissionais, o sexteto screamo estava desfalcado de seu mais destacado vocalista, Júlio. Felizmente para a banda, os amigos ajudaram, se revezando nos vocais gritados. O improviso resultou em show divertido e surpreendentemente bom.

Com a ausência do Humana ficou a cargo do Cárdia e seu hardcore fechar a noite. A banda toca bem, mas não pareceu muito empolgada com a própria apresentação. É verdade que o pequeno público presente não deu ao show ares de Warped Tour ou coisa parecida. A cerveja ingerida por este resenhista também prejudicou um pouco a observação da última apresentação da noite. Shame on me. Resta torcer para que o bom trabalho da produtora Ziperona seja melhor recompensado nos outros 2 dias de shows.

***

Uma semana antes do Coquetel Anti-tédio aconteceu no mesmo Blackout a versão brasiliense da seletiva do Zona Punk e Vans Apostam, que teve como vencedores o PDG. Como sempre acontece nessas ocasiões em que o voto popular escolhe a banda vencedora, aqueles que conseguem levar um número maior de amigos ao show ganham. Não é algo que desmereça o trabalho de qualquer uma das bandas que se apresentou na noite, mas a votação poderia ser feita na entrada, já que ninguém (incluindo esse blogueiro) assiste as apresentações para depois se decidir pela banda que mais gostou.

De qualquer forma, todos os grupos visivelmente se esforçaram para fazer uma apresentação que chamasse atenção dos presentes. Em meio ao som quase sempre mais ou menos, o Sem Fim se destacou, fazendo a única apresentação em que era possível ouvir bem o som de cada instrumento em ação. Frente à postura quase shoegazer dos outros integrantes, coube ao baixista Gabriel e ao baterista Dudu agitarem o show. Este último, aliás, fez um ótimo trabalho com as baquetas. O outro destaque foi o Under Atlantic, que fez um show muito animado, tocando seu pop punk / hardcore melódico, com direito a cover de No Use For a Name. Viva os anos 90.

Entrevista com a banda Stratum

2008-04-16T01:17:00.004-03:00

O Stratum foi formado em 2001 por Daniel (baixo/voz), Vítor (guitarra) e João Guilherme (bateria). Com a entrada de Marcus (guitarra), a banda tomou a forma que tem até hoje. O quarteto diz ter criado a banda para “não apenas escutar, mas também fazer rock”, e toca um som na linha de grupos como Millencolin, MxPx, Dead Fish e Aditive. Confira abaixo a entrevista com o guitarrista Marcus, o Marcão da Boléia.

Então, que porra é Stratum?
Foi a única das opções de nome que a gente achou que soava bem! (só não sei onde estávamos com a cabeça!) Depois de tanto tempo a gente se acostumou com o nome! (risos)

Faz quanto tempo que vocês tocam?
Como um trio (Daniel, João e Vitor), desde 2001. Em 2002, Marcão da Boléia entrou na segunda guitarra e consideramos esse o primeiro ano de banda. Então já se vão 6 anos tocando juntos!

Qual era a idéia inicial da banda e a atual? Mudou muita coisa? Por que?
Bom, quando a gente começou o legal era estar envolvido com música, tocar o que a gente gostava de escutar, e não simplesmente ver os outros tocando. Até que a coisa foi crescendo e tomando uma proporção diferente. Hoje não somos mais os mesmos moleques inexperientes. Aprendemos um pouco sobre tudo o que envolve o cenário musical e tentamos botar o que aprendemos em prática!

O que vocês fazem da vida?
Bom, além da banda e aulas de música, o Daniel, é servidor público e faz graduação em Computação na Unb. O Marcus faz Ciência da computação e faz cursos de áudio. O Vitor faz Administração na Unb e trabalha com administração. O João trancou a faculdade de computação e estuda para concurso.

Os shows renderam muita mulher?
Bom, nos shows especificamente não. Somos todos ogros. (risos) Mas de vez em quando o Daniel se arrisca a fazer umas músicas pra alguma menina. Isso já rendeu alguns namoros e várias discussões de relacionamento! (risos)

E os shows fora de Brasília?
Cara, nos aventuramos no nordeste brasileiro em dezembro de 2004, mais especificamente no estado de Pernambuco, fazendo um show no interior e outro em Recife. Embora a banda ache que os shows não renderam muita coisa, é divertido poder lembrar das historias que passamos. E que venham mais shows fora!

Quais são as melhores bandas na sua opinião?
Cada um escuta coisas muito diferentes. Mas não pode faltar o velho e (ainda) bom Millencolin.

Marcão, fala mais sobre esse seu esquema de gravar coisas na sua casa.
Meu pai tocava bateria e eu sempre fui fascinado pelo instrumento. Sempre quis ter uma em casa. Mas como moro em apartamento, seria quase impossível. Com isso, tive que escolher um outro instrumento. E foi a guitarra. Comecei a tocar com 14 anos, mas sempre tive muita dificuldade em compor. Eu precisava de uma bateria para me guiar. E com isso, conheci o ultra mega maravilhoso Ezdrummer.

Ezdrummer é um plugin VST que permite criar sua própria bateria. Foi a minha salvação. Faço a linha de bateria e começo a compor em cima. Gravo as guitarras e os baixos com o toneport e depois entrego pro Daniel fazer a letra e a melodia de voz. Tem sido uma mão na roda pra gente. E com isso, percebi que a qualidade da gravação era realmente surpreendente. Comprei mais alguns equipamentos e comecei a gravar como forma de aprendizado. Hoje, faço um curso de áudio no [estúdio] Órbis com o Marcos Paulo e se tudo der certo, começo a trabalhar lá.

O que vocês estão achando dos shows de hoje em dia? Os de antigamente eram melhores?
Cara, é muito importante evitar a superexposição de bandas. E também é muito importante ter autenticidade, porque senão cai na mesmice. O que a gente vê hoje são shows sempre com as mesmas bandas e sempre com o mesmo estilo. O que faz com que os shows hoje em dia sejam meio desinteressantes. Por isso eu acho que os de antigamente eram melhores, pois pelo menos pareciam ser mais diversificados.

Escolha um integrante da banda para falar mal.
(risos) O Vitor. Só não é unânime porque ele vai escolher outro que não ele mesmo pra isso! Até hoje a gente não sabe como um menino do QI dele conseguiu passar na Unb além de tocar guitarra e agitar no show ao mesmo tempo e sem errar. (risos) É muita besteira dita por uma pessoa só em pouquíssimo espaço de tempo! Só convivendo!

Agora falem bem do mesmo.
Vitão é um moleque esforçado demais. E competente! Tem sempre boas idéias de arranjos e melodias, além de ter o dom pra administração de negócios. E na banda ele é o campeão das gatas! (risos)

Se vocês ganhassem 5.000 reais para investir na banda, o que vocês fariam?
Com certeza investiríamos na finalização da montagem do nosso próprio estúdio. Rumo à profissionalização!

Por Régis Matsumoto, com colaboração de Léo Werneck

www.fotolog.com/bandastratum
www.youtube.com/bandastratum
www.orkut.com/Community.aspx?cmm=563175
www.tramavirtual.com.br/stratum
www.myspace.com/bandastratum

ALK3 e Half-FX

2008-04-09T01:49:00.003-03:00

A banda estadunidense Alkaline Trio divulgou ontem o nome e tracklist do seu próximo álbum, o primeiro pela major Epic Records. Agony and Irony será lançado em 1º de julho e terá apenas 10 faixas. Veja abaixo:

01 - Calling All Skeletons
02 - Help Me
03 - In Vein
04 - Over And Out
05 - I Found Away
06 - Live Young, Die Fast
07 - Four Four Four Four
08 - Lost And Rendered
09 - Ruin It
10 - Into The Night

A música de trabalho do álbum é “Help Me”, que já pode ser ouvida no MySpace dos caras. Uma boa música pop, na mesma veia do último disco, Crimson, e com letra menos depressiva do que o habitual para a banda. Há alguns dias o trio postou por 12 horas “In Vein” em seu MySpace, essa sim capaz de empolgar os fãs. Com uma introdução que lembra The Clash e um refrão típico das músicas da banda, a faixa cantada pelo baixista Dan Andriano deve acabar se tornando o hit de Agony and Irony para o público já familiarizado com o som dos caras.

***

Também vale a pena conferir o vídeo que a revista estadunidense Alternative Press postou em seu site do show do NOFX no enorme festival South By Southwest, que acontece todo ano em Austin, no estado do Texas. Esse ano o NOFX, sob a alcunha de Half-FX, decidiu tocar nada menos que 56 músicas, todas pela metade. A idéia é estranha e o resultado muito divertido. Para entrar na brincadeira a AP postou apenas metade do show dos californianos. Muito bom.

REM – Accelerate (2008)

2008-04-08T01:40:00.002-03:00

Muito se falou sobre o novo álbum do REM, Accelerate, ser uma volta da banda a sua sonoridade mais roqueira dos anos 80. Outros trataram o lançamento como uma estratégia bem pensada para reconquistar os antigos fãs. Deve ser verdade. Com quase 30 anos de carreira, o trio não tem nada de inocente e dificilmente teria gravado um disco tão enxuto e roqueiro se não fosse a recepção fria de fãs e crítica a Around The Sun, de 2004. Ao mesmo tempo, nada disso tem a menor importância, porque Accelerate é o melhor lançamento do trio estadunidense em muitos anos. Em menos de 35 minutos, a banda dá seu recado e vai embora. E mostra porque é uma das maiores bandas em atividade.

Naquela que foi definida pela própria banda como “a gravação mais curta de nossas vidas”, o produtor Garret “Jacknife” Lee conseguiu capturar toda a energia das apresentações ao vivo da banda nas 11 faixas do lançamento. Lee já produziu vários grupos do chamado novo rock, mas se mostrou o produtor certo para o REM após ajudar o U2 a voltar ao planeta Terra em How to Dismantle an Atomic Bomb. Quase todas as músicas de Accelerate são construídas em cima de guitarra, baixo e bateria, e pianos e teclados só ganham destaque na 5ª faixa, “Houston”.

A diferença para os discos anteriores é perceptível desde o momento em que a guitarra de Peter Buck abre o disco na boa “Living Well Is The Best Revenge”. Faixas como “Man-Sized Wreath”, “Horse To Water” e o single “Supernatural Superserious”, mantém o pique, trazendo de volta os clássicos backing vocals do baixista Mike Mills. Por mais roqueiro que o álbum seja, algumas baladas estão presentes, como em todos os lançamentos da banda. E são tão boas quanto as músicas mais animadas. “Mr. Richards” e “Until The Day Is Done”, são as melhores e deixam o caminho livre para o peso da ótima e despretensiosa música de encerramento, “I'm Gonna Dj”. Michael Stripe deixa o recado para todos: Ele vai discotecar no fim do mundo. “Yeah!”

Anti-Flag + NUFAN

2008-04-01T01:07:00.006-03:00

Hoje chegam as lojas norte americanas as versões físicas de “The Bright Lights of America” e “The Feel Good Record of the Year”, novos lançamentos do Anti-Flag e No Use For a Name, respectivamente. Um sinal dos tempos é o fato de que ambas as bandas postaram os álbuns inteiros em suas páginas do MySpace.

O No Use For a Name já havia liberado para audição a faixa de abertura “Biggest Lie”, um hadcore melódico veloz como a algum tempo a banda não fazia. “The Feel Good Record of the Year” não segue exclusivamente essa sonoridade, mas atira em várias direções já exploradas na discografia dos californianos. Após uma primeira audição apressada, a impressão que fica é muito boa.

Já os punk rockers do Anti-Flag haviam liberado 3 faixas de “The Bright Lights of America”, todas ótimas. Entretanto, o restante do álbum soa um pouco sem direção. Aparentemente a banda tentou buscar novos caminhos para seu som, mas se perderam no percurso. Pode também se tratar de um disco um pouco diferente dos anteriores, que revele seu valor aos poucos, após algumas audições. Veremos.

These Ones Are Bitter

2008-03-29T13:55:00.004-03:00

3 vídeos para alegrar o fim de semana dos roqueiros de plantão. Pra começar, o ótimo clipe para "Got My Number" de Ben Weasel, que faz lembrar um tempo em que o (punk) rock era simples e divertido. Depois, o surpreendente testemunho autobiográfico de Rivers Cuomo, vocalista do Weezer, no cilpe de "Lover In The Snow". Por último, o grande Bad Religion tocando 3 músicas acústicas nos estúdios da maior rádio rock do planeta, a KROQ, de Los Angeles. Aproveitem.

Flogging Molly – Float (2008)

2008-03-25T02:06:00.013-03:00

Após 4 anos sem lançar um álbum de estúdio o Flogging Molly voltou com seu quarto disco, Float. Este foi o primeiro trabalho da banda inteiramente composto e gravado na Irlanda, terra natal de Dave King, vocalista e compositor do grupo. Talvez pela proximidade com a cultura irlandesa, também seja o menos roqueiro. Felizmente, o destaque dado à instrumentos mais tradicionais como banjo, acordeom, gaita e violino acabou por chamar atenção às ótimas composições de King. Por isso, apesar de um pouco menos energético, o som da banda continua tão interessante quanto antes.

Float é na realidade a continuação natural de Within a Mile of Home, lançamento anterior do septeto, que já trazia composições mais tradicionais, ao lado dos conhecidos punk rocks celta e músicas de piratas. Também dando continuidade à evolução da banda, a produção e gravação de Float são as melhores da discografia do Flogging Molly, dando o destaque necessário a cada um dos muitos instrumentos usados pelos caras (e moça).

Entre as faixas mais pesadas estão as ótimas “Man With No Country” e “Paddy's Lament”, que conta com uma introdução típica do Dropkick Murphy’s, outra banda conhecida por mesclar punk rock com instrumentos tradicionais da música celta. “Punch Drunk Grinning Soul” se destaca pelo encerramento pesado, o mais próximo que o septeto jamais chegou do stoner rock do Queens of the Stone Age. Tão boas quanto, as músicas mais calmas estão bem representadas por “Float” e “Us of Lesser Gods”. Mais importante do que destaques, entretanto, é o fato do álbum ser bom do início ao fim, algo tão difícil de se encontrar. Não há aqui pontos baixos, músicas a serem puladas. Isso é que faz de Float um disco a ser lembrado.

Spit In The Face

2008-03-20T00:39:00.002-03:00

Durante o fim de semana os punk rockers do Anti-Flag disponibilizaram em seu MySpace “Spit In The Face”, terceira música divulgada de The Bright Lights of América. O novo álbum da banda de Pittsburgh será lançado no próximo dia 1º de abril pela RCA records e já pode ser encomendado (com faixas bônus) pelo site do quarteto. Diferente de “Good and Ready” e “The Bright Lights of América”, as faixas reveladas anteriormente, “Spit In The Face” é um punk rock veloz e agressivo, que deve deixar os antigos fãs da banda com um sorriso no rosto.

Millencolin – Machine 15 (2008)

2008-03-18T00:02:00.002-03:00

Depois de 3 anos os suecos do Millencolin estão de volta com seu 7º álbum, Machine 15. Como era de esperar, este é um álbum bem diferente dos lançamentos anteriores da banda, que tem uma sonoridade marcante, mas produz discos com feelings distintos. A música título abre esse trabalho no clima de Kingwood, álbum anterior do quarteto. Mais rock n roll do que hardcore, “Machine 15” lembra o trabalho dos conterrâneos do Hives e Randy. A partir daí, o disco começa a surpreender. ”Done Is Done” é pesada e tem um arranjo de cordas esquisito que produz um bizarro hardcore orquestrado. Já a faixa de divulgação, “Detox”, é bastante pop, com um piano fazendo fundo a um rock radiofônico muito bom.

Após este início quase esquizofrênico o álbum começa a trilhar um caminho próprio, seguindo em direção ao mundo das rádios. Poderia ser bom, mas é apenas aguado. Lou Giordano acerta na produção, dando ao álbum uma sonoridade compatível com as composições. O estilo limpo da gravação cai bem ao feeling pop que predomina no trabalho e, excluindo as estranhas orquestrações, os pianos, teclados e efeitos de estúdio se encaixam bem, provando o talento do produtor. Paradoxalmente, a ótima produção faz Machine 15 se parecer ainda mais com discos esquecíveis de várias bandas de pop rock que costumam sumir das rádios tão rápido quanto aparecem as próximas.

As letras do vocalista Nikola também soam mais genéricas, sem a sinceridade tão característica tanto de seu trabalho solo quanto com o Millencolin. Além da música título e de “Detox”, após os 45 minutos de rock se destacam apenas “Who's Laughing Now” e “Brand New Game”, com seu refrão quase emo. Essa última também é dona da melhor letra de Machine 15, um apanhado de referencias à músicas anteriores da banda que é um deleite para os fãs de longa data. Considerando-se a capacidade e qualidade do Millencolin, este é apenas um disco menor na discografia dos caras.

NOFX no 3º mundo

2008-03-07T00:33:00.003-03:00

Assista abaixo o ótimo trailer de Backstage Passport, documentário sobre a turnê que os punk rockers estadunidenses do NOFX fizeram por vários países da América do Sul, África e Ásia em 2007. Backstage Passport irá ao ar no dia 15 de abril via Fuse TV.

NOFX : Backstage Passport

Também ótimo é o novo clipe do Presidents of The USA, “Mixed Up SOB”. A música é a primeira faixa de divulgação do quarto álbum do trio These Are The Good Times People, que chegará as lojas dia 11 de março. Assim como a própria banda, o clipe parece uma peça arqueológica da década de 90. Não por acaso foi dirigido por "Weird Al" Yankovic. Não fossem o iPhone e o Guitar Hero poderia ser confundido com um vídeo do tempo em que a banda bombava nas rádios com hits como “Lump” e “Peaches”. Assista:

Mixed Up SOB

Multimídia

2008-03-05T01:22:00.004-03:00

Cada vez mais a internet vem sendo invadida por streamings de áudio e vídeo. Há muito se foi o tempo em que os fãs esperavam ansiosos pela estréia do clipe da sua banda favorita na MTV, ou ligavam o rádio na Cultura FM de Brasília para ouvir na integra o novo álbum do Smashing Pumpkins. Com MySpace e You Tube quem precisa da mídia tradicional? Correndo o sério risco de soar so last week, vamos às dicas do dia.

A banda californiana No Use For A Name postou em sua página oficial do MySpace “Biggest Lie”, tirada de The Feel Good Record Of The Year, que sairá em CD em Abril. A música é um hardcore veloz como há vários anos o NUFAN não produzia. Os fãs do hardcore melódico californiano, típico da década passada, devem adorar. Também vale reparar na foto dos caras em frente ao Cristo Redentor. Curioso.

Já o MySpace do Against Me traz “Gypsy Panther”, b-side do último disco do quarteto New Wave, lançado ano passado. A música é boa, mas não surpreende, seguindo a linha de todas as outras músicas do último trabalho da banda. Já o AKAs está de volta após quase 5 anos sem lançamentos. É possível ouvir "Dead Flowers Forever" no MySpace do quinteto estadunidense. A primeira faixa revelada de Everybody Make Some Noise é bem boa apesar de um tanto mais pop do que os hits do álbum anterior. O disco chegará às lojas gringas dia 18 desse mês.

O MySpaceTV também está cheio de novidades esta semana. A reencarnação do já citado Smashing Pumpkins lançou o clipe da chatíssima “Superchrist”. Não fosse suficiente a música ser entediante (apesar de bem pesada), o clipe também é bem fraco. Os abóboras amassadas deviam ter continuado mortos. A boa novidade fica por conta de “Detox”, o novo (e bom) clipe dos suecos do Millencolin.

“Brand New Game”, primeira faixa de Machine 15 divulgada pela banda já era pop, mas “Detox” vai além e parece criada para as rádios. Com um piano fazendo fundo por boa parte da faixa e uma melodia chiclete, a música surpreende. É fato que a banda sempre lança álbuns diferentes uns dos outros, e “Detox” atiça ainda mais a curiosidade dos fãs por Machine 15, que será lançado no final do mês.

Offspring e Flogging Molly

2008-03-03T01:57:00.002-03:00

O site ZonaPunk disponibilizou para download uma música nova do Offspring chamada “Half Truism”. A versão foi tirada de uma apresentação da banda em Melbourne, na Austrália, na última sexta-feira. Depois do fraquíssimo Splinter, de 2003, a banda californiana tenta voltar das cinzas com um novo trabalho, ainda sem nome. Difícil saber que direção o disco terá, mas as duas novas faixas que o Offspring mostrou ao vivo até agora (“Hammerhead” e “Half Truism”) mostram a banda novamente andando para frente. Se os caras têm alguma chance de permanecer relevantes é continuar evoluído musicalmente. A questão não é compor músicas mais adultas ou tecnicamente mais complexas, mas não ficarem presos a uma formula, repetida até a exaustão.

“Hammerhead” tem influencias diversas que vão desde um forte apelo pop até guitarras grunge, passando por um solo de baixo, uma esquisita introdução e pelo típico hardcore offspringuiano. Já “Half Truism” parece mais bem resolvida. Alternando entre um hardcore cheio de backing vocals e um refrão meio emo, a música tem cara de single. São apenas primeiras impressões de arquivos com uma qualidade sonora precária, mas deixam no ar a esperança de que um bom álbum virá nos próximos meses. Veja os vídeos aqui e aqui.

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Outra novidade do fim de semana é Float, novo álbum dos irlandeses do Flogging Molly. O rock celta do septeto sempre foi de primeira qualidade, mas só agora ganhou produção e gravação á altura. Poderia ter deixado o som da banda meio plastificado, mas para a sorte de todos, apenas realçou as qualidades das composições de Dave King. Uma resenha de verdade certamente virá em breve, mas por hora escute o álbum inteiro no MySpace oficial da banda. O disco chegará às lojas gringas no próximo dia 4, terça-feira.